Mabel Espectaculo

EL ARCO DE TRUINFO de Pacho O’Donnell

2012-02-09T20:19:00.000-08:00

EL ARCO DE TRUINFO
de Pacho O’Donnell
Dirección y Escenografía: Daniel Suárez Marzal
Elenco: Nacho Gadano –Victoria Onetto
Con: Miguel Jordán, Ana María Castel, Ariel Pérez De María.
Teatro Regina TSU Avenida Santa Fe 1235
Funciones: jueves, viernes y sábados 21 h, domingos 20 h.
El arco de triunfo muestra la llagada al país de Tincho (Nacho Gadano), quién ante la crisis social de 2001, decidió emigrar a Francia.
Esta visita moviliza a los padres, que se desviven en agasajos para el hijo que regresa aparentemente ganador, con demostraciones de amor y alegría unidas al deseo de que se quede definitivamente.
Poco a poco el recién llegado siente que va recuperando los motivos que acentuaron su nostalgia por volver: su madre; su padre, con quién se anima a cantar algunos tangos; Aníbal, el amigo entrañable y fanático de boca como él; y Norita, su antigua novia y cable a tierra.
En tono de comedia costumbrista, con una buena dosis de humor, los personajes plantean el desarraigo, las comparaciones y los cambios en el país, en un juego donde todos simulan una realidad que oculta algo.
Suárez Marzal tiene en esta obra doble tarea: como director impone un ritmo vertiginoso. En cuanto a la escenografía destaca en primer plano una mesa y sillas, y de fondo una cama, ambos espacios duplicados en dos cuadros.
Y a un costado del escenario una original cortina de lámparas led, que según los distintos momentos que propone el relato cambia a los colores de Boca, Francia y Argentina, y que bien podría graficar el tango cambalache de esos duros años evocados que vivió el país.

Excalibur... de Pepe Cibrian Campoy-Angel Mahler

2012-02-06T13:03:00.000-08:00

EXCALIBUR

Teatro Astral (Corrientes 1639)
Funciones: miércoles, jueves y viernes 20.30h sábados 19 y 22.30h domingos: 16h (PRECIOS POPULARES) y 20h
Libro, letra, puesta en escena y dirección: Pepe Cibrián Campoy
Música original y orquestaciones: Ángel Mahler
Dirección musical: Ángel Mahler y Damián Mahler
Escenografía: Carlos Cifani
Vestuario: Pepe Cibrián y Cristian Bernardini
Puesta de luces: Pepe Cibrián y Tito Romero
Dirección general: Pepe Cibrián Campoy
Para llevar adelante cada función, más de 120 personas trabajan en Excalibur entre elenco, orquesta y operadores. Más de 1000 personas trabajaron en total en la confección de vestuarios, talleres de escenografía, vestidores, peinadores, escultores, maquinistas, utileros, efectos de magia y efectos especiales. Además esta producción posee más de 600 artefactos lumínicos de nueva tecnología, Sonido 5,1.
En está puesta en escena Pepe Cibrián y Ángel Mahler decidieron incorporar nuevos componentes que son los efectos especiales y de magia que acompañan para apoyar el relato de la historia. Dichos efectos especiales se encuentran a cargo del equipo de Trentuno, y un grupo de magos encabezados por Guillermo Tallon, Hugo Valenzuela y Salvador Sufrate.
Trentuno es una empresa con una larga trayectoria en efectos especiales, sus inicios fueron junto a Narciso Ibáñez Menta en aquella televisión en blanco y negro que asustaba con "EL FANTASMA DE LA ÒPERA" o “El hombre que volvió de la muerte”. En la actualidad formó parte del festejo del bicentenario celebrado el 25 de mayo de 2010, también en la reapertura del Teatro Colón en la ópera “La Bohème” y en la mega exposición Tecnópolis.
COMENTARIO
Con una imponente puesta, Pepe Cibrián y Ángel Mahler encararon el desafío de “Excalibur una leyenda musical”.
Dentro de una espléndida producción que no escatimó en recursos, resaltando hasta en los mínimos detalles el buen gusto, la poesía y el asombro.
Puesto en evidencia en el vestuario, escenografía, tecnología de luces, música en vivo, efectos especiales y magia.
Una versión que conserva la esencia del clásico, en la idea de que Arturo (Emilio Yapor) debe lanzar y reconquistar la espada excalibur, recibida de su padre (Leonel Fransezze) antes de morir, y así tendrá derecho al reino, siempre que se conserve puro de corazón y sea capaz de resignarlo por amor.
En esta puesta el joven es guiado por un Merlín (Juan Rodó) muy especial, ataviado de azules y violetas, personaje de aspecto gallardo, vital y bromista acompañado de un séquito a tono con sus picardías.
También la dulce Guenevier (Luna Pérez Lening), será el motivo verdadero que lo acompaña a su destino final.
Los que van a impedir de cualquier forma que Arturo logre sus objetivos son Morgana (Candela Cibrián) adornada con calaveras y Golbar (Hernán Kuttel) hermanastro de Arturo, alentado por su despechada madre Laria (Diana Amarilla).
A la magia y belleza que envuelven cada musical de Pepe Cibrián y Mahler se agregan en esta oportunidad los trucos de magos en vivo: espadas que vuelan, personajes que se esfuman o levitan ante nuestros ojos, dándole contundencia a la leyenda.

NORMA ALEANDRO VUELVE AL TEATRO MAIPO CON MASTER CLASS

2012-02-04T13:36:00.000-08:00

TEATRO MAIPO

TEMPORADA OFICIAL 2012
NORMA ALEANDRO
MASTER CLASS
de Terrence McNally
Adaptación de Fernando Masllorens y Federico González del Pino
Dirección AGUSTIN ALEZZO
A partir del 21 de Marzo, Norma Aleandro vuelve a interpretar la obra con la que hace 15 años asombró con su recreación del personaje de María Callas, no sólo al público argentino sino también al propio Terrence McNally que durante su visita a la Argentina, la consideró como la mejor interpretación de todas las que se habían llevado a cabo en el mundo hasta ese momento.
Esta puesta cuenta nuevamente con la dirección de Agustín Alezzo y la dirección musical de Susana Naidich, con un elenco conformado por Lucila Gandolfo y Carolina Gómez, que se alternarán en los roles de las dos sopranos, Marcelo Gómez como el tenor, Santiago Rosso como el pianista y Hugo Arguello como el utilero, más la participación como turnantes de Lucía Silva y Felipe Forastieri. La escenografía e iluminación fueron diseñadas por Tito Egurza, el vestuario del
elenco fue diseñado por Pablo Battaglia y el de Norma Aleandro es una creación de Gino Bogani, sobre auténticos modelos que luciera Callas durante sus clases. Por la puesta de 1996, Norma Aleandro recibió el ACE a la Mejor Actriz y el ACE de Oro a la trayectoria, y Agustín Alezzo fue distinguido como Mejor Director.

FUNCIONES de miércoles a domingo 20:30 hs.
Localidades:
Plateas $ 180
Palcos Bajos: $ 150 (c/u)
Super Pullman filas 1 a 3 $ 150
Super Pullman filas 4 y 5 $ 110
Palcos Balcón $ 110 (c/u)
Pullman $ 110
Palcos Altos $ 70
Entradas en venta en el Teatro Maipo (Esmeralda 443) y a través de Plateanet
(http://www.plateanet.com)
Hasta el 26 de Febrero, las entradas pueden comprarse en 3 cuotas sin interés con Tarjetas VISA.
ESTRENO 21 DE MARZO
TEATRO MAIPO (sala mayor) - Esmeralda 443

2012-02-04T13:33:00.000-08:00

MINEROS
de Lee Hall inspirada en el libro de William Ferver.
Versión y dirección: Javier Daulte
Traducción y adaptación: Fernando Masllorens y Federico González del Pino.
Producción: Pablo Kompel
Diseño de iluminación: Gonzalo Córdoba
Diseño de escenografía: Alberto Negrín.
Teatro Metrpolitan 1 Avenida Corrientes 1343
Elenco: Hugo Arana, Darío Grandinetti, Juan Leyrado, Jorge Marrale.
Con: Patricia Echegoyen, Juan Grandinetti y Milagros Almeida.
Funciones: miércoles, jueves y domingos 21 h, viernes 21:30 h, sábados 20:15 y 22:45 h.

Mineros está basada en un hecho real ocurrido en Londres en los años ‘30, cuando algunos mineros son alentados por sus sindicatos a tomar diferentes cursos.
En este caso se trata de un grupo de Ashington que se sorprenden con la llegada del profesor Lyon (Jorge Marrale), para iniciarlos en apreciación del arte.
El maestro se encuentra con hombres comunes, alejados de lo artístico y decide enseñarles a pintar, pintando.
Poco a poco los mineros logran grandes resultados, sus trabajos trascienden la oscuridad de las minas, son reconocidos por expertos y ocupan galerías.
La obra plantea entre otras cosas un debate sobre el arte, quiénes están en condiciones de generarlo o si es inherente al ser humano.
También aparece el contexto social de una época: la diferencia de clases, las condiciones laborales y el pensamiento político, pero por sobre todas las cosas, la comunión de un grupo que prioriza la amistad y los códigos que los identifican a la hora de tomar decisiones.
Impecable trabajo actoral de los cuatro protagonistas de esta emotiva historia: Juan Leyrado como Harry, ex minero devenido en mecánico dental, los dos mineros Olivier (Darío Grandinetti) y George (Hugo Arana) vinculado al sindicato y Jorge Marrale el docente.
Además suman las actuaciones de Juan Grandinetti como sobrino de George, Patricia Echegoyen en el papel de una exquisita coleccionista y Milagros Almeida la modelo de los desnudos. Todo lo que rodea a la puesta adquiere ribetes poéticos, la utilización del fundido a negro para separar acciones, la elección de la música de Mozart o Bach que acompaña las distintas escenas. La iluminación de Gonzalo Códoba junto a los precisos contrastes de escenografía diseñados por Alberto Negrín dan el clima a los espacios subterráneos umbrosos, al brillo de los museos o el blanco inmaculado de una mansión de lujo.El soporte de video genera un momento sublime cuando los mineros se ven incluidos dentro de “la habitación de Arles” del cuadro de Van Gogh.

NOTICIAS DE MIGUEL ANGEL SOLA...

2011-12-16T20:27:00.000-08:00

abc.es Extracto del artículo publicado en el periódico ABC, el 9 de diciembre de 2011, página, 47.
LA PRIMERA VEZ DE MIGUEL ÁNGEL SOLÁ
JUAN IGNACIO GARCÍA GARZÓN. Crítico teatral de ABC.
Al poco de concluir la función en el teatro Palacio Valdés, de Avilés, Miguel Ángel Solá parece exhausto, aunque en esta ocasión no ha estado sobre el escenario como actor. El pasado fin de semana se estrenó en la dirección de escena con «Antes te gustaba la lluvia», una obra de la autora holandesa Lot Vekemans.[...]
Tras la auspiciosa primera representación, [...] Dice Solá que « prefiere estar frente a los espectadores en escena, donde más o menos se puede controlar lo que pasa, que estar fuera, en tensión, calibrando si lo que sucede sobre el escenario se atiene a lo ensayado y, a la vez, atento a las reacciones del público».
La obra de Lot Vekemans -en una cuidada y sutil traducción de Ronald Brouwer-, que representan Blanca Oteyza y Sergio Otegui, plantea un difícil equilibrio de matices, todo un reto para los actores y un verdadero trabajo de relojería para el director [...]. El título original de la obra es «Gif» (Tóxico), «pero consideramos
–explica Solá–, que no expresaba todo lo que queríamos contar. Yo veía una historia de amor en «Antes te gustaba la lluvia», y creí firmemente que el lenguaje de los cuerpos se impondría a la distancia, y así la fui llevando, entonces, su título ‘Tóxico’ se quedaba en la anécdota».
El argumento reúne en la fría sala de espera de un cementerio a una pareja que no se ha visto en doce años; unas obras en la necrópolis pueden motivar el traslado de la tumba del hijo común, muerto en accidente. En el reencuentro palpitan viejas tensiones, una sorda ira por los desencuentros del pasado, la desenvoltura fingida, la proximidad recordada... [...]
Finalmente, su primera vez como director ha sido un éxito. Blanca Oteyza y Sergio Otegui, que protagonizan el cara a cara descarnado y tierno a la vez dibujado con sensibilidad por Vekemans, se abrazan sonrientes sobre el escenario envueltos en un intenso y prolongado aplauso. Se nota que están satisfechos y que la cosa ha funcionado. [...] Le pregunto al director si el director Solá dejará que el actor del mismo nombre vuelva a asomarse a los escenarios y, cauto y ajeno al exhibicionismo del divo, contesta con humildad no fingida que «el director Solá aún está casi por verse. Que aún tiene que atravesar el océano del sufrimiento todavía. Yo me siento orgulloso de lo logrado por los actores, que son los que viven y hacen vivir la historia. Y si he tenido que ver en lo bueno, mi orgullo es doble».

SALOME

2011-11-12T21:09:00.000-08:00

SALOMÉ DE CHACRA
dramaturgia y dirección Mauricio Kartun
Elenco: Osqui Guzmán (gringuete), Manuel Vicente (Herodes), Lorena Vega (Salomé), Stella Galazzi (Cochonga)
Asistente artística: Lorena Ballestrero.
Supervisión de movimientos:Luciana Acuña.
Diseño sonoro: Tian Brass.
Diseño de iluminación: Alejandro Le Roux.
Diseño de vestuario: Gabriela A. Fernández.
Diseño de escenografía y realización de elementos: Norberto Laino.
Teatro San Martín Avenida Corrientes 1530
Sala Cunill Cabanellas
Funciones: miércoles a sábados 21 h, domingos 20 h.

Con el rigor y la magia que lo caracteriza, Mauricio Kartun atraviesa el mito de Salomé al ambiente de una chacra pampeana.
En medio de un día agitado por la faena de animales para chacinados, llegan desde Europa Salomé con su madre, que en esta historia es la Chochonga.
Herodes el padrastro la recibe y al verla sus instintos se encienden, al igual que los del solícito peón, “el gringuete”, tal vez por efecto del viento norte que enturbia los pensamientos.
En el aljibe del patio Herodes mantiene castigado a un gaucho anarquista, hasta que aprenda de la constitución los valores de la democracia. Este gaucho representa a Juan el Bautista y su voz resuena como la conciencia desde el fondo del pozo, cautivando a Salomé, que arde en pasión por poseer esa boca reveladora.
El padrastro insiste con un bailecito lascivo que realizaba cuando era niña, ella pacta sexo por la boca del rebelde, pero es su madre la que insita a obtener como trofeo la cabeza del Bautista, germen metáforico de los ideales de cambio.
Impecables creaciones en las criaturas que habitan en los actores, que construyen el delicado equilibrio entre el desparpajo a través del humor y la poesía.
Lorena Vega concentra en su cuerpo la síntesis del deseo, Osqui Gusmán moldea y dice lo callado, Stella Galazzi y Manuel Vicente son la expresión delirante de la hipocrecía de una época.
Los detalles de iluminación y escenografía refuerzan la idea de parodiar la tragedia y asimilarla a nuestra escencia.
También la puesta suma a la fuerza del texto recreando un altar de ofrendas recargado con velas, flores y osamentas, donde se mezcla lo sagrado y lo profano.

MATEO en el Cervantes

2011-10-31T16:28:00.001-07:00

MATEO
de Armando Discépolo
Dirección: Guillermo Cacace
Elenco: Roberto Carnaghi, Rita Cortese, Mario Alarcón, Horacio Acosta, Max Berliner, Paloma Contreras, David Masajnik, Iván Moschner y Agustín Rittano
Músicos: Demián Luaces, Eliana Liuni, Juan Pablo Casares, Francisco Casares y Patricia Casares (música y dirección musical).
David Seldes: iluminación,
Magda Banach:diseño de vestuario
Félix Padrón: escenografía.
Funciones: jueves a sábados a las 21.00 horas y los domingos a las 20.30 horas.
Platea: $40

Este clásico del creador del grotesco criollo, Armando Discépolo (estrenada en 1923), retrata a través de la hondura de sus personajes, las miserias de un orden social injusto.
Ellos son los arquetipos de la oleada de inmigrantes italianos de esa época, llevando a cuestas la pobreza cotidiana por falta de trabajo, la pérdida de las utopías,el desarraigo, y la falta de comunicación con los demás y con su familia por las difrencias generacionales.
Dentro de un género teatral que tiene la particularidad de transitar la realidad entre el humor y el drama, poniendo la tensión en los sucesivos fracasos que llevan a la degradación final.
Además de mostrarnos las dos caras que adoptan estos seres desesperados y el esfuerzo que los conduce a dejar caer la pesada máscara que cubre sus verdadero rostro y devela el mundo interior.
La obra relata la historia de Michele, un inmigrante italiano que sobrevive de los viajes que realiza con su carruage tirado por el fiel caballo Mateo.
Pero el progreso irrumpe en la ciudad con la llegada del automóvil, y esto deja al protagonista sin su fuente de ingresos.
La miseria, las deudas, los conflictos familiares y el ocaso de Mateo lo arrinconan y obligan a trasgredir la línea moral y ética en una especie de pacto con el diablo,instigado por su paisano Severino.
Esta versión de Guillermo Cacace recurre a una puesta sobria y oscura que testimonia la deseperanza, el hacinamiento del conventillo, y los sueños lejanos evocados por la música en vivo, además del imponente efecto que produce el caballo Mateo (interpretado por Max Berliner), emergiendo del escenario con un conductor del carro desbordado.

4D OPTICO

2011-10-15T20:15:00.001-07:00

4D ÓPTICO
escrita y dirigida por Javier Daulte
Teatro Nacional Cervantes Libertad 815
Intérpretes: Gloria Carrá, Luciano Cáceres, Elisa Carricajo, Héctor Díaz, Gaby Ferrero, Rafael Ferro, Julieta Vallina, Andrea Garrote.
Diseño de sonido: Mauro García Barbé
Iluminación: Gonzalo Córdoba
Vestuario: Mariana Polski
Escenografía: Alicia Leloutre
Asistencia de dirección: Marcelo Méndez
Producción del TNC: Daniela Szlak
Funciones: de jueves a sábados 20:30, domingos: 20 h.
4D óptico estrenada hace ocho años en Barcelona en versión bilingüe, llega a la sala Orestes Caviglia del Teatro Nacional Cervantes.
Una obra que involucra a ocho actores en una sala pequeña, lo que aumenta la sensación de convivencia que genera el teatro.
La historia gira en torno a un grupo de científicos, que pasan la mayor parte de sus días en un laboratorio detrás de un importante proyecto, hasta que por alguna contingencia imprevista llegan a habitar dos realidades.
A través de un registro de voces, atraviesan el umbral de lo conocido y adquieren personalidades opuestas, de un lado son investigadores y del otro lado forman parte de una ficción policial en la mansión alemana Urkel.
Desde ese momento deben evitar que en ese plano paralelo ocurra un homicidio, lo que desataría el inexorable fin del universo.
Por medio de los elementos fantásticos que proporciona la ciencia ficción, se intenta materializar la eterna dualidad del ser y sus sueños, deseos o temores proyectados en otra dimensión.
Con mínimos recursos y mucho ingenio se recrea un espacio de ciencia: computadoras, tubos de ensayo, raros aparatos a control remoto y una lámpara de lava, que sería la llave de la puerta a lo ignorado.
Un trabajo actoral muy bueno e intenso, dónde los protagonistas pasan todo el tiempo por dos narraciones, con continuidad en distintos planos, y la utilización del fundido a negro, para separar acciones, lo que le da un toque cinematográfico.
Y como siempre en la dirección Javier Daulte consigue transmitir, precisión, seguridad y efecto lúdico.

CUIDADO... DESVÍO en La Comedia

2011-10-09T21:22:00.000-07:00

CUIDADO……. DESVÍO
de Ana Ferrer
Dirección Jorge Graciosi
Elenco: Luis….Gabriel Fernández, Elsa… Patricia Durán, Billinsky…. Carlos Kaspar, Pastor… Luis Gianneo, Pastora… Silvina Alfie.
Teatro La comedia Rodríguez Peña 1062
Funciones: Sábados 21 hs.
La acción transcurre en nuestro país, ambientada en los años noventa, sacudido por profundas dificultades sociales y económicas.
Luis y su esposa Elsa, dueños de un bar, se ven afectados por un desvío municipal que deja al negocio sin clientes, la desesperación se apodera de ellos y acentúa sus problemas. Pero la devoción religiosa de la mujer hace que se conecten con un pseudo pastor, muy verborrágico que ve la oportunidad de aprovecharse de la circunstancia por la que atraviesan estos seres.
Este ministro les propone una sociedad, que los lleva a habilitar el lugar como templo, secundado por su pareja la pastora.
El sitio se transforma en un negocio floreciente, hasta convencen a uno de los clientes, ateo y comunista, en colaborar con el empresa.
El ángel y la profunda fe de Elsa atraen cada vez más adeptos, otras tantas almas desilusionadas que esperan un milagro, dejando limosnas de lo poco que tienen.
Es ella también quién reacciona a tiempo, toma conciencia del desvío moral que está ocurriendo en ellos, y decide enfrentarlo.
Cuidado…desvió es una comedia de lo cotidiano, una sátira a la realidad cercana que pinta con humor hasta dónde somos capaces de llegar en una situación límite.
Muy buen trabajo actoral, puesta y dirección, que por la intimidad de la sala, hace sentir a los espectadores como fieles.

MARGARITAS EN LA VENTANA en Brilla Cordelia

2011-10-06T14:42:00.000-07:00

MARGARITAS EN LA VENTANA

Escrita y Dirigida por Pablo Vascello
Brilla Cordelia Pte. Juan Domingo Perón 1926.
Intérpretes: Paula Badariotti (vieja); Chabeli Gonzalez Pazo (niña); Romina Lettier(adulta); Actuación en video: Pablo Vascello
Funciones: domingos 20 h.

Nos acerca la naturaleza de la obra de Samuel Beckett, en una propuesta en que el grupo Laferrere se Artaud se inspira en el teatro clásico de títeres japonés (Bunraku), donde el espectador se concentra en el títere y no en el que lo maneja.
Realizando los actores un trabajo corporal (teatro físico) en el cuál el cuerpo es utilizado como títere: disociado, manipulado por otro o por estímulos de luz y sonido.
Combinando también el lenguaje audiovisual y el de la narración oral, para abordar el tema del abuso en la víctima y su repercusión en la sociedad.
Una mujer de sesenta años, próxima a la muerte siente que la palabra la vuelve a habitar, después del hecho traumático de una violación a los doce años y la separación de su hijo.
Con un relato entrecortado, primitivo, plagado de silencios, con voces en tercera persona, esta anciana delega en la niña, en la adulta y en la vieja que anida en su cuerpo, la memoria detenida en el tiempo.
Como un relato en sepia, todo está como era entonces. Ella debajo la sombrilla, el gato en su regazo y las margaritas en la ventana.
Ahora hay un teléfono que suena y no puede alcanzar lo que estimula sus dudas y confirma la falta de comunicación a lo largo de su vida, y siempre hay una persona que observa.
Con claras referencias a Jerzy Grotowski, que propone un teatro despojado de accesorios; haciendo foco en el actor y la influencia de Samuel Beckett, que formula un espacio escénico minimalista y centra la atención en la austeridad de las palabras, llevando a los personajes a la revelación de la condición humana.
Impecable trabajo de investigación y realización, una obra fuerte, que conmueve y nos deja ver las cicatrices profundas del abusado.

CEREMONIA SECRETA en el Xirgu

2011-09-29T16:17:00.000-07:00

CEREMONIA SECRETA

Autor MARCO DENEVI Dirección OSCAR BARNEY FINN
Elenco: ESTELA MEDINA - SOLEDAD FANDIÑO - SUSANA LANTERI y ANA MARÍA CASÓ
Teatro Margarita Xingú - Chacabuco 875
Funciones: Viernes, Sábados 20 y Domingos 19hs.
Ceremonia secreta nos cuenta de qué manera Leónides Arrufat, una solterona oscura como sus ropas, vincula su vida a la de una joven que la persigue desde el tranvía camino al cementerio, en donde la alcanza.
Situación que la llena de temor, hasta que ambas se enfrentan, Cecilia la muchacha le dirige una frase que aclara en algo la situación: “no me vuelvas a abandonar más, mamá”, la abraza y juntas salen del lugar.
Y se encaminan a la casa de la calle Suipacha 78, propiedad de la familia de Cecilia, una casona llena de objetos que testimonian el esplendor de otras épocas, y entre ellos algunas fotografías de una mujer muy parecida a la solterona de esta historia.
A partir de allí ambas entrelazan su existencia, aceptan las distintas transformaciones de personalidad, convencidas de ser la otra que habita en ellas.
Al punto que Leónides siente que debe hacer justicia ante una confesión de Cecilia que lleva al desenlace final y expresa que el destino no la llamó en vano, es la celebrante y debe cumplir con el último acto, en el momento que parecía habían recuperado su identidad.
Esta versión teatral de la nouvelle de Denevi, logra instalar el ambiente oscuro y de misterio, apoyado en el preciso trabajo de iluminación y la escenografía que transforma el espacio escénico con elementos sobrios y significativos.
Los que disfrutamos al leer la novela, celebramos esta versión teatral por las muy buenas actuaciones, puesta y dirección.

VITRIOL en el Barolo

2011-09-29T16:15:00.000-07:00

Vitriol
Idea, traducción y adaptación literaria Jorge Sanguinetti
Puesta en escena y dirección general Luciano Cohen y Gonzalo Villanueva
Funciones: sábados a las 21 horas Localidades: $ 40.-
Palacio Barolo – Av. De Mayo 1370
Elenco
Dante: Emiliano Carrazzone Virgilio: José Luis de Giano
Catón/Humberto Aldobrandesco/Alma: Miguel Finkelstein
Ángel/Procne/Pasifa: Patricia Carro Casella/Felipe, el Hermoso/Alma: Juan Moretti
Manfredo/Rey Amán/Hombre de la Lujuria /Alma: Sebastián Bisio
Belacqua/Papa Martino/Carlos de Anjou: Leonardo Alcarraz
Emperador Rodolfo/Rey Nimrod/Alma: Edgardo Souza Un demonio/Estacio: Gonzalo Villanueva
Serpiente del Edén/Hugo Capeto/Alma: Oscar Giménez
Soldado/Pigmalión/Hombre de la Lujuria /Alma: Nicolás Conti
Boncante/Rey Midas/Guido de Duca: Inti Erisictón/Guido Guinizelli/Alma: Oscar Rodríguez
Sapia/Lía /Mujer de la Lujuria : Eva Matarazzo Poeta/Hija/Alma: Paula Cancela
Sirena de la Pereza /Mujer de la Lujuria /Alma: Marilyn Anahí Calvigioni
Mujer noble y santa/Raquel/Beatriz/Alma: Sofía Spano
Luces del Purgatorio: Mailén Niño, Ruth Nomeisky, Ignacio Parra y Juan Altamirano

Vitriol la adaptación teatral del purgatorio de la Divina Comedia de Dante Alighieri, nos convoca y emociona por partida doble: por la intensidad y poética del texto y por representarse en el lugar que contiene arquitectónicamente la mística de la obra.
La puesta original de Gonzalo Villanueva y Luciano Cohen logra un armonioso movimiento escénico, pese a la importante cantidad de personajes, que interpretan veintiún actores.
Gonzálo Villanueva, además, ideó la escenografía con la original propuesta de una torre metálica de grandes dimensiones que sintetiza la ascensión de Dante, diseñada por el ingeniero Antonio Muñoz.
También junto a Luis de Giano, consigue crear todos los climas en ese espacio de tinieblas, dándole protagonismo a la iluminación que desde distintos ángulos manejan algunos actores en el papel de las almas esperanzadas.
A esto se agregan proyecciones animadas como el fuego donde Dante se purifica junto a Estacio su nuevo guía camino al paraíso.
Un interesante trabajo en equipo que rescata con elementos simbólicos la esencia de este clásico, como el báculo iluminado de Virgilio o el árbol de la sabiduría realizado por Alberto Cuello.
Otro detalle significativo y funcional es el vestuario de Fernanda Piamonti resuelto con mallas metálicas, arpilleras, coronas de flores, sandalias, trajes con bolsas plásticas y las máscaras de María Maidana Corpus.
Muy buena elección e interpretación la de Emiliano Carrazone como Dante y el esfuerzo y entrega del grupo actoral para encarar el desafío que propone esta obra.
Una propuesta en la que nada quedó librado al azar, incluso la música en vivo con distintos instrumentos.

EL REPORTERO

2011-09-18T21:31:00.001-07:00

El reportero
Libro y Música: “CHINO” VOLPATO - DIEGO ARANDOJO
Dirección HÉCTOR DÍAZ Coord. Artística: JAVIER DAULTE
Elenco: “Ruso” Levy, FABIÁN VENA Horacio Carreras EDUARDO BLANCO
DINA MORO ANGHILERI Abogado SERGIO OVIEDO Locutor OMAR VITULLO
Bailarinas: JUDITH KOVALOVSKY TAMARA BRAUNSTEIN
Teatro Multiteatro Corrientes 1283
Funciones: Domingo, Miércoles, Jueves, Viernes y Sábado - 20:30 h - Sábado - 22:30 h Entrada: $ 130,00 -
Esta comedia dramática se introduce desde un lugar de mucho conocimiento en la interna de un programa de televisión.
El nerviosismo de los responsables de la puesta en el aire, la moderna tecnología con que cuentan, la imperiosa necesidad del rating y la tácita impunidad para lograrlo.
El reportero es el nombre de un programa nocturno conducido por Alejandro “Ruso” Levi, quien al cumplir sus veinte años ininterrumpidos en TV entrevista al dueño del canal. Se trata del empresario Horacio Carreras, que además está al frente del emporio minero “Recursos del norte S.A”.
Junto con la dinámica que impone un programa de televisión en vivo, con pausas y bloques, se produce el ácido contrapunto entre un conductor sagaz y un invitado en actitud reservada.
El ruso utiliza todos los recursos para llevar al límite y desenmascarar la verdadera personalidad de Carreras, que afectó su vida y la de otros.
Dentro de la frivolidad de las bailarinas y algunos gags cómicos, aparece el poder de condicionamiento que ejercen en la información algunos medios, la manipulación velada, la hipocresía y el abuso de poder.
Con una puesta impactante que reproduce un set de televisión, y el detalle de los monitores con las imágenes que van saliendo al aire de la confrontación, y otras de testimonios o tomadas por sorpresa al entrevistado.
Muy bien Fabián Vena y Eduardo Blanco en la concepción de los opuestos, junto al interesante grupo de actores que los acompañan, con una propuesta diferente y provocadora.

TE QUIERO SOS PERFECTO, CAMBIA

2011-09-15T11:44:00.000-07:00

TE QUIERO SOS PERFECTO, CAMBIÁ
Multiteatro Av. Corrientes 1283
De Jimmy Roberts y Joe Di Pietro,
Protagonistas: Natalia Lobos, Diego Ramos, Guillermo Fernández y Karina K
Dirección: Ricky Pashkus Dirección Musical: Marcelo Macri
Vestuario: Pablo Battaglia Luces: David Seldes
En escena el Pianista: Hernán Matorra y la violinista Valeria Matsuda
Funciones: jueves y viernes 21 horas. Sábado 20 y 22.15 horas. Domingos 20.30 horas.
Entrada general $130.-
Con un hilo argumental sencillo, te quiero sos perfecto, cambiá, nos muestra situaciones en las relaciones amorosas, familiares y el paso del tiempo.
Atravesando una variedad de aspectos en torno a los vínculos que van desde la primera cita hasta la viudez.
Con una puesta en escena fluida y perfectamente resuelta, nos reconocemos en la ansiedad de un encuentro, el miedo a ser aceptado, las horas pegados al teléfono esperando que el otro nos llame, el matrimonio, los hijos o la conmovedora soledad de Roxana, una divorciada en busca de pareja.
En breves episodios se sostienen el humor y las emociones en perfecta armonía con el trabajo actoral, la música y las canciones.
Hernán Matorra en piano y Valeria Matsuda en violín, ejecutando en vivo y también participando en algunos diálogos, realzan momentos con diferentes géneros: jazz, tango, góspel, country, reggae.
El vestuario y la iluminación ponen el acento en el impecable trabajo de Karina K, Natalia Lobo, Guillermo Fernández y Diego Ramos que se multiplican a ritmo vertiginoso en una variada gama de personajes.
Te quiero sos perfecto, cambiá es una deliciosa comedia que nos habla del amor y las diferentes formas de encuentro.

Matame de nuevo... en la comedia

2011-09-05T14:46:00.000-07:00

MÁTAME

DE NUEVO
Una obra sobre el síndrome Münchhausen
De Erika Halvorsen

Una madre que posee la extraña enfermedad de enfermar a su ser más amado. Un hijo que posee un solo deseo, matar a su madre.Cuando la trasferencia de deseos se vuelve patológica, cuando el amor se vuelve posesión, cuando la fama es obsesión y la mentira realidad, la única vía de escape, seguramente, sea la muerte. Madres amorosas, madres protectoras, madres sobreprotectoras y madres siniestras. Todas esas madres conviven y sobreviven, en Mátame de nuevo. Mátame de nuevo es un grito, desesperado y tragicómico, al ritmo de las canciones de Frank Sinatra. Mátame de nuevo es una comedia negra. Es una relación madre e hijo. Es una ilusión que se vuelve mentira, que se vuelve enfermedad, que se vuelve mortal.

Con MARCELO IGLESIAS Y GERARDO BEGÉREZ
SÁBADOS 23 HS
Dirección: Begérez-Iglesias
TEATRO LA COMEDIA
Rodríguez Peña 1062 Esq Santa Fe
Buenos Aires

EL CORDERO.. EN EL REGIO

2011-09-02T11:15:00.001-07:00

El CORDERO DE OJOS AZULES

de Gonzalo Demaría con dirección de Luciano Cáceres.
Teatro Regio Avenida Córdoba 6056
Elenco: Leonor Manso, Carlos Belloso, Guillermo Berthold
Música original y efectos sonoros: Gerardo Gardelín.
Iluninación: Eli Sirlin
Vestuario: Julio Suárez
Escenografía: Gonzalo Córdoba
Contratenor Matías Rivero y cellista María Eugenia Castro.
Funciones: de jueves a sábados 21 h, dgos. 20 h.
Espectáculo realizado en colaboración con el teatro de Fernán Gómez (Madrid -España)
Cordero de ojos azules nos ubica en el Buenos Aires de 1871, azotada por la fiebre amarilla, captando con crudeza el entorno de esta realidad histórica.
El éxodo de la población, la ignorancia de responsabilizar a los inmigrantes, sobre todo italianos, como causantes de la desgracia por las condiciones inhumanas en que vivían y el contexto socio- cultural de la época.
Refugiados en la catedral se encuentran la canonesa (Leonor Manso) y un pintor (Carlos Belloso), nacido en estas tierras pero que vivió un tiempo en Madrid y volvió por pedido del arzobispo de la ciudad, para plasmar una imagen de Santa Lucía.
Ella, de origen africano lleva la marca de la esclavitud y el abuso, incluso del arzobispo con quién tuvo una hija, cree en los santos y añora la época del restaurador Juan Manuel de Rosas.
Él se siente atormentado por el encierro, la falta de inspiración y seguramente por los prejuicios respecto a su condición de homosexual.
La vigilia prolongada los lleva al delirio. Contrapuntos filosos sobre temas existenciales y en el caso de la canonesa nace el deseo de ser la modelo para retratar a la santa.
El pintor entra en un sopor, ella lo cuida y le exige que cumpla con su tarea, hasta que aparece un personaje misterioso, que no habla, una especie de adonis, que personifica el impulso creador del artista y desea retratarlo como San Sebastián.
Detrás de estos seres desesperados llevados al límite, emergen el tema de la fe, la lucha de clases, la discriminación y el abuso de poder.
La puesta destaca el realismo del texto, con actuaciones intensas que llevan a un desenlace cargado de alegoría; original y significativa escenografía: tres enormes cruces de madera que avanzan hacia la platea, además de distintos elementos de carácter religioso.

FILOSOFIA DE VIDA DE LAPACO, ALCON, BEBAN

2011-08-29T09:41:00.000-07:00

FILOSOFÍA DE VIDA

dramaturgia Juan Villoro.
Dirección: Javier Daulte.
Teatro Metropolitan 1 Corrientes 1343
Elenco: Claudia Lapacó, Alfredo Alcón, Rodolfo Bebán, Alexia Moyano, Marcvo Antonio Caponi..
Escenografía: Alicia Leloutre.
Iluminación: Eli Sirlin
Funciones: miércoles y jueves 21 h, viernes 21:30 h, Sábados 20 y 22 h, dgos. 20 h.
Filosofía de vida propone el encuentro de dos filósofos, El profesor (Alfredo Alcón) y el Pato Bermúdez (Rodolfo Bebán), amigos en la juventud, que después de estar distanciados durante mucho tiempo, la vida los pone frente a frente.
Dos personajes que han tomado caminos diferentes: uno eligió desarrollar sus ideas lejos del vértigo mundanal, en cambio el otro, el Pato, prefirió los placeres, reconocimientos y cargos académicos.
El profesor espera con ansiedad esta visita junto a Clara (Claudia Lapacó), su compañera, la mujer que conoce sus íntimos secretos, lo contiene y acerca a la realidad.
Mientras llega el momento, no dejan de prestar atención a las cuestiones cotidianas, entre las que se intercalan la llegada de una sobrina escritora y la presencia de un actor, que con su frescura contrastan con las profundas dialécticas.
La confrontación comienza cuando Bermúdez ofrece al profesor formar parte de la Academia de filosofía y allí con los elementos que les dan la razón y el conocimiento, dejan al descubierto las debilidades humanas y la actitud frente a la vida.
Filosofía de vida es una comedia dinámica que propone un interesante equilibrio entre los diálogos reflexivos con alusión a grandes pensadores como: Sartre, Beauvoir, Kant, Russell, Darwin, con los de humor.
Excelentes interpretaciones para una inteligente dramaturgia. Adorable composición de Claudia Lapacó en Clara, que también hacia el final devela algo guardado.
Con los detalles de una escenografía que reproduce un confortable living, con una biblioteca de pared a pared, llena de libros, que en algún momento es posible modificarla para otras situaciones.

POR AMOR A LOU

2011-08-21T21:51:00.001-07:00

POR AMOR A LOU
de Mario Diament.
Dirección: Manuel Iedvabni
Teatro Nacional Cervantes Libertad 815
Elenco: María Socas (Lou Salomé), Ana Luz Kallsten (Sara), Heinz Krattiger (Hendrik Guillot), William Prociuk (Paul Rée), Walter Jacob (Friedich Nietzsche), Horacio Roca (Carl Friedich Andreas),Juan Grandinetti (Rainer María Rilke), ArieL Levenberg (Otto Bram), Héctor Bidonde (Sigmund Freud), Joaquín Berthold (Víctor Tausk).
Actores en video: Arturo Bonín (Gottfried Kinkel),) Juan Gil Navarro(Gerhart Hauptmann), María Leal (Helen Deuch).
Diseño de luces y audiovisuales: Tito Egurza
Diseño de vestuario: Daniela Taiana
Funciones: jueves a sábados 20:30 h y domingos 20 h.
Lou Andreas Salomé nace en 1861 en San Petersburgo, en una época de profundos cambios sociales, culturales y políticos para Europa, lo que influencia en su naturaleza autónoma, sentido de la libertad e identidad.
Esta mujer que desafió los modelos convencionales y morales establecidos para su género, como el acceso a las tertulias, lo que la llevó a frecuentar la bohemia de Viena, París y Berlín o ser la única que Freud aceptó en el círculo íntimo de la Sociedad psicoanalítica de Viena.
Su infancia entre varones, la menor de cinco hermanos, las ansias de desarrollarse intelectualmente, influenciaron en el deseo de que fuera tratada como una igual entre los hombres, facilitar la relación de amistad con ellos, rechazando la concepción machista de posesión absoluta.
Mario Diament ubica a Salomé enferma en sus últimos días, acompañada por Sara, una asistente, ordenando cartas reveladoras de una personal e intensa vida.
El soporte audiovisual recrea en la lectura de muchas de ellas, la relación con los grandes pensadores de su tiempo, amores, su combatida posición acerca del matrimonio y el sexo, alejada de la idea tradicional.
Así aparecen el pastor Guillot dispuesto a dejar a su mujer por ella, Paul Rée y Nietzche y la intención de vivir con ambos en una relación fraterna, la entrañable Malwida tildada de liberal, Rilke y Tausk, los que posiblemente murieron por su amor, y la amistad con Freud tal vez para conocer los misterios de sí misma.
El casamiento con el místico Friedrich Carl Andreas, sellando un pacto de no tener relaciones íntimas, las que llegarán por primera vez con el joven poeta Rilke.
Con una puesta y dirección que instala acertadamente todos los climas, internos y externos de los personajes, vestuario e imágenes dan el toque justo a la poesía y drama situando a Salome como una verdadera adelantada.

UN HOMBRE AMABLE ENTRÓ A ORINAR en el Anfitrión...

2011-08-11T14:32:00.000-07:00

UN HOMBRE AMABLE ENTRÓ A ORINAR

de Roberto Perinelli
Dirección: Corina Fiorillo
Elenco: Mónica Buscaglia y Osvaldo Djeredjian.
Funciones: sábados 21 h y dgos. 20:30 h.
Teatro Anfitrión Venezuela 3340

Un hombre amable entró a orinar es una comedia de lo cotidiano, con toques de vodevil, que nos sorprende con una realidad cercana.
Zulema, un ama de casa de cualquier lugar de la ciudad, y Silvio, un vendedor de productos de ferretería, concretan el sueño de que el azar les dé la oportunidad de un día diferente.
Ella, concentrada en la limpieza de su casa, con un calor que agobia; él apurado por ir al baño con la excusa que los bares ya no lo prestan, ve la puerta abierta y entra.
Después de la sorpresa y el susto que genera la situación, sobre todo para Zulema, estos seres solitarios se encuentran.
Son dos desconocidos que de pronto comienzan a sentir confianza en el otro, como para contarse intimidades, cambiar la rutina y descubrir que todavía son capaces de seducir.
Zulema canta temas románticos, juntos bailan, se halagan con pequeños gestos y ven la posibilidad de que un hecho casual se convierta en algo especial.
Con una equilibrada dosis entre el drama y el humor, la historia conmueve, porque una vez más se acierta con personajes sensibles, vulnerables, retratando instantes únicos donde todo puede suceder.

EL BURGUÉS GENTILHOMBRE

2011-07-31T17:14:00.000-07:00

EL BURGUÉS GENTILHOMBRE

de Molière, con traducción, versión y dirección de Willy Landin

Avenida Corrientes 1530

Sala Martín Coronado del Teatro San Martín

Elenco: Enrique Pinti , Lucrecia Capello , Gustavo Garzón , Andrea Bonelli , Liliana Pécora , Pacha Rosso, Mariano Mazzei , Hernán Jiménez , Diego Mariani , Heidi Fauth, Roberto Peloni, Gustavo Masó y Hernán Boglione. Los bailarines son Manuel Coggiola, Rocío Mercado, Amalia De Camillis, Ariel Franci-Lessing, Sebastián Codega, Nicolás Miranda , Leo Robaglio y Lucas Coria. Los músicos son Ricardo Pereyra , Florencia Stabilini, Mercedes Martínez , Gabriel Illianes, María Gabriela Areal Vélez, Julia Bolonci

Bailarines: Manuel Coggiola, Rocío Mercado, Amalia De Camillis, Ariel Franci-Lessing, Sebastián Codega, Nicolás Miranda , Leo Robaglio y Lucas Coria.

Músicos: Ricardo Pereyra , Florencia Stabilini, Mercedes Martínez , Gabriel Illianes, María Gabriela Areal Vélez, Julia Bolonci.

Cantantes: Damián Ramírez/ Adriano D´Alchimio

Coreografía: Elizabeth de Chapeaurouge

Producción audiovisual del espectáculo: dirección técnica Gonzalo Pérez , la dirección de fotografía de Rodolfo Cielinski y Rodolfo Del Prado, diseño y realización de Martín Gómez y Héctor González.

Iluminación: Miguel Morales y Willy Landin

Vestuario y escenografía: Willy Landin

Funciones: miércoles a domingos a las 20.30

El burgués gentilhombre es una comedia-ballet estrenada por la compañía de Moliére el 14 de octubre de 1670, en la corte del rey Luis XIV en el castillo de Chambord.

La historia nos habla de Monsieur Jourdan, heredero de un rico vendedor de telas, lo que le da su condición de burgués y los esfuerzos que este buen hombre hace para llegar a la realeza.

Alternando en su casa con gente distinguida y aprendiendo todo aquello que le permita lograrlo: elegancia, modales, música, danza, filosofía, deportes y manejo de las armas.

Entre esos personajes con los que comienza a relacionarse aparece el conde Dorante, un sinvergüenza que se aprovecha de su candidez sacándole dinero, con la promesa de vincularlo en amores a Dorimena una condesa viuda y acercarlo al rey.

Las que no pueden entender estos cambios son Nicole, la criada, y Madame Jourdan la esposa, que además intenta infructuosamente casar a Lucía, la hija de ambos, con Cleonte y debe luchar contra los deseos del padre que pretende un yerno con título nobiliario.

Un texto clásico fusionado a los tiempos modernos, con el logrado toque de cada época, por el talento y encanto puesto por los actores, el vestuario y el aporte audiovisual y multimedia que dan como resultado un trabajo de calidad estética.

Un trío de músicos y un cantante en vivo abren el juego a una puesta que propone la actuación en dos planos, merced al aporte de tres cámaras que enfocan a los actores en escena y a la vez proyectan sus acciones en tres murales ubicados en la parte alta del escenario, priorizando los primeros planos.

Con el agregado de asistentes vestidos de azul (color que no captan estas cámaras) se arman acciones paso a paso, que proyectadas en los cuadros altos se ven con continuidad.

Además a ambos lados y por fuera del escenario hay dispuestos dos teatrinos que enfocan con cámaras determinados objetos que aportan los elementos necesarios a la escenografía.

Con un final de ensueño a la manera de cuentos orientales, con baile, canto y ropas que hacen referencia a la influencia del imperio otomano por el que transita la obra.

EL VIENTO EN UN VIOLÍN

2011-07-22T16:36:00.000-07:00

El viento en un violín, de Claudio Tolcachir

Dora: Araceli Dvoskin

Celeste: Tamara Kiper

Lena: Inda Lavalle

Mercedes: Miriam Odorico

Darío: Lautaro Perotti

Santiago: Gonzalo Ruiz

TEATRO TIMBRE 4 - México 3554

Sábados 21 y 23:15hs. // Domingos 19 y 21:15hs.

El viento en un violín, nos acerca una historia de amor entre dos mujeres, Lena y Celeste, que ansían un hijo en la búsqueda de afianzar una familia.

Después de varios intentos por conseguir el progenitor, el elegido resulta ser Darío, un joven inseguro, de buena posición económica, absorbido por el Edipo con su madre y las terapias.

La concepción de este niño se realiza mediante un acto de violación, en el que la pareja invade y aborda en su propia casa al posible padre.

A partir de allí entrelazan sus vidas Mecha, posesiva y arbitraria; y Dora, su empleada doméstica, desconcertada por la particular relación que sostiene su hija, ambas unidas ahora por el destino de abuelas.

El viento en un violín es como el sonido que alude, por momentos vibrante, melancólico e íntimo y que a través de su música nos acerca la incomprensión, la violencia, las diferencias sociales y las miserias cotidianas.

Dentro de una puesta que propone escenas cinematográficas con engarce simultáneo y precisos detalles de iluminación.

Un estupendo equipo de trabajo, impecables e intensas actuaciones , unidas como siempre a la sorprendente dramaturgia y dirección de Claudio Tolcachir, en este caso con una línea de amores parentales que emociona y desafía los tiempos.

ANTIGONA EN EL CERVANTES

2011-07-05T12:35:00.000-07:00

ANTÍGONA VÉLEZ

de Leopoldo Marechal.
Dirección: Pompeyo Audivert
Teatro Nacional Cervantes Libertad 815
Sala María Guerrero.
Funciones: de jueves a sábados 21 h y dgos. 20.30 h
Elenco: Ana Yovino, Villanueva Cosse, Tina Serrano, Masquito Sancineto, Pablo De Nito, Gabriela Ram, Danae Cisneros, Gustavo Saborido, Andrés Mangone, Renata Aiello, Eugenia Grillo, Daniel Kargieman, Federica Presa, Iván Balsa, Fernando Ritucci, Gabriela Blanco, Melina Benitez, Pablo Clerici, Martín Scarfi, Fernando Khabie, Joselo Bella, Susana Brussa, María Subiri y Mirco Messina.

Antígona Vélez, la obra del escritor Leopoldo Marechal, volvió al escenario del Teatro Nacional Cervantes, donde se estrenó por primera vez en 1951, en esa oportunidad bajo la dirección de Enrique Santos Discépolo.
Inspirada en la Antígona de Sófocles que nos habla del deber sagrado de sepultar a los muertos para evitar que las almas vaguen eternamente y sin reposo.
Marechal sitúa la tragedia en la época de la conquista del desierto y las leyes que manejaban los grandes terratenientes en su afán desmedido por dominar territorios.
Adaptando el valor de la vida y la muerte, según se estuviera de un lado o del otro del límite que separaba al aborigen del blanco.
En ese lugar se encuentran los hermanos de Antígona Vélez: Ignacio, que abandonó la casa para unirse al malón y Martín, del otro bando, hasta que una lucha los enfrenta y mueren.
Por disposición del patrón Facundo Galván, que tiene a su cargo la estancia “la postrera” y a la familia Vélez, Martín tendría funerales mientras que el cadáver de Ignacio quedaría librado a los buitres. Decidida a hacer justicia desafiando el orden imperante en la familia y la sociedad, Antígona poseída por extrañas fuerzas se trasforma y atraviesa los misterios de la noche para dar sepultura al hermano tendido del otro lado de los muros. Resigna sentimientos y asume su destino fatal. Impecable puesta y dirección con el original detalle de la escenografía que invade parte de la platea, espacio que conecta con lo desconocido, como la acertada participación de las brujas que asechan y en general trazando una tenue línea donde se confunden lo real y lo imaginario. Todo el conjunto: las buenas actuaciones, vestuario, música en vivo de Mirko Mescia, los coros e iluminación, realzan la contundencia y poética de la dramaturgia de Marechal.

GABRIELA ACHER

2011-06-21T13:32:00.000-07:00

ALGO SOBRE MI MADRE… (TODO SERIA DEMASIADO)

GABRIELA ACHER

Gabriela Acher vuelve a presentarse a partir del 24 de junio de 2011 y sólo por 4 únicas semanas con su espectáculo “ALGO SOBRE MI MADRE…(TODO SERIA DEMASIADO) en la Casona del Teatro (Avda. Corrientes 1975).
“Fuiste hija, madre serás. Lo que hiciste te harán” reza la sabiduría sefardí. La maternidad es un tema insoslayable en la vida de las mujeres. Y la maternidad bien entendida, empieza por casa.
Porque a veces nuestras madres se nos parecen, y así nos dan la primera insatisfacción…
No me malinterpreten, mi mamá es muy buena, o por lo menos, no hay nada tan malo en ella que cambiándola casi toda, no se arregle… pero…
Ustedes saben lo que es ser hija de una idishe mame?
Dicen los expertos que la mirada de aprobación de la madre puede hacer mucho por la futura autoestima de las personas. Y que la falte de esa mirada de aprobación, puede provocar en los hijos diferentes tipos de neurosis, sicosis, cirrosis, halitosis, trombosis, mononucleosis, pediculosis, personalidades múltiples y humoristas. Pero la historia ha demostrado de manera incontrovertible, que no hace falta siquiera ser judía, para ser una madre judía, y que de la insatisfacción materna, también han salido seres extraordinarios, porque si pudiéramos leer el pensamiento de una madre, la mirada sobre lo hijos podría resumirse así :”Mi hijo es perfecto, pero yo lo puedo mejorar.
Si no…. Para qué estoy?”
“ALGO SOBRE MI MADRE … (TODO SERIA DEMASIADO) se presentará a partir del 24 de junio en la Casona del Teatro.
Las funciones se realizarán viernes y sábados a las 21 hs
Localidades desde $ 70.-

LLUVIA CONSTANTE en Paseo La Plaza

2011-06-16T13:31:00.000-07:00

LLUVIA CONSTANTE

de Keith Huff
SALA PABLO NERUDA – PASEO LA PLAZA Corrientes 1660
Versión Fernando Masllorens y Federico González del Pino
Protagonistas: Rodrigo de la Serna y Joaquín Furriel
Dirección: Javier Daulte
Diseño de Escenografía:Alberto Negrin
Diseño de Iluminación: Albert Faura
Diseño de Vestuario: Mariana Polski
Funciones: de miércoles a domingos

Dani (de la Serna) y Rodo (Furriel) son dos policías amigos, que en su tarea de patrullar las calles se encuentran en un galpón abandonado al que acudían de chicos y en unos pocos días trazan su destino final.
En una especie de confesión íntima van mostrando su postura ética y moral con respecto a la familia, las diferencias y la religión.
La cotidiana realidad que los enfrenta con el submundo de drogas, mafia y prostitución, los lleva a una pulsión física y verbal, dejando al descubierto sus rasgos de personalidad más definidos.
Dani es brutalmente sincero y violento; Rodo, en cambio, es el que calma las situaciones. Pero por distintos caminos llegan al fondo de las mismas miserias humanas, salvando siempre el valor de la amistad.
Intenso y destacado contrapunto actoral entre Joaquín Furriel y Rodrigo de la Serna, en una obra donde las palabras no dan tregua.
Escenografía funcional para los distintos momentos del relato, como el viejo auto en escena listo para salir en acción y el agobio del efecto de la lluvia constante.
La apropiada selección musical marca sentimientos y los redime.

LA PULGA EN LA OREJA

2011-06-12T22:04:00.000-07:00

La pulga en la oreja
de Georges Feydeau
Dirección: Alicia Zanka
Teatro: Los Ángeles Multiespacio - Avenida Corrientes 1764
Elenco: Julia Calvo, Marcelo Mazzarello, Gastón Ricaud, Gabriela Sari, Marcelo Xicarts, Diego Sluvis
Funciónes: viernes y sábados 21 h, domingos 20:30 h
Localidades: $ 80
La pulga en la oreja es una comedia donde abundan los equívocos, la picardía y las situaciones con mucho humor, propias del vodevil.
El disparador son unos tiradores que recibe una mujer, aclarando que fueron olvidados en un hotel alojamiento, instalando en ella la sospecha del engaño de su marido.
Con la ayuda de una amiga idean el plan de una carta, escrita por una supuesta enamorada para desenmascarar al esposo.
A partir de allí se producen las más disparatadas confusiones que involucran a los dueños de casa, el matrimonio Montalbán y una serie de excéntricos personajes: un tío con dificultades de dicción que coquetea con la mucama (pareja del mayordomo); un poeta amigo que intenta seducir a la desdichada esposa; un médico con escasos conocimientos; Laura, la amiga y su esposo, un italiano armado y celoso secundado por dos matones.
Los malos entendidos los llevan al lugar de los hechos, el hotel “Las borlas de cupido” del barrio del once, con un ambiente telúrico donde se sitúan todos los involucrados y para mayor desconcierto encuentran a un empleado idéntico al señor Montalbán.
Destacadas actuaciones, con el realce de un tango bailado por Marcelo Mazzarello, la voz de Julia Calvo en los entreactos y una escenografía cargada de puertas, necesaria para la dinámica de conversión de los personajes en las distintas entradas y salidas.
El efecto flash en la aparición en escena de los actores, la ambientación de la suntuosa casa y el contraste con el peculiar hotel, son detalles que conforman una impecable y divertida puesta hasta el final, donde posiblemente las cosas se aclaran.

8 MUJERES EN EL TABARIS,

2011-05-31T20:50:00.000-07:00

“8 Mujeres”
de Robert Thomas
Dirección: José María Muscari
Teatro Tabarís Avenida Corrientes 831
Elenco: Norma Pons, Hilda Bernard, Mónica Villa, María Leal, Silvia Pérez, Cecilia Dopazo, Emilia Mazer, Violeta Urtizberea.
Funciones: miércoles, jueves, viernes, sábados y domingos 20:30 h.

La historia se desarrolla en una mansión de la campiña francesa, en la década del cincuenta, en dónde convocados por las fiestas navideñas se reúne la familia y sorpresivamente descubren que el único hombre de la casa, fue asesinado.
Desde ese momento las allí presentes, 8 mujeres: la esposa, las hijas, la suegra, la cuñada, la hermana, el ama de llaves y la mucama, se involucran en una misteriosa trama.
Intentan buscar ayuda por distintos medios y no lo consiguen, sienten que quedaron aisladas y lo que es peor que entre alguna de ellas puede estar la culpable.
Esta situación límite las enfrenta, encuentran que todas pueden haber tenido motivos para matarlo, se exponen develando secretos íntimos, deseos reprimidos y una vida de falsas apariencias hasta llegar a la verdad.
Destacada puesta y dirección, con muy buen ritmo, osadía y equilibrio, que permite el lucimiento individual de las actrices, delinear los rasgos de personalidad de cada uno de los personajes e instalar el clima necesario para una comedia policial.

Betiana Blum... Mas liviana que el aire

2011-05-16T16:03:00.000-07:00

MÁS LIVIANO QUE EL AIRE

de Federico Jeammaire
Teatro Regina/Tsu Santa Fe
Dirección: Gabriela Izcovich
Intérprete: Betiana Blun – Juan Barberini
Escenografía: Alicia Leloutre
Iluminación: Eli Sirlin
Funciones: viernes, sábados a las 21 hs y domingos a las 20 hs.

“Mas liviano que el aire”, adaptación teatral de la novela homónima de Federico Jeammaire (premio clarín 2009), nos interna en la relación casual de una anciana con un joven ladrón que la sorprende al llegar a su departamento.
Pero a pesar de las diferencias, la mujer consigue doblegarlo y encerrarlo en el baño, bajo el engaño de que todo su dinero se encuentra en ese lugar.
A partir de allí se establece un diálogo, puerta de por medio, acentuando los discrepancias del mundo que los separa.
Ella una solitaria y vieja maestra, con una cómoda situación económica, tratando de domesticar y encauzar a su descarriado rehén.
Ël con códigos sociales claramente opuestos, obligado a llenar el vacío de esta mujer escuchando historias familiares, con la promesa de ser liberado.
Con una puesta que exige un trabajo actoral de Betiana Blum casi en el unipersonal, conmoviendo su interpretación, ya que del otro personaje sólo se escucha la voz.
La escenografía ayuda a recrear el ambiente social y las costumbres habituales de una solterona de principio de siglo.

ESPEJOS CIRCULARES

2011-05-10T18:05:00.000-07:00

ESPEJOS CIRCULARES

de Annie Baker
Teatro “Paseo La Plaza” Corrientes 1660
Dirección: Javier Daulte
Intérpretes: Soledad Silveyra, Andrea Pietra, Victoria Almeida, Jorge Suárez, BoyOlmi.
Iluminación: Eli Sirlin
Escenografía: Alicia Leloutre.
Vestuario: Mariana Poski
Funciones: miércoles, jueves y domingos 20:30 h, viernes: 21 h, sábados: 20 y 22 h.

Espejos circulares, nos interna en una historia que a priori aparenta sencilla, un taller de actuación para aficionados, en un pueblo del interior y sus clases con los distintos ejercicios teatrales.
Pero que poco a poco, a partir de prácticas que por momentos resultan vacuas, cinco personajes en un in crescendo de emociones, dejan al descubierto sus particulares y dolorosas historias de vida que en otro contexto no surgirían.
Conducidos por Susana (Soledad Silveyra) una amateur, que sutilmente y a través de diferentes juegos, lleva a todos los integrantes a reconocerse en el espejo que le devuelve el otro.
Ambientada en un salón con distintos elementos de Expresión corporal, donde se suceden las múltiples y vertiginosas escenas, separadas por flashes de intensa oscuridad.
Impecables actuaciones, en un trabajo grupal sincronizado y armonioso, dando el tono justo en los momentos dramáticos o de humor por los que atraviesa esta comedia y ayudan a comprender la esencia de teatro y el actor.
Por todo esto el espectador se siente involucrado y partícipe de situaciones o actitudes que toma como propias.
A esto hay que agregarle la magnífica dirección de Javier Daulte, que saca la nota precisa en cada detalle o actuación

LAS ISLAS

2011-05-06T16:50:00.001-07:00

LAS ISLAS

de Carlos Gamerro.

Teatro Presidente Alvear Avenida Corrientes 1659

Dirección: Alejandro Tantanián

Elenco:MatiasBarki, Nahuel Cano, Lucila Casalis, AnalíaCouceyro, Alan Darling, Ernesto Donegana, Juan Pablo Galimberti, Alejandro Genes, IvanMoschner, Pablo Seijo, Denisse Van der Ploeg, Diego Velázquez, Julián Villar, Luis Ziembroski

Cantantes: Sebastián Holz

Músicos: Diego Penelas, Rodrigo Quirós, Cecilia Zabala, Alfredo Zucarelli

Vestuario: Marina De Caro

Escenografía: Sebastián Gordín

Escenotécnia: DuilioDellaPittima

Iluminación: Alejandro Le Roux

Video: Fabio Pallero

Música original: Diego Penelas

Asistencia artística: Mariano Tenconi Blanco

Director musical: Diego Penelas

Las islas versión teatral de la novela con el mismo título del escritor Carlos Gamerro, publicada en 1998, nos interna en el archipiélago a raíz de la guerra de Malvinas (1982), en un escenario que sigue siendo próximo y desconocido.

La Historia se centra en la relación del millonario alemán Tarmelán con un hacker, ex combatiente de Malvinas con secuelas de amnesia, convocado por el empresario para ayudarlo en la búsqueda de su hijo del cuál no tiene noticias.

Fausto el hijo en cuestión, con un pasado como montonero en los setenta, involucrado también en el secuestro de su propio padre y finalmente alistado en la contienda bélica como voluntario, desde dónde desaparece sin dejar rastros.

Pero la historia va más allá, se detiene en un paneo por el contexto socio-político de la época y las que siguen, la psicología de los involucrados: militares, dictadores,guerrilleros, y los inexpertos y púberes soldados lanzados a una trampa de abuso y poder.

La doble fascinación que siguen ejerciendo las islas como parte de un lugar estratégico del continente y todo lo que podemos imaginar con nostalgia sobre ellas, acentuado por el propio clima que las rodea de bruma y misterio.

Con una puesta dinámica, delirante, audaz que pinta acertadamente las características despiadadas de algunos personajes comprometidos, sacude y provoca conciencias aletargadas, sobre lo allí ocurrido.

Completan esta propuesta el detalle sobrio en la escenografía de dos medias esferas y estandarte, diseñadas por el artista plástico Sebastián Gordín significativas y adaptables a las distintas escenas, junto al logrado vestuario de Marina De Caro.

Además del soporte audiovisual, música en vivo que ejecuta entre otras cosas la emblemática Marcha de Malvinas Argentinas, EL Himno Nacional(Bailado), y el Don Dolón Dolón o Mi camisón apolillado en la voz de María Elena Walsh.

En un trabajo de adaptación y dirección que equilibra lo clásico y lo moderno, con actuaciones de absoluta entrega y agudeza en los encontrados sentimientos.

ANA ACOSTA SE INCORPORA AL CONVENTILLO...

2011-04-09T09:56:00.000-07:00

TEATRO NACIONAL CERVANTES

anuncia:

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Ana Acosta se incorpora al elenco de
El Conventillo de la Paloma
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A partir de la función del viernes 1º de abril, la actriz Ana Acosta será la “Mariquiña” de El conventillo de la Paloma de Alberto Vacarezza que con dirección de Santiago Doria y 28 actores en escena, ha vuelto a colmar la Sala María Guerrero del Teatro Nacional Cervantes desde su reposición, el jueves 10 de marzo.

La versátil actriz, excelente comediante, interpretará a este entrañable personaje -la gallega- que hasta fin de mes y desde el estreno en la temporada 2010, compone Ingrid Pelicori, quien dejará el elenco por compromisos tomados con anterioridad a la decisión del Cervantes de extender las presentaciones de este espectáculo.

A la satisfacción por incorporarse al elenco exitoso de este sainete emblemático del teatro nacional, Ana Acosta suma la de actuar por primera vez en el escenario de la Sala María Guerrero del Cervantes.

El conventillo de la Paloma se presenta de jueves a sábados a las 21.00 horas y los domingos a las 20.30 horas

SE ESTRENA PELICULA DE JAVIER DAULTE

2011-04-09T09:54:00.000-07:00

Javier Daulte
¿Estás ahí?', comedia con Gorka Otxoa y Miren Ibarguren
El 29 de abril se estrena en los cines españoles la película ¿Estás ahí?, basada en la obra de Javier Daulte, que fue éxito de público y crítica en la Argentina, España y México.

El próximo 29 de abril se estrena en los cines españoles ¿Estás ahí?, una comedia dirigida por Roberto Santiago ('El penalti más largo del mundo', 'Al final del camino'). Producida por Arcadia Motion Pictures y La Zona, y protagonizada por Gorka Otxoa ('Pagafantas') y Miren Ibarguren ('Una hora más en Canarias'), la película se basa en la popular obra teatral homónima del argentino Javier Daulte, adaptada para la ocasión por el propio Santiago junto a Pablo Fernández, y cuenta la historia de Fran y Ana, quienes acaban de mudarse a vivir juntos y se encuentran con las dificultades habituales de cualquier joven pareja que está empezando: la convivencia, las manías personales, los celos… Sólo que en su caso, hay que añadirle un pequeño detalle: Ana está muerta y en realidad es un fantasma. Y además, no es el único en la casa…

CINE ARGENTINO PREMIDADO

2011-04-09T09:51:00.000-07:00

CINE ARGENTINO PREMIADO
EN GUADALAJARA

El 26º Festival de Cine de Guadalajara, México, que tuvo lugar del 25 de marzo y el 1 de abril otorgó los siguientes premios al cine nacional:
PREMIO A LA MEJOR OPERA PRIMA al film argentino EL DEDO de Sergio Teubal.
PREMIO AL MEJOR GUION : EL MURAL de Héctor Olivera
SECCION CORTOMETRAJE IBEROAMERICANO - MENCION ESPECIAL para LOS TELEFERICOS de Federico Actis.
y el PREMIO AL MEJOR LARGOMETRAJE MEXICANO DE FICCION a EL PREMIO de la directora argentina Paula Markovitch.
En este festival que reúne lo mejor del cine iberoamericano y mexicano, compitieron películas de Argentina, Chile, España, Cuba, Perú, República Dominicana, Venezuela y Puerto Rico.

EL PREDIO

2011-03-24T20:39:00.000-07:00

EL PREDIO
GUIÓN: Jonathan Perel
FOTOGRAFÍA: Jonathan Perel
MONTAJE: Martín Mainoli,
Jonathan Perel
PRODUCCIÓN: Jonathan Perel
SINOPSIS
¿Hasta qué punto un lugar como la Escuela de Mecánica de la Armada (ESMA) es un lugar como cualquier otro? ¿Qué debería hacerse allí, donde secuestraron, torturaron, mataron y desaparecieron personas a escala masiva? ¿Cuál es el límite o la responsabilidad que le cabe al cine como instrumento de registro? ¿O como aparato capaz de edificar memoria? Felizmente, esta opera prima de Jonathan Perel no pretende responder estas preguntas, sino solo hacerse cargo de que son pertinentes e inevitables; y el trabajo de observación a través del cual encuadra y captura lugares y situaciones es su/la única posible respuesta. En ese sistema, que Perel se fija como premisa estricta de observación –y con planos de una duración regulada, alla James Benning–, sin embargo, el ojo adiestrado podrá detectar un punto de vista preciso y crítico sobre lo que allí ocurre. Y una idea acerca de que el sentido de un lugar no se construye solo en el pasado o los recuerdos que contiene, sino en lo que la mirada del presente puede decir de él.

HAMLET La Metamorfosis

2011-03-20T22:12:00.001-07:00

HAMLET La Metamorfosis

Sala “Arriba de Rivas” Estados Unidos 308
Funciones: sábados 20:30 h y dgos. 20 h.
Elenco: Gabriela Toscano, Mercedes Spangenberg, Catherine Biquard, Adriana Marqués, Cecilia Delatorre, Pablo Rinaldi, Silvio Shuberoff, Jorge Lifschitz, andrés Portaluppi, Michael Shomron, Carlos Rivas.
Dirección Carlos Rivas.

William Shakespeare atraviesa la realidad de la Inglaterra del 1600, con su magnífica dialéctica de la palabra y nos pone frente a profundas disyuntivas morales y éticas de la condición humana, en este caso con una mirada diferente hacia el personaje central deteniéndose en su naturaleza femenina.
En este drama HAMLET se interna en las pasiones que movilizan al ser: violencia, adulterio, traición, venganza y el límite entre la razón y la locura.
Es la historia del príncipe HAMLET, hijo de Gertrudis y del rey Hamlet, quién acaba de perder a su padre y no acepta que su madre se haya casado con su tío Claudio y éste heredado el trono rápidamente.
En dos apariciones fantasmales el rey muerto lo insita a desenmascarar la verdad y señala a su hermano como el responsable de haberlo envenenado arteramente, quedándose con el reino y su mujer.
En medio de un clima de intrigas, el joven príncipe llevado por sus propósitos, entra en un estado de alienación, desdeña el amor de Ofelia, se concentra en la meditación y la lectura y en una sucesión de acciones desesperadas traza un plan.
Logra evadir el exilio a Inglaterra y aprovecha la llegada de una compañía de teatro para poner en escena la crónica de lo ocurrido a través de los actores y movilizar a los culpables.
Esto precipita el desgraciado final que quiere acabar con la vida del heredero, y en confusos y macabros enfrentamientos con espadas y pócimas envenenadas todos se unen en un rito final.
Original puesta y dirección, que revitaliza la riqueza del texto, en un espacio teatral donde las acciones por la proximidad involucran al público, muy buen ritmo de acción y efectos, y un esmerado trabajo actoral.

PROGRAMACION CINE COSMOS UBA MARZO

2011-03-08T16:05:00.000-08:00

Semana del jueves 10 al domingo 13, y del jueves 17 al domingo 20 marzo de 2011:

Estrenos:

19 hs: "Somos nosotros" (Argentina, 2010), de Mariano Blanco.

20:30 hs: "Ojos rojos" (Chile, 2010), de Juan Ignacio Sabatini, Juan Pablo Sallato e Ismael Larraín.

22:30 hs: "Ojos rojos" (Chile, 2010), de Juan Ignacio Sabatini, Juan Pablo Sallato e Ismael Larraín.

SEMANA DE LA CRITICA 2011 EN EL COSMOS UBA

2011-02-24T19:37:00.000-08:00

VIII SEMANA DE LA CRÍTICA y ENTREGA DE PREMIOS A LAS MEJORES PELÍCULAS NACIONALES e INTERNACIONALES 2010
Semana de la crítica organizada po Fipresci Argentina en el cine Cosmos-UBA Corrientes 2046

La filial argentina de la Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica (FIPRESCI) anuncia una nueva edición de la Semana de la Critica que se realizará en el CINE COSMOS-UBA del 3 al 6 de marzo 2011.

Asimismo, el día de la Apertura se hará entrega de los Premios a las Mejores Películas Nacionales e Internacionales estrenadas en el país durante el 2010.

VIII SEMANA DE LA CRÍTICA organizada por Fipresci Argentina
Del 3 al 6 de marzo en Cine Cosmos-UBA: Av. Corrientes 2046
Entrada general: $ 15.- pesos / $ 10.- dto. a estudiantes y jubilados.

PROGRAMACIÓN VIII SEMANA DE LA CRÍTICA

UNA SEMANA DE CUATRO DIAS

¿Una semana de cuatro días? Esa fue una de las primeras cosas que nos preguntamos cuando decidimos retomar la tradición de organizar la Semana de la Crítica, que tuvo siete exitosas ediciones pero que dejamos de hacer en 2005. ¿O le ponemos “Fin de Semana de la Crítica”? Finalmente, primaron las ganas de volver al nombre que habíamos instalado (no lo inventamos nosotros, es cierto) y hacer una semana de cuatro días, aunque –extraña pero afortunadamente- con mayor cantidad de filmes que la tradicional.

Hay varios cambios en esta edición. Además de una nueva sede –el Cine Cosmos/UBA, con la esperanza de que vuelva a recuperar sus tiempos de gloria como sala importante del cine independiente en Buenos Aires—, a lo largo de cuatro días proyectaremos nueve películas, con una gran cantidad de preestrenos locales y hasta una premiére mundial, algo inusual para un festival pequeño y de estas características.

FIPRESCI es la sigla (siempre complicada de pronunciar) de la Federación de la Prensa Cinematográfica, y la filial argentina de dicha entidad es la organizadora de la Semana. FIPRESCI es una federación que reúne a asociaciones de críticos de más de 60 países y que tiene presencia en alrededor de 70 festivales al año, en los que entrega el Premio FIPRESCI, por muchos conocido ya como “el premio de la crítica”.

Como parte de la Semana de la Crítica, y retomando otra tradición, se entregarán en la apertura los premios a las mejores películas del año anterior, entre los estrenos argentinos y los internacionales. Con un agregado: el último día de la muestra exhibiremos la película argentina ganadora.

Así que bienvenidos, una vez más, a la Semana de la Crítica, que en su octava edición ofrece un combo de cine argentino independiente, dos muy buenas películas de “cine arte” internacionales y una función muy especial de terror para el sábado a la noche. Y nos enorgullece presentar, en estreno mundial, Al final la vida sigue, igual, la nueva película de Raúl Perrone, uno de los más relevantes e influyentes cineastas independientes de la Argentina.

PELÍCULAS DE LA VIII SEMANA DE LA CRÍTICA

IL PRANZO DI FERRAGOSTO (Italia, 2008)
Dir. Gianni Di Gregorio

DE CARAVANA (Argentina, 2010)
Dir. Rosendo Ruiz

SOMOS NOSOTROS (Argentina, 2010)
Dir. Mariano Blanco

AL FINAL LA VIDA SIGUE, IGUAL (Argentina, 2011)
Dir. Raúl Perrone

I KILLED MY MOTHER (Francia, 2009)
Dir. Xavier Dolan

ANTES DEL ESTRENO (Argentina, 2010)
Dir. Santiago Giralt

SURVIVAL OF THE DEAD (Estados Unidos, 2009)
Dir. George A. Romero

LOS LABIOS (Argentina, 2010)
Dir. Santiago Loza & Iván Fund

Asimismo, recordamos las nominaciones a Mejor Película Argentina y Extranjera 2010:

Las nominadas a MEJOR PELICULA ARGENTINA 2010 (por orden alfabético) son:

-CARANCHO, de Pablo Trapero
-COPACABANA, de Martín Rejtman
-EXCURSIONES, de Ezequiel Acuña
-FRANCIA, de Israel Adrián Caetano
-EL HOMBRE DE AL LADO, de Gastón Duprat y Mariano Cohn
-POR TU CULPA, de Anahí Berneri

Las nominadas a MEJOR PELICULA EXTRANJERA 2010 (por orden alfabético) son:

-JACKASS 3D, de Jeff Tremaine (Estados Unidos/2010)
-LA PIVELLINA, de Tizza Covi y Rainer Frimmel (Austria/2009)
-POLICIA, ADJETIVO, de Corneliu Porumboiu (Rumania/2009)
-RED SOCIAL, de David Fincher (Estados Unidos/2010)
-TOY STORY 3, de Lee Unkrich (Estados Unidos/2010)
-VINCERE, de Marco Bellocchio (Italia/2009)

Los premios a las mejores películas (y menciones especiales) se entregarán el Jueves 3/03 a las 19h en el CINE COSMOS-UBA

FIPRESCI Argentina está integrada por:

Diego Batlle, Horacio Bernades, Diego Brodersen, Gustavo J. Castagna, Juan Pablo Cinelli, Flavia de la Fuente, Leonardo M. D'Esposito, Paula Félix-Didier, Juan Manuel Domínguez, Hernán Ferreirós, Mariano Kairuz, Roger Alan Koza, Diego Lerer, Leandro Listorti, Fernando López, Luciano Monteagudo, Gustavo Noriega, Paulo Pécora, Miguel Peirotti, Martín Pérez, Javier Porta Fouz, Quintín, Eduardo A. Russo, Hugo Salas, Josefina Sartora, Pablo O. Scholz, Pablo Suárez, Diego Trerotola y Sergio Wolf.

EL PATIO DE LA MOROCHA

2011-02-03T21:38:00.000-08:00

EL PATIO DE LA MOROCHA.
DE Cátulo Castillo y Aníbal Troilo versión Elio Marchi.
Iniciativa del gobierno de la provincia de Buenos Aires encabezado por gobernador Daniel Scioli a través del Instituto Cultural a cargo del Lic. Juan Carlos D¨Amico.
Elenco: Susana Rinaldi, Roxana Fontán, Miguel Habud, Roberto Carnaghi, Julio López, Laura Bove, Silvina Bosco, César Bordón, Roberto Vallejos, Fran cisco Pesqueira, Carlo Argento, Verónica Piaggio, Carla Pantalari, Juan Vitali, Julián Pucheta, Alberto García Satur.
Dirección generaL : Claudio Gallardú.
Dirección musical: Juan Carlos Cuacci.
Carpa situada en Laprida y Bartolomé Cruz
Entradas: $40
Boletería en el teatro Maipo Esmeralda 443 de 10 a 20 h.
Boletería en la carpa a partir de las 18 h.
Funciones: de martes a domingos 21 h.

Este sainete musical nos transporta en el tiempo a los orígenes del Teatro Argentino, con el circo criollo como lo más genuino y representativo de nuestra cultura popular.
El patio de la morocha, un clásico de Cátulo Castillo con música de Aníbal Troilo, estrenado en 1953, vuelve en la versión de Elio Marchi, recreado en una enorme carpa como el escenario natural que lo vio nacer.
Es la historia de amor de Argentina Verdiales, conocida en el barrio por el apodo de La morocha Argentina, y Martín Luna, un joven involucrado en las luchas sindicales.
Narrando las desventuras de esta pareja de enamorados que debe hacer frente a la oposición férrea del padre de la novia que elige para su hija un destino más próspero; a una muerte involuntaria; y el tiempo que los acerca después de muchos años, cuando ya no son los mismos.
Con un relato que nos habla de la mezcla de personajes, con sus culturas particulares producto de la inmigración, las diferencias sociales y de un género perdido fiel referente de una época.
Con el escenario en redondo que revitaliza la idea de la pista de arena, por donde aparece con su imponente presencia escénica, personalidad y maravillosa voz Susana Rinaldi en el papel de la memoria, que nos sitúa y cuenta.
La pareja central Miguel Habud y Roxana Fontán actúan y cantan por separado y a dúo: serenatas, habaneras y tangos.
Destaco la aplaudida y lograda doña Rosa que interpreta Laura Bove como la madre de la morocha; y el papel del hermano, de nombre Justo, a cargo de Carlo Argento.
El resto del elenco jerarquiza la vuelta a un estilo teatral que nos acerca la nostalgia
y los rasgos del Buenos Aires de antaño.
Dentro de este fresco con acertado fileteado en la decoración de la escenografía, la música en vivo con la orquesta del maestro Juan Carlos Cuacci, se completa una bella y emotiva evocación.
Se estrenan en la obra dos tangos: Soy memoria y El patio de los dos, con letra Elio Marchi y música de Juan Carlos Cuacci. MUY BUENA.

Vuelo a Capistrano

2011-01-31T15:10:00.000-08:00

VUELO A CAPISTRANO

de Carlos Gorostiza.
Dirección: Agustín Alezzo
Elenco: Daniel Fanego, María Ibarreta, Emilia Mazer.
Teatro Multiteatro Corrientes 1283
Funciones: de miércoles a domingos 20:30h , sábados: 22:30 h.
Esta historia nos presenta en un primer plano a Pablo, un pintor atravesado por la tristeza y la falta de inspiración, el motivo tal vez sea un serio problema de salud.
Comparte sus días con Emilia, una maestra comprometida con la lucha sindical,
la que a pesar de la difícil situación, lo sostiene con sensatez y dulzura.
En ese momento de sus vidas están, cuando después de mucho tiempo de no verse, aparece la ex mujer del artista, para solicitarle un permiso para viajar con la hija de ambos y su nueva pareja a Brasil.
La sorpresa por el tema de la enfermedad confronta a las dos mujeres, y en el medio de ambas, el hombre, con su particular mirada sobre la existencia y la compasión, creando un clima de sinceramiento conmovedor.
Pablo ama los pájaros, pero no a las palomas, las considera mediocres, pelea todos los días con las que anidan en su balcón y las compara con las golondrinas.
Destaca las virtudes de estas pequeñas aves, que desafían todos los obstáculos para cumplir con su destino, en el recurrente vuelo de San Juan de Capistrano a la Argentina.
Tres personajes bien definidos: la ex mujer preocupada por lo inmediato, la actual segura en sus decisiones, y el pintor identificado con el misterioso designio que impulsa a estos pájaros a migrar cada año, como una clara metáfora de la libertad.
Vuelo a Capistrano expone un momento intenso y dramático de sus vidas, con actuaciones que jerarquizan la belleza poética del texto de Gorostiza y donde claramente completa el círculo la precisión de Agustín Alezzo en la dirección actoral.
Hay que destacar los detalles de escenografía, sobre todo el gran ventanal, la iluminación centrada en momentos de gran emoción y la sublime música de Shubert (quinteto para cuerdas).
Rescato el momento en que Pablo expresa: “no quiero pintar golondrinas, quiero pintar su vuelo”. MUY BUENA

EL CUENTO DE LA MUJER DEL ALERGISTA

2011-01-21T09:18:00.000-08:00

EL CUENTO DE LA MUJER DEL ALERGISTA

de Charles Bush
Multiteatro Corrientes 1283
Elenco: Mita Busnelli (Maggi), Georgina Barbarossa (Lily), Antonio Ugo (Daniel),
María José Gabin (Frida), Martín Slipak (Mohamed).
Dirección: Alejandra Ciurlanti
Diseño de iluminación y escenografía: Alberto Negrín
Funciones: miércoles, jueves 21 h, viernes y sábado 20:45 y 23 h, dgos. 20:30 h

El cuento de la mujer del alergista del norteamericano Charles Bush, éxito de taquilla en el circuito off de Broadway, intenta una ácida crítica a la alta burguesía, de su país.
La historia en tono de comedia se interna en las relaciones de un matrimonio judío, donde Maggi la esposa, está atravesando una profunda depresión debido a la pérdida de su terapeuta. Esta mujer con vocación literaria recurre permanentemente a citas de escritores y filósofos y establece un vínculo particular con el portero iraquí del edificio, con quién intercambia libros.
Esto tal vez se deba a que su marido Daniel un médico alergista y filántropo esta demasiado ocupado, como para atender cuestiones domésticas.
Además de estas particularidades hay que agregar la presencia constante de Frida (madre de Maggi), muy apegada a las costumbres judías y demandante inoportuna.
La aparición singular de una amiga de la infancia Lily, mujer de mundo, vinculada a las altas esferas políticas y culturales, y de actitudes licenciosas, propone un cambio al estado emocional de Maggi.
A partir de su presencia se crea una delgada línea entre lo real y lo imaginario con situaciones desopilantes.
La escenografía e iluminación dan el toque justo a un importante living, con suaves cambios en el espacio escénico.
Con destacadas creaciones individuales, intenso contrapunto actoral, y mucho humor. BUENA.

TOC TOC

2011-01-16T12:25:00.000-08:00

TOC-TOC

de Laurent Baffie
Dirección: Lía Yelin
Elenco: Melina Petriella, María Fiorentino, Gimena Riestra, Diego Gentile, Daniel Casablanca, Mauricio Dayub y Jorgelina Vera..
Teatro Multiteatro Corrientes 1283
Funciones: Miércoles, jueves, y viernes 21:30 h, sábados 21 h y 23:15, domingos 20:30

TOC- TOC (trastorno obsesivo compulsivo) del francés Laurent Baffie, estrenada en París en 2005, llega a Buenos aires dirigida por segunda vez por Lía Yelin, ya que también tuvo a su cargo la dirección del estreno en México.
La obra nos presenta a seis pacientes que pagaron por adelantado la sesión al Dr. Cooper y se encuentran en la sala de espera.
Después de un rato la secretaria del médico los tranquiliza diciéndoles que el profesional ya está llegando desde Miami, pero como la espera se hace interminable y nadie se quiere ir, aprovechan el tiempo para intentar una terapia grupal.
Todos están ahí porque no pueden superar alguna obsesión: Mauricio Dayub (Alfredo) tiene el síndrome de tourette y coprolalia, dice groserías y emite sonidos y gestos extraños.
Diego Gentile (Otto) no puede pisar rayas y tiene la manía de las simetrías y el orden.
Daniel Casablanca (Camilo) taxista, no puede parar de contar números en todo lo que ve y está ahí obligado por su mujer. Gimena Riestra de nombre Blanca, como una metáfora de la pulcritud, padece excesivos rituales de limpieza y temor al contagio.
Melina Petriella es Liliana, la que no para de repetir dos veces cada frase.
Y por último María Fiorentino es María auxiliadora una mujer muy religiosa, con trastornos de verificación, constantemente preocupada por las llaves de la casa y sobre todo si cerró el contacto de la luz y el gas.
Abren el juego Dayub y Casablanca siendo una especie de bastoneros que van proponiendo contención, a los que se les suma Gentile que dice tener mucha experiencia en estos encuentros, y es el que sugiere pequeños ejercicios para intentar alguna solución al problema.
Dentro de una puesta vertiginosa, con mucho de expresión corporal, lo que le da una impecable estética visual, los actores hacen foco en la angustia que producen estas patologías, y el reconocimiento de lo que les ocurre, que muchas veces se oculta.
Exacerbados síntomas, elaborados a través del humor y fundamentalmente la necesidad del otro y el afecto como medicamento seguro.
Con un grupo actoral profundamente conectado, muy buenas actuaciones, trabajo de equipo, puesta y dirección actoral. MUY BUENA.
Mabel Loschiavo.

DIJERON DE MI

2011-01-11T18:31:00.000-08:00

DIJERON DE MÍ

unipersonal con libro de Virginia Innocenti.
Piano y arreglos musicales Diego Vila
Dirección general Luciano Suardi.
Teatro Maipo Esmeralda 443
Funciones: jueves a sábados a las 21 h, domingos 20 h.
CUATRO ÚNICAS SEMANAS

La inconfundible y personal voz en off de Tita Merello abre el espectáculo, y como para borrar la tristeza de esos momentos finales alguien la va a homenajear y recordar.
Es que la historia comienza en los instantes previos a su muerte, imaginando que Laura Ana Merello hace un repaso de su vida.
La Innocenti se deja llevar por la fuerza de las palabras de distintos tangos, letras que marcaron la autobiografía tanguera de una mujer que a causa de los reiterados abandonos, se inventó una coraza.
Aparecen alternadamente dos Titas la que insiste en “yo la conocí” y la verdadera, que recuerdan: la infancia, los comienzos de una adolescente mostrando el cuerpo en un cabaret para poder comer, el temor a la gente, la soledad de a dos con corbata su perro.
Su fama de mal hablada y algunas anécdotas que la pintan de cuerpo entero y ponen la cuota de humor, como el famoso latiguillo ¿chicas, se hicieron el papanicolau?, que usaba en cuanta oportunidad tenía.
Todo conectado con tangos que van marcando etapas, entre ellos: Niebla del Riachuelo, Dónde hay un mango, Pipistrela, Arrabalera, hasta llegar a “Llamarada” momento cumbre en la evocación de la pérdida de quién fue su gran amor.
Virginia Innocenti con su fuerza interpretativa y personal estilo, evoca y nos acerca
retazos de las muchas mujeres que habitaron en “la Merello”..
Con una escenografía mínima que entona con la intimidad del relato, bellísimas fotografías tomadas por Annemarie Heinrich a Tita, que resaltan la expresividad de un rostro y sus piernas tan comentadas, así como la fraterna empatía entre Virginia y el gran maestro Diego Vilas en el piano. MUY BUENA.

CODIGO DE FAMILIA

2011-01-11T18:30:00.000-08:00

CODIGO DE FAMILIA

de Ponciano Funes (seudónimo)
Teatro del Globo Marcelo T. de Alvear 1155
Elenco: Tomás Fonzi, Arturo Bonín, Alejandra Darín, y Gabo Correa
Dirección: Eva Halac
Funciones: miércoles a sábados 21,30 h y domingos 21 h.

Se trata de una comedia dramática, ambientada en Buenos Aires, en los finales de la última dictadura militar teniendo como telón de fondo la guerra de Malvinas (1982).
Dentro de un contexto socio-político de abuso de poder, corrupción, crímenes solapados y estafas, un abogado recién recibido debe resolver su primer caso.
Se trata de un marido engañado por la esposa con un comisario, que a pesar de haber sido echado de la casa, decide que el profesional lo patrocine para salvaguardar a cualquier precio el vínculo y la institución matrimonial.
La obra recupera en un hecho verídico, nuestra historia reciente y también hace foco en el día a día, la decadencia económica de un país en crisis donde se habla de millones, el dolor de la pérdida por la guerra y el tema del divorcio vincular.
Con una puesta y dirección dinámica, donde las escenas se suceden a ritmo cinematográfico y muy buen manejo de la iluminación.
Un elenco solvente, logra instantáneas de una época: Alejandra Darín y Arturo Bonín conforman la pareja en cuestión; Raúl Rizzo es el comisario; Tomás Fonzi es el abogado lleno de ideales, que alcanza a ser salpicado por la ambición; Gabo Correa multifacético como: portero, mozo, empleado judicial y empleado de la morgue.
La escenografía recrea los distintos ambientes de tribunales, un bar en los alrededores, la oficina del comisario y el living del hogar.
Los chistes de abogados, como único lugar donde habitaba la justicia, le dan a este texto dramático un tono agradablemente distendido. MUY BUENA
Mabel Loschiavo
Radio UBA 87.9 (Universidad de Buenos Aires)

PURO TANGO

2011-01-11T18:29:00.000-08:00

PURO TANGO

Miguel Ängel Zotto y su compañía Tango x 2
Espectáculo musical con coreografía y dirección general de Miguel Ängel Zotto.

Teatro Metropolitan 1 Avenida Corrientes 1343
Funciones: jueves y viernes 21:30 h, sábados 22 h y domingos 21 h.
Orquesta: primer bandoneón y coordinador musical Pocho Palmer,
segundo bandoneón Renato Venturini, piano Miguel Pereiro, contrabajo Guillermo Ferrer.
Cantante: Claudio Garcés.
Cuerpo de baile: primera pareja: Miguel Ángel Zotto y Daiana Guspero, Pablo García, Giselle Avanzi, Gabriel Pone, Analía Morales, Ernesto Candal, Telli Ortiz, Leandro Oliver, Laila Resk.
Vestuario: Mabel Bussolini, comunicación visual Gabriela Kogan-Estudio K.

De sus charlas sobre la evolución del tango, con el filósofo de la danza, Carlos “Petróleo” Estévez , filmadas por el propio Zotto y luego volcadas al papel nace el guión de este espectáculo.
En ese material fílmico “Petróleo” le cuenta detalles sobre la necesidad de cambios en los movimientos, producto del paso de las pequeñas orquestas a grandes orquestas de tango, donde comienza a utilizarse la figura del arreglador.
Sobre una proyección multimedia donde aparece la imagen de este personaje concebido en la puesta en escena como algo onírico.
En cuadros que van desde el 1890 con el baile entre hombres, el del centenario de la Independencia, el de la periferia homenajeando a Carlos Gardel, reductos tangueros emblemáticos, las academias de baile, el radio Tango Club.
Pasando por un cuadro especial el Nº 8 dedicado a recordar a su hermano Osvaldo Zotto, recientemente fallecido, hasta llegar a una coreografía inédita de diagonales, sólos y contrapuntos, y el saludo final con el estreno de un tango y una milonga bailado por toda la compañía.
Algunos de los tangos escuchados con grabaciones originales o música en vivo son: Don Juan, El Morochito, Caminito Soleado, Percal, Reliquias Porteñas, Compadreando, Mala Yunta, Guardia Vieja, Los Mareados y el estreno de Tango x 2 y la Milonga de la calle. Miguel Ängel Zotto también personifica al “cachafaz” y deslumbra con todo el oficio que lo caracteriza, acompañado por un cuerpo de bailarines destacado.
En un espectáculo de buen gusto, donde se recuerda y rinde homenaje a los grandes que hicieron historia, bailarines y cantores que llevaron a ser el tango: “Patrimonio cultural de la humanidad”. BUENO.

COLLAGE DE AMIGOS

2010-12-20T12:26:00.001-08:00

Mabel Loschiavo junto personalidades entrevistadas durante su carrera de periodismo oral y escrito. Muchas Felicidades para todos y un recuerdo muy profundo y afectuoso para los que ya no estan.

RAKATA EN BUENOS AIRES

2010-12-20T12:20:00.000-08:00

Imágenes de la entrevista a la compañia de teatro español RAKATÁ, que hicieron en Buenos Aires "teatro de las dos orillas" interpretando un obra de Lope de Vega " El castigo sin venganza"

UN MENSAJE DE PAZ Y ESPERANZA

2010-12-19T13:48:00.000-08:00

Ojalá seamos dignos de la desesperada esperanza.
Ojalá podamos tener el coraje de estar solos y la valentía de arriesgarnos a estar juntos, porque de nada sirve un diente fuera de la boca, ni un dedo fuera de la mano.
Ojalá podamos ser desobedientes, cada vez que recibimos órdenes que humillan nuestra conciencia o violan nuestro sentido común.
Ojalá podamos merecer que nos llamen locos, como han sido llamadas locas las Madres de Plaza de Mayo, por cometer la locura de negarnos a olvidar en los tiempos de la amnesia obligatoria.
Ojalá podamos ser tan porfiados para seguir creyendo, contra toda evidencia, que la condición humana vale la pena, porque hemos sido mal hechos, pero no estamos terminados.
Ojalá podamos ser capaces de seguir caminando los caminos del viento, a pesar de las caídas y las traiciones y las derrotas, porque la historia continúa, más allá de nosotros, y cuando ella dice adiós, está diciendo: hasta luego.
Ojalá podamos mantener viva la certeza de que es posible ser compatriota y contemporáneo de todo aquel que viva animado por la voluntad de justicia y la voluntad de belleza, nazca donde nazca y viva cuando viva, porque no tienen fronteras los mapas del alma ni del tiempo.
Eduardo Galeano

MINISTERIO DE CIENCIA, TECNOLOGIA E INNOVACION PRESENTO BALANCE 2010

2010-12-09T21:25:00.000-08:00

El ministro de Ciencia, Tecnología e Innovación Productiva, Dr. Lino Barañao, presentó el balance de la gestión 2010 de la cartera.

Lino Barañao presentó el balance de la gestión 2010

Capacitación de recursos humanos, financiamiento de proyectos sectoriales, infraestructura para el sistema científico y tecnológico y federalización de los recursos destinados a la ciencia, fueron algunos de los ejes de la exposición del Ministro de Ciencia.

Buenos Aires, 9 de diciembre de 2010.- El Ministro de Ciencia, Tecnología e Innovación Productiva, Dr. Lino Barañao presentó ante periodistas su balance de gestión 2010. Acompañado por autoridades del sistema científico y tecnológico nacional, Barañao destacó los avances realizados en materia de presupuesto; inversión en ciencia y tecnología; capacitación de recursos humanos, mejoras en infraestructura y mayores montos para el financiamiento de proyectos.

Durante la presentación, el ministro de Ciencia, Tecnología e Innovación Productiva resaltó que los sueldos de los investigadores se encuentran en sus máximos históricos a nivel adquisitivo. Asimismo Lino Barañao celebró la tarea del Consejo Federal de Ciencia y Tecnología en el financiamiento que brinda de manera equitativa a todas las provincias, así como también destacó el involucramiento de las universidades en la transferencia de tecnología y el trabajo en conjunto con los gobiernos locales. La puesta de diez nuevas líneas de financiamiento entre las que se destaca la puesta en marcha de seis Fondos Sectoriales en distintas áreas fue otro de los ejes destacados por el titular de la cartera de Ciencia.

Al respecto, el ministro Barañao afirmó “Hay que destacar que no sólo hay prioridades sino también financiamiento para resolver problemas en esas prioridades, y esta asociación entre la política y el financiamiento no siempre ha tenido lugar en la ciencia en la Argentina. Y creemos que este es un cambio cualitativo que nos permitirá tener resultados concretos.”

Tras la presentación del informe de gestión, que destacó Barañao presentó un video con noticias sobre los hechos científicos nacionales más relevantes de las últimas dos décadas.

El Ministerio de Ciencia, Tecnología e Innovación Productiva fue creado en diciembre de 2007 y es el único en Latinoamérica que contempla la innovación productiva asociada a la Ciencia y la Tecnología. Su misión es orientar estos tres elementos hacia un nuevo modelo productivo que genere mayor inclusión social y una mejor calidad de vida para los argentinos.

Sus acciones se materializan en:
Inversión: En 2010 el presupuesto destinado al sector científico- tecnológico asciende a más de 2 mil millones de pesos.
Estímulo: Ya regresaron más de 700 científicos argentinos que se suman a los que hoy hacen ciencia en nuestro país.
Capacitación: La formación de recursos humanos responde a las demandas de conocimiento que requiere una nueva matriz tecnoproductiva.
Gestión: Organismos e instituciones de ciencia y tecnología forman un conjunto articulado, logrando un sistema más eficaz.
Producción: Se impulsa la innovación de base tecnológica y la incorporación de la ciencia en la cultura productiva de las empresas argentinas.
Integración: La transferencia de conocimiento ayuda a establecer un desarrollo equilibrado en todo el territorio nacional.
Divulgación: Se promueve el quehacer científico tecnológico para acercar a la población el valor del conocimiento.

DRACULA, NUEVA TEMPORADA

2010-12-06T19:14:00.000-08:00

DRÁCULA
El Musical- Versión 2011

Viernes 14 de Enero 2011. 20.30hs
Teatro Astral
(Avenida Corrientes 1639)
La dupla máxima de la comedia musical argentina
estrena una nueva versión de
Funciones.
Miércoles, Jueves y Viernes 20,30 hs | Sábados 19 y 22,30 hs | Domingo 20 hs
Valor de Entrada General $100
La dupla máxima de la comedia musical argentina presenta una nueva versión del del musical “Drácula” al celebrarse los 20 años de su primer estreno.
Pepe Cibrian Campoy y Ángel Mahler proyectan la celebración de los 20 años de su hijo artístico predilecto: "DRÁCULA".
El Teatro Astral enmarcará el gran estreno el próximo 7 de Enero de 2011.
Este proyecto artístico estará acompañado de grandes sorpresas; una gran inversión creativa en la propuesta escenográfica, una renovada apuesta sobre los majestuosos vestuarios característicos, y se sumará el lanzamiento de un libro especial conmemorativo, más un CD interpretado por famosos y una gran fiesta en el Hotel Alvear.
Los 20 años de "Drácula, el musical" prometen superar todas las expectativas de aquellos seguidores de la dupla Cibrian-Mahler que marcó un quiebre innegable en la historia del musical en Argentina.

Breve reseña.
Drácula, el musical es escrito y dirigido por Pepe Cibrián Campoy, con música de Ángel Mahler y producido en su estreno, en el estadio Luna Park en el año 1991, por Tito Lectoure.
La gran apuesta tuvo un valor inicial de la puesta en escena de un millón de dólares.
La obra deslumbra con la historia, la música, la dirección, el elenco, una mágica escenografía y un vestuario de época de extraordinaria confección y una producción jamás vista antes en la Argentina.
Este musical revolucionó el género en nuestro país y realizó cinco temporadas en el estadio Luna Park de Buenos Aires (1991, 1992, 1994, 1997, 2000), dos temporadas en el Teatro Ópera, una temporada en el teatro Roxy de Mar del Plata (1993), una temporada en el teatro Del Lago en Villa Carlos Paz (Córdoba) y cuatro giras nacionales (1992, 1998, 2004, 2007)
Protagonizado en su estreno y también posteriormente por Cecilia Milone (Mina), Paola Krum (Lucy) y Juan Rodó (Drácula) ha sido visto por más de tres millones de personas, no sólo en Argentina, sino también en Brasil (2000), Chile (1992 y 2007) y España (1994).
Sinópsis
Jonathan Hacker, empleado de la firma Hawkins, es enviado por ésta a Transilvania a entregar las escrituras de las propiedades compradas por el conde Drácula en la ciudad inglesa de Whitby.
Ya en Transilvania, los habitantes lo previenen del peligro del lugar. Jonathan los ignora y junto a un cochero decide recorrer la región, al llegar al cementerio es seducido por la condesa vampiro Dolingen de Gratz y sus amantes, pero con la ayuda del pueblo puede escapar.
Mientras tanto, en Whitby, su prometida Mina Murray espera noticias de él y junto a su gobernanta Nani reciben a Lucy, que viene de Londres para casarse con lord Arturo, primo de Mina. Pero al llegar a Whitby, Lucy siente que algo extraño le sucede.
Los transilvanos llevan a Jonathan a una posada y su dueño lo tranquiliza diciendo que los comentarios son sólo leyendas. Pero es allí donde recibe por intermedio de un mensajero, la esperada invitación al castillo enviada por el conde Drácula. La posadera le recuerda los peligros que le aguardan y le entrega un crucifijo para protegerse. Mientras tanto, en Whitby, la premonición de Lucy la acosa día tras día y su estado mental se deteriora.
Jonathan llega finalmente a la morada de Drácula, que trata de envolverlo en su magia, pero gracias al crucifijo logra salvarse y se instala en el castillo.
Pasan semanas y el conde Drácula se prepara para su partida que hará con sus "mascotas" y como despedida invita a Jonathan a una fiesta junto a sus cómplices, los gitanos.
Luego de dicha fiesta, Jonathan descubre el secreto de Drácula, quien al enterarse de ello decide abandonarlo en el castillo, quitándole la memoria y partir de inmediato a Inglaterra.

Una vez allí, Drácula se encuentra con Lucy - la prometida de lord Arturo (primo de Mina, la prometida de Jonathan)-, a la cual posee y se presenta en su fiesta de casamiento para cumplir el rito de la tercera mordida y convertirla en vampiro.
Pero antes de hacerlo lo descubre Mina (en quien Drácula cree reconocer a la mujer que amó quinientos años atrás y que él mismo destruyó). Con Mina, Drácula trata de recuperar aquella historia perdida.
Después de un bellísimo cuento de amor pasional y terrorífico, Drácula siente que va a repetir la misma historia, debido a su adicción por la sangre. Entonces decide dejarla libre y sacrificar su inmortalidad, dejando que lo atrapen y lo maten.

EL CASTIGO SIN VENGANZA

2010-11-27T23:56:00.000-08:00

"El castigo sin venganza"

de Lope de Vega.
Dentro del marco del Festival Internacional de teatro Clásico Dos Orillas, organizado por la Red del Teatro español de América, se presentan El quijote de Luis Hostalot, y El castigo sin venganza de la Cía. Rakatá. Además de una pieza de Helena Tritek, El amante del amor.
Teatro Metropolitan Corrientes 1343
Funciones: sábado 27, 20:30h y dgo. 28 20h.
Elenco: Mario Vedoya (Duque), Lidia Otón (Aurora), Bruno Ciordia (Marqués de Gonzaga), Jesús Fuente (Batín), Alejandra Sáenz (Casandra), Rodrigo Arribas (Federico), Jesís Teyssiere (Ricardo), Manuel Sánchez Ramos (Floro), Belén Ponce de León (Lucrecia).
Una de las últimas obras dramáticas de este genio de las letras, creador del teatro clásico del "siglo de oro español", escrita en verso con un despliegue increíble de talento y sabiduría.
"El castigo sin venganza", nos pone frente al dilema de ¿qué hacer cuando lo que uno desea se opone a lo que debe ser?
Es la historia de un conde mujeriego, que del fruto de uno de esos amoríos tiene un hijo, Federico, cuya madre muere al nacer.
Llegado a cierta edad el conde se plantea el problema de la herencia, ya que su hijo es considerado bastardo por la sociedad.
El reclamo de los súbditos y de la familia hace que resuelva el problema casándose con una joven de gran belleza, salvando así las apariencias y dejando al hijo protegido.
Llegado el momento envía al hijo a recibir a su prometida, la mala suerte quiere que el carruaje en donde viaja la joven Casandra, tenga un accidente en el río, su hijastro la salva y entre los dos nace un amor prohibido y fulminante.
Este amor clandestino se materializa en hechos, cuando el conde se marcha a luchar a otros estados.
De regreso de las batallas, se entera por unas cartas anónimas, del engaño del que fuera objeto, por su propia sangre.
A partir de allí teje una trama para que el propio Federico ejecute a Casandra y que la confusión lo lleva también a él a la muerte.
Un elenco de jerarquía para una obra donde a través de la poética de las palabras, el autor llega hasta los lugares más oscuros de la condición humana.
Con una escenografía mínima, el acento puesto solamente en la actuación visceral, con los tonos exactos, gran fuerza interpretativa y un nivel actoral impecable. EXCELENTE.
Mabel Loschiavo.

2010-11-15T20:16:00.000-08:00

Proyecto vestuarios- Vestuario de mujeres
Dramaturgia y dirección de Javier Daulte.
Teatro: Espacio Callejón, Humahuaca 3759
Elenco: Dana Basso, Elisa Carricajo, Valeria Correa, María Marull, Paula Marull, Laura Paredes, Ana Pauls, Marcela Peidro, Débora Zanolli y Magela Zanotta.
Funciones: sábados 21 hs y domingos 20 hs

Javier Daulte nos propone dos versiones independientes: hombres y mujeres en la intimidad del grupo en el vestuario.

Una mirada femenina sobre un mismo tema la final del mundo de un deporte que suponemos exige dureza, el lacross, al que un equipo de mujeres de Almagro accede y se realiza en Hungría.
Las chicas sin muchas convicciones de ganar, gastan toda su energía en gustar a algún húngaro, y se desliza la historia de una carta misteriosa que despierta más interés en ellas que el propósito que las trajo
Las conversaciones se multiplican hasta los gritos, hacen referencia a engaños, robo y a la falta de contención y estrategia de una entrenadora que confía al I Ching la posibilidad de ganar.
Las debilidades del grupo son aprovechadas por la intérprete que abusa de las barreras que impone el idioma, para negociar pequeños favores en su beneficio.
La obra se desarrolla en dos escenas, el interior del vestuario antes y después del partido y, por la tensión del clima previo y la falta de convicción, hasta las propias jugadoras se sorprenden con el resultado final.
Hay líderes, maquillaje, alguna relación no correspondida y violencia innecesaria que conduce al abuso y la tragedia.
Como en vestuario de hombres, las chicas muestran su cuerpo a la hora de ducharse, en forma rápida y pudorosa, como para evitar que más males asomen de esa caja de Pandora que la proximidad abrió.
Dentro de una escenografía que reproduce el vestuario de cualquier club de deportes: bancos, lockers, duchas con agua, y en esta versión, adornos para el ritual.
Grupo actoral ensamblado, destaco Dana Basso y Elisa Carricajo.
Lo más bello, la música del Himno de Hungría. BUENA.

REABRIÓ EL HISTÓRICO CINE COSMOS

2010-11-09T21:44:00.000-08:00

ESTE MARTES REABRIÓ EL HISTORICO CINE COSMOS DE LA CALLE CORRIENTES

AHORA BAJO LA DIRECCION DE LA UNIVERSIDAD DE BUENOS AIRES.

EN LA FOTO EL RECTOR DE LA UBA RUBEN HALLÚ JUNTO A SU FUNCIONARIA

EN EL AREA LA SRA MABEL LOSCHIAVO.

SI QUERES MAS INFORMACIÓN ACERCA DE LAS ACTIVIDADES DEL AHORA

"COSMOS UBA" PODÉS INGRESAR A SU BLOG:

http://cosmosuba.wordpress.com/

AGUA Y SAL

2010-11-05T08:25:00.000-07:00

Agua y sal

Una película escrita y dirigida por Alejo Taube - Producida por Ruda Cine - Con Rafael Spregelburd , Mía Maestro, Paloma Contreras Manso, Daniel Cúparo y Mónica Lairana.

Competencia Latinoamericana - 25º Festival de Cine de Mar del Plata.

Proyecciones

Miércoles 17 de noviembre 11:00
Miércoles 17 de noviembre 21:30
Jueves 18 de noviembre 19:00
Cinema 1 - Rivadavia 3050 - Mar del Plata

EL CONVENTILLO DE LA PALOMA

2010-11-04T13:59:00.000-07:00

EL CONVENTILLO DE LA PALOMA

de Alberto Vacarezza
Dirección: Santiago Doria
Elenco: Ana María Cores (Paloma), Claudio García Satur (Miguel), Arturo Bonín (José), Daniel Miglioranza (Seriola), Horacio Peña (Villa Crespo), Ingrid Pelicori (Mariquiña), Irene Almus (Doce Pesos), Rita Terranova (Sofía), Néstor Sánchez (Paseo de Julio), Alfredo Castellani (Conejo), Norberto Díaz (Abraham), Luis Podestá (Risita), Marcelo Bernadaz (Cansao), Héctor Nogues (Mingo), Alfredo Zenobi (Ñato) y Juan Carlos Copes (Juan).
Músicos Pablo Gignoli, Bruno Giuntini y Lucas Ferrara.
Coreografía es de Juan Carlos Copes
Iluminación de Leandra Rodríguez
Vestuario de Maribel Solá
Escenografía de René Diviú
Dirección musical es de Gabriel Goldman

Teatro Nacional Cervantes, Córdoba 1155 (Sala María Guerrero).
Funciones: jueves a sábados, a las 21 h. Domingos 20.30 h.
Entrada: $ 30; jueves, $ 25.

El conventillo de la paloma, nos acerca la nostalgia de una época y reaviva los recuerdos de aquel pasado de inmigrantes, que todos llevamos dentro.
Evocados a través del sainete, definido por el director de la obra como nuestra propia comedia dell´arte, sostenida en tres partes un primer cuadro en prosa, el segundo en verso y el tercero musical.
Esta pieza cuyas características son: ser cómica, corta y con el objetivo de entretener al público con personajes populares, es introducida desde España a fines del siglo XIX.
En nuestro país se enriquece con la mezcla de las distintas culturas y los arquetipos locales.
Su autor Alberto Vacarezza, la estrenó en 1929, con un éxito rotundo llegando a las mil representaciones y se inspiró en una leyenda sobre una dama de blanco.
Esta hermosa mujer que por sus ropas fue apodada “paloma” llegó a una casa de inquilinato huyendo del maltrato de un proxeneta y queriendo reivindicarse.
Su belleza eclipsó a todos los habitantes de lugar (turco, gallego, italiano) y alborotó a sus mujeres al punto de quererla echar, todas las situaciones que esto genera se filetean en el patio del conventillo.
Los actores elegidos especialmente por conocer el género y poder de esta forma perpetuar el legado, llegan como en un viaje onírico a buscar el lugar que esos personajes ocuparon en el pasado.
Con una producción importante, que aprovecha el escenario giratorio, se reproduce el espíritu del conventillo que realmente existió en la calle Serrano al 100, y la maestría de René Diviú, nos trae los cuartos en dos niveles, con sus ventanas, balcones con flores y escaleras.
Coreografías tangeras, tangos emblemáticos (el choclo, el firulete, y qué queres con ese loro), impecables y minuciosas composiciones de este grupo de actores, que rinden además homenaje a los orígenes del teatro, dentro de los festejos del Bicentenario.
La dirección de Santiago Doria, experimentado estudioso del sainete, completa este espectáculo de calidad que propone el Teatro Nacional Cervantes.
MUY BUENA.
Mabel Loschiavo

PROYECTO VESTUARIOS

2010-11-01T12:56:00.000-07:00

Proyecto vestuarios- Vestuario de hombres

dramaturgia y dirección de Javier Daulte.

Elenco: Vestuario de hombres: Joaquín Berthold, Federico Buso, Julián Calviño, Gerardo Chendo, Héctor Díaz, Juan Grandinetti, Walter Jakob, Javier Niklison, Marcelo Pozzi, William Prociuk y Ezequiel Rodríguez.
Funciones: Viernes 21 h, sábados 23 h.
Teatro: Espacio Callejón, Humahuaca 3759

Javier Daulte nos sumerge en un nuevo desafío, una misma idea en dos obras, proyecto vestuario hombres y proyecto vestuario mujeres, la intimidad de dos equipos de un Club de Almagro que practican lacross

Proyecto vestuario de hombres
Un grupo de jugadores de un raro deporte, se encuentra en Hungría a punto de jugar una final, y por la apariencia con que vuelven y los rituales para darse coraje suponemos que se trata de un juego fuerte.
Todo lo que ocurre en la previa al enfrentamiento y después, pasa por el vestuario, un lugar de absoluta proximidad.
Son hombres jóvenes, decididos a ganar a cualquier precio, sin importarles hasta la posibilidad de consumir alguna “droga”.
La espera va desnudando sus cuerpos, se producen roces físicos y verbales, por momentos llegan al límite de la violencia desmesurada.
Hacia el final, en la segunda parte, la desnudez que hicieron visible al despojarse de sus ropas, deja al descubierto lo peor de las conductas humanas: traición, robo, mentira, abuso.
En vestuarios hombres se ponen en juego dos competencias, la del ámbito de la cancha y la otra, la del vestuario, entre jugadores, técnico, e intérprete.
Durante casi toda la obra ese espacio íntimo traduce gestos, pensamientos y anatomías, que pierden la belleza estética al proyectar el interior de cada uno.
Original planteo de un tema que mueve muchos intereses, como es el deporte, con un destacado grupo de actores que logra el color, destila el olor y los detalles de un ámbito masculino.
Esto sumado a la escenografía que nos acerca la realidad del vestuario, bancos, lockers, y hasta tiene instalado un sistema de duchas con agua. BUENA.
Mabel Loschiavo
Javier Daulte dramaturgo, guionista y director de teatro.
Alguna de sus obras:
• Criminal (Autor)
• La Felicidad (Autor, Director) Baraka (Director) Caperucita (Un espectáculo feroz) (Autor, Director) ¿Estás ahí? (Autor) Un dios salvaje (Director)
• Criminal (Autor) Nunca estuviste tan adorable (Autor)
Actualmente se emite por Canal 13 Para Vestir Santos, miniserie de la que es autor, y prepara una nueva versión de Un Dios Salvaje que se estrenará en octubre en Ciudad de México.

LA VOZ HUMANA

2010-11-01T12:54:00.000-07:00

LA VOZ HUMANA

(La voix humaine) De Jean Cocteau
Resumen:
Una mujer enamorada espera la llamada telefónica de un hombre al que ama y que la ha abandonado. Al fin, el llamado que espera se produce. Ella, mientras mendiga una esperanza, recibe las mentiras que la hieren y siente las verdades que la matan.
Un diálogo con un otro que no se escucha, un monólogo de una mujer que no puede cerrar las puertas del pasado, que se aferra a una ilusión y que no acepta el abandono.
La tensión, que se mantiene hasta el final, crea una atmósfera cargada de cinismo, crueldad y desamor.
Un monólogo que Jean Cocteau estrenó en 1930 que se mantiene vivo simplemente porque es posible y actual.
Impresiones sobre la obra:
Encarar una obra de un gran artista como lo fue Jean Cocteau (dramaturgo, director, pintor, poeta...) ya es un mérito, hacerlo sabiendo de precedentes puestas memorables (la de Tortonese-2005, la de Dora Milea-2002, la de Marcela Grandinetti-2002) es una muestra de valor. La empresa no es fácil: Mantener la tensión que el texto de Cocteau necesita es un reto que merece ser dirigido por grandes artífices.
La puesta no es sencilla. Cargada de elementos simbólicos que refuerzan la escena cada objeto refuerza y da acento al texto tenso y sofocante que transcurre entre la mujer abandonada y su amado que ya no la quiere.
El espacio escénico reducido, se estrecha aún más por el mobiliario que acota la escena generando un ambiente de opresión, un acierto de dirección que, con técnica simple, facilita el ambiente en donde se desarrolla la obra.
La voz de la enamorada se siente, la del hombre se presiente y adivina. Es tarea del espectador interpretar esa otra voz que maltrata al amor de esa mujer que se resiste tanto a ser abandonada como a aceptar la realidad del desamor.
El trabajo de Rosana Rozic (la enamorada) es excelente, pues logra transmitir desde lo gestual y lo enunciativo lo que el texto dramático le propone. La angustia, el desamparo, la tristeza, la melancolía cobran cuerpo en el personaje al que Rozic le presta carne.
La obra, bien lograda, no es “agradable” pero sí admirable (esto es: digna de mirar) en tanto logra captar y representar magníficamente un drama humano desde una mirada del romanticismo tardío de Cocteau.
Sentir “La voz humana” es prestar los oídos a los rumores de los infiernos que bien pueden estar muy cerca de nosotros.
Ficha técnica: LA VOZ HUMANA
Autor: Jean Cocteau (1889-1963) Dirección: Armando Saire
Intérprete: Rosana Rozic
Teatro: Centro cultural Tadrón. Niceto Vega 4802 y Armenia, 4777-7976
Funciones: sábados 21 Hs.
Eduardo Jorge Gil Michelena.
Octubre 2010

"Infatigable luchador de la defensa de los Derechos Humanos, la Democracia y la Integración Latinoamericana"

2010-10-28T14:05:00.000-07:00

Para la Libertad.
Para la libertad sangro, lucho, pervivo.
Para la libertad, mis ojos y mis manos,
como un árbol carnal, generoso y cautivo,
doy a los cirujanos.
Para la libertad, siento más corazones
que arenas en mi pecho dan espuma a mis venas;
y entro en los hospitales, y entro en los algodones,
como en las azucenas.
Porque donde unas cuencas vacías amanezcan,
ella pondrá dos piedras de futura mirada,
y hará que nuevos brazos y nuevas piernas crezcan
en la carne talada.
Retoñaran aladas de savia sin otoño,
reliquias de mi cuerpo que pierdo en cada herida;
porque soy como el árbol talado que retoño:
aún tengo la vida.

Miguel Hernández.

DESDE EL ALMA

2010-10-26T00:46:00.000-07:00

DESDE EL ALMA
tres obras cortas de dramaturgos contemporáneos.
Actriz: Alejandra Copa
Monólogos: “El nombre” de Griselda Gambaro
“Luisa” de Daniel Veronese
“El silencio de las tortugas” de Lucía Laragione
Dirección: Santiago Doria
Teatro El Piccolino Fitz Roy 2056
Funciones: sábados 20 h.

Vestuario: Romina Mengarelli / Ambientación: Romina Mengarelli / Diseño de luces: Abel Fumagalli / Diseño sonoro: Luis Ramos / Arte: Pablo Bologna / Fotografía: Gustavo Gorrini / Asistencia de dirección: Fernando Cerviño / Arreglos musicales: Gaby Goldman / Coordinación Ejecutiva: Alejandra Copa, Eitan Sobol

"Estar contigo o no estar contigo es la medida de mi tiempo”. Borges descubre en esa frase la amenaza latente de la soledad o de la ausencia. ¿Qué cosa es nuestra vida sino una ficción en la que creemos con una fuerza capaz de sostenerla en el aire?

Tres textos trabajados en un unipersonal que comienzan con “el nombre”, un claro alegato al derecho a la identidad. ¿Qué pasa cuando arbitrariamente se nos es quitado?, tal es el caso de María, una joven sirvienta en distintas familias.
Sometida al abuso de sus patrones llamándola según su conveniencia: Ernestina, Florencia o Eleonora, como una forma de no registrarla, facilitando su despido cuando ya no la necesitaban.
En su recorrido por otras casas, y, aunque la historia se repita y la sorprenda sola y enferma, María sigue buscando el sonido que la identifica con su verdadero nombre.
El segundo texto, “Luisa”, habla de una joven mujer que durante doce años esperó a su amado Agustín, mientras discute sobre el tema con su madre muerta. Los recuerdos alimentan la soledad, no pierde la esperanza, hasta que una noche su hombre golpea la puerta y aparece.
Él volvió para explicarle por qué se fue, sólo para eso, y Luisa se prepara para destejer y tejer un viejo saco verde y como Penélope volver a esperar.
En el último, “El silencio de las tortugas”, una mujer visita un día de lluvia la tumba de su esposo. Y en un diálogo directo hacia Roberto (así se llamaba), recorre los últimos momentos de vida compartida y cómo va a aprovechar los logros materiales que le dejó. Un viaje maravilloso la espera, junto a un amor diferente, Celina, cuyo aroma conocía desde hace mucho tiempo impregnado en la ropa de él.
Con el vals “Desde el alma” como fondo entre historia e historia, un banco y un espejo por escenografía, el trabajo de Alejandra Copa logra el tono justo para conmovernos y situarnos en un lugar que difícilmente no hayamos transitado. Esto sumado a la delicada y precisa puesta y dirección. MUY BUENA
Mabel Loschiavo.

NAZARENO CRUZ Y EL LOBO

2010-10-26T00:44:00.000-07:00

NAZARENO CRUZ Y EL LOBO el musical
ESTRENO NACIONAL
CON HERNAN PIQUIN Y JUAN JOSE CAMERO
UNICAS FUNCIONES EN ROSARIO:
12, 13 y 14 de Noviembre / 21 hs. Teatro El Círculo
Dirección general: Nora González Pozzi
La leyenda de Nazareno Cruz y el lobo, con profundas raíces autóctonas y en formato de comedia musical, será llevada a escena en tres únicas funciones los días 12, 13, y 14 de noviembre de 2010, a las 21 hs. en el teatro El Círculo. Mendoza 765. T.E.: 0341-4245349 Rosario Pcia. Santa Fe. Duración de la obra: 90 minutos. Entradas: desde $50, en venta en el teatro o por Ticketek.
Nazareno Cruz y el lobo, el musical está interpretado por profesores, egresados e integrantes de La Compañía del Estudio de Comedias Musicales. Cuenta con la participación especial del destacado bailarín Hernán Piquín en el rol del Lobo y Juan José Camero en el recuerdo de aquel Nazareno. El debut de Nacho Pérez Cortés en el rol de Nazareno y Lucila Siryi en el rol de Griselda. Con música especialmente creada por Lito Vitale y García Caffi, interpretada en vivo por la orquesta del maestro Leonel Luque. Diseño y dirección de vestuario: César Spinelli, dirección de coros y preparadora vocal: Romina Negri, maestros preparadores de La Compañía: Graciela Ortiz y Maximiliano Faraoni, asistente de dirección: Josefina F. de Alliani, producción: Estudio de Comedias Musicales. Libro, puesta en escena y dirección general: Nora González Pozzi.
En Argentina, esta leyenda fue inmortalizada por Juan Carlos Chiappe en radioteatro, y Leonardo Favio en cine. Transformada en una versión musical maravillosa. La música de García Caffi y Lito Vitale para acompañar el relato. Profundamente descriptivas, tienen la energía necesaria para recrear las escenas de Nazareno.
Este espectáculo es el homenaje de la Fundación Rosario Arte y Cultura, a la Patria en el año del Bicentenario.
Luego del estreno en la ciudad de Rosario se realizará una gira nacional y en el 2011 se presentará en una sala de Capital Federal

EL HOMBRE ARAÑA ACCION Y AVENTURA

2010-10-14T20:44:00.000-07:00

EL HOMBRE ARAÑA ACCIÓN Y AVENTURA

Dirección General Leandro Panetta
El espectáculo oficial licenciado por Marvel Comics y producido por Aines Group,
“El Hombre Araña Acción y Aventura” remite a la trayectoria original del héroe en la época en que fue lanzada la historia en 1962.
Elegido Mejor Espectáculo Infantil de 2009 por La Asociación de Cronistas Del Espectáculo de Argentina (ACE)
Teatro El Ópera Citi — Av. Corrientes 860
Estreno 8 de octubre de 2010
POR 4 UNICAS SEMANAS
En una versión de jerarquía comparable a las mega producciones importadas, se reestrenó “El hombre araña, acción y aventura” en el teatro Ópera Citi, respetando la línea del cómic original con licencia de Marvel Comics.
Es la historia de Peter Parker (Gastón Ricaud), fotógrafo del diario Daily Bugle, que presionado por su jefe Jameson debe tomar las mejores fotos de un experimento que se está por presentar.
Este joven de naturaleza apocada, que vive con sus tíos y está perdidamente enamorado de su compañera de estudios Mary Jane Watson (Brenda Gandini), sufre en ocasión de ese trabajo la picadura de una araña, atravesada por la radiación.
Este hecho cambia su vida, a partir de ahí, adquiere facultades especiales provenientes del insecto, y una resistencia y fuerza poco común.
La muerte de su tío en manos de un ladrón, modifica su conducta habitual y ahora dotado de otros poderes se decide a perseguir a las fuerzas del mal.
El peor enemigo que debe enfrentar es el Duende Verde (Carlos Belloso) —la transformación de Norman Osborn—, que asociado al científico Otto Octopus (Marcelo Xicarts), potencian sus conductas alteradas, después de un experimento fallido.
Con una puesta dinámica, con gran despliegue escenográfico, acrobacia, proyecciones multimedia perfectamente ensambladas con el relato y todo el apoyo de tecnología que consigue crear el efecto 3D.
Con todos los villanos: Electro, Buitre, El hombre de arena, Rhino, Misterio, además de dobles de riesgo, efectos especiales, rieles de vuelos, pirotecnia, junto al vestuario y accesorios llamativos y originales. MUY BUENO.

Mabel Loschiavo.

SWEENEY TODD

2010-10-12T14:02:00.000-07:00

SWEENEY TODD
“el cruel barbero de Fleet Street”
Un thriller musical.
Esta obra escrita por Hugh Wheeler, con letras y música de Stephen Sondheim y dirección de Harold Prince, sobre adaptación de Christopher Bond, se constituyó en uno de los mayores éxitos de Broadway de los años ochenta. Protagonizada por Angela Lansbury como la Sra. Lovett, y Len Cariou (ganó ocho de los nueve Premios Tony). Sirvió de argumento al largometraje inglés del mismo nombre de 1936, dirigido por George King con Tod Slaughter y Stella Rho. La historia fue llevada nuevamente al cine en 2007 dirigida por Tim Burton protagonizada por Johnny Deep y, antes, por David Moore, en 2006, sólo para la televisión.
Para esta versión del Teatro Maipo:

Traducción y adaptación Fernando Masllorens y Federico González del Pino
Adaptación de las Canciones Elio Marchi
Producción Artística Lino Patalano
Vestuario Renata Schussheim
Diseño de sonido: Gastón Brisky
Diseño de escenografía: Jorge Ferrari
Iluminación Ely Sirlin
Dirección General Ricky Pashkus
Dirección Musical Alberto Favero
Elenco por orden de aparición:
Anthony Hope Fernando Dente
Sweeney Tood Julio Chávez
Mendiga Belén Pascualini
Sra. Lovett Karina k
Johana Carolina Gómez
Vendedor de pájaros Adrián Scaramella
Juez Turpín Martín O ¨Connor
Alguacil Bamford Marcelo Gómez
Tobbias Ragg Walter Canella
Adolfo Pirelli Roberto Pelloni
Jonas Fog Ruben Roberts

Ambientada en la Inglaterra de las cerradas costumbres victorianas, en pleno auge de la revolución industrial, en un contexto social de abuso y corrupción.
El barbero Benjamín Barker es deportado de Londres, acusado de un crimen que no cometió, por un oscuro y lascivo personaje, el juez Turpin, movilizado por el deseo de quedarse con Lucy, su esposa.
Después de muchos años Barker regresa buscando a su familia, se entera de que su mujer enloqueció y de que su hija Johana pasó a ser pupila de aquel despiadado funcionario.
Vuelve con otra identidad, ahora es Sweeny Todd y recupera su vieja barbería ubicada en la parte superior de la pastelería de la Sra. Lovett.
Con esta inescrupulosa y enamoradiza dama, establece una especie de sociedad como proveedor de la materia prima de los pasteles que ella elabora.
Descubierta su identidad por un antiguo ayudante, Adolfo Pirelli, que oficia de coiffeur, inicia una larga serie de venganzas utilizando como instrumento, el símbolo de su trabajo, una navaja con empuñadura de plata.
Sweeny Todd marca el debut de Julio Chávez en comedia musical, su sólida trayectoria, estudio de canto y entender lo que la música de Stephen Sondheim le indica a la acción, hacen que este personaje tenido como cruel provoque seducción.
Karina K: simplemente perfecta, brilla en el canto y la actuación, moldea con gracia los sentimientos abyectos de la señora Lovett.
La producción general impecable, dirección musical, diseño de sonido, vestuario, que junto a los varios cambios de escenografía nos sitúa como en una pátina detenida en el tiempo. MUY BUENA.
Mabel Loschiavo.

MARIO VARGAS LLOSA

2010-10-09T01:24:00.000-07:00

El escritor Mario Vargas Llosa, uno de los máximos representantes de la literatura latinoamericana, ha sido distinguido con el Premio Nobel de Literatura “por su cartografía de las estructuras del poder y sus mordaces imágenes sobre la resistencia, la revuelta y la derrota individual". El autor de obras como La ciudad y los perros, Conversación en La Catedral o La fiesta del Chivo ha declarado que se siente "muy conmovido y emocionado" por el galardón. El próximo 3 de noviembre la editorial Alfaguara publicará su próxima novela, El sueño del celta, con una tirada inicial para todo el ámbito del español de 500.000 ejemplares. Sus editores conocieron la noticia en la Feria del Libro de Frankfurt en medio del entusiasmo generalizado. La directora de Alfaguara, Pilar Reyes, ha declarado que “hoy el idioma español está de fiesta”.

Mario Vargas Llosa nació en Arequipa, Perú, en 1936. Aunque había estrenado un drama en Piura y publicado un libro de relatos, Los jefes, que obtuvo el Premio Leopoldo Alas, su carrera literaria cobró notoriedad con la publicación de La ciudad y los perros, Premio Biblioteca Breve de 1962 y Premio de la Crítica en 1963. En 1965 apareció su segunda novela, La casa verde, que obtuvo el Premio de la Crítica y el Premio Internacional Rómulo Gallegos. Posteriormente ha publicado piezas teatrales (La señorita de Tacna, Kathie y el hipopótamo, La Chunga, El loco de los balcones y Ojos bonitos, cuadros feos), estudios y ensayos (como La orgía perpetua, La verdad de las mentiras y La tentación de lo imposible), memorias (El pez en el agua), relatos (Los cachorros) y, sobre todo, novelas: Conversación en La Catedral, Pantaleón y las visitadoras, La tía Julia y el escribidor, La guerra del fin del mundo, Historia de Mayta, ¿Quién mató a Palomino Molero?, El hablador, Elogio de la madrastra, Lituma en los Andes, Los cuadernos de don Rigoberto, La Fiesta del Chivo, El Paraíso en la otra esquina y Travesuras de la niña mala. Ha obtenido los más importantes galardones literarios, desde los ya mencionados hasta el Premio Cervantes, el Príncipe de Asturias, el PEN/Nabokov y el Grinzane Cavour.

El sueño del celta narra una aventura que empieza en el Congo en 1903 y termina en una cárcel de Londres, una mañana de 1916. Aquí se cuenta la peripecia vital de un hombre de leyenda: el irlandés Roger Casement. Héroe y villano, traidor y libertario, moral e inmoral, su figura múltiple se apaga y renace tras su muerte. Casement fue uno de los primeros europeos en denunciar los horrores del colonialismo con argumentos. De sus viajes al Congo Belga y a la Amazonía peruana quedaron dos informes memorables que conmocionaron a la sociedad de su tiempo, pues tras ellos se revelaba una verdad dolorosa: no era la barbarie africana ni amazónica la que volvía bárbaros a los civilizados europeos; eran ellos, en nombre del comercio, la civilización y el cristianismo, quienes cometían los actos más bárbaros.

Estos dos viajes y lo que allí vio cambiarían a Casement para siempre, haciéndole emprender otra travesía, en este caso intelectual, tanto o más devastadora. La que lo llevó a enfrentarse a una Inglaterra que admiraba y a militar activamente en la causa del nacionalismo irlandés. En plena I Guerra Mundial, viajó a Berlín para conspirar contra el Reino Unido y participó en el Alzamiento de Pascua de 1916, hecho que lo llevaría finalmente a prisión.

También en la intimidad, Roger Casement fue un personaje múltiple: La publicación de unos diarios, de veracidad dudosa, en los últimos días de su vida, airearon unas escabrosas aventuras homosexuales que le valieron el desprecio de sus compatriotas. En este territorio que se multiplica por cinco (África, la Amazonia, Irlanda, la cárcel, el sexo), El sueño del celta describe una aventura existencial, en la oscuridad humana aparece en su estado más puro y, por tanto, más enfangado. Una novela mayor de Mario Vargas Llosa.

NUNCA SERA IGUAL CON OTRO

2010-10-04T22:42:00.000-07:00

Nunca será igual con otro
Centro Cultural San Martín Sala Enrique Muiño Sarmiento 1551
Dramaturgia: Carlos Ares
Dirección: Corina Fiorillo
Elenco: Raquel Albeniz, Carlo Argento, Martín Coria, Ingrid Liberman y Raúl Rizzo
Funciones: jueves a sábado 21 h, domingos 20 h.

Ángel, un personaje de Buenos Aires con estilo tanguero, hastiado de la monotonía de sus días y los fracasos decide que es mejor poner punto final a su vida.
Y en esa angustia existencial se encuentra cuando su otro yo, Milonguita, comienza a ofrecerle opciones de alegría, diversión y amor para tratar de impedirlo. Los dos son uno, sus destinos también, cualquier decisión fatal los involucra, por eso es grande el esfuerzo de esta voz interior para que lo peor no ocurra. Trata de disuadirlo con la nostalgia, el baile, la música de distintos ritmos y por supuesto la lógica, porque seguramente "nunca será igual con otro".
En un viaje de ensueño transitan la opción de los extremos, se enfrentan, se estimulan con el deseo, representado en una musa etérea. Junto a ellos, aquellos personajes que no se olvidan y vuelven: Raquel la novia eterna y el negro, un taita fulero, que parece atraerlo desde el más allá.
Nunca será igual con otro plantea un tema fuerte, nos pone ante el dilema de la vida y la muerte, afortunadamente suavizado con momentos de humor, pequeñas coreografías y hasta un tango bailado por Raúl Rizzo y Carlo Argento.
Como telón de fondo y con un pequeño clic de dedos Milonguita nos conecta con recordados tangos, melódicos, rock y cumbia. La escenografía una cortina de flecos que se me representan como jirones del alma. BUENA
Mabel Loschiavo.

IMBERBES

2010-10-04T22:37:00.000-07:00

IMBERBES

de Bernardo Carey
Dirección: Jorge Graciosi
Elenco: Leonardo Azamor (David), Eugenia Carraro (Marilú), Pablo Cerri (Jorgito-Beto), Gabriel Fernández (señor Rosario),Melody LLarenz (Beatriz),Jorge Lozada (Gerardi), Daniel Roncoli (Pereyra), Carlos Solva (Don Elías)
Teatro del Pueblo Av. Roque Saénz Peña 943
Funciones: sábados 20 h, domingos 18:30 h.

La acción se desarrolla en horas de la noche, en una librería de la calle Santa Fe, en la zona conocida como Villa Freud; que el dueño de local, un viejo librero, deja en manos de un joven y dos ayudantes.
Es la década del setenta, los protagonistas transparentan su accionar de cambios, sus pasiones y los sueños que movilizaron a una generación histórica.
El afuera, lo que ocurre en otros ámbitos y en la calle es traído por los habitué de este sitio de luces y peligroso formador de pensamiento.
Tres conocidos clientes visitan regularmente el lugar. De sus actitudes, algunas muy solapadas, se deducen los contrastes y el mundo paralelo que se está gestando.
No es casual que la algarabía del Mundial 78 tape el telón de fondo de otros ruidos, esos que dejaron huellas profundas y no se deben olvidar.
La escenografía capta la esencia de una librería, las luces enfocan las sombras del momento, los actores tienen la difícil tarea de ponerse en la piel de una época, entre ellos la figura del infiltrado. BUENA
Mabel Loschiavo.

SOLTA TUS MIEDOS

2010-10-01T23:40:00.000-07:00

El lunes 4 de octubre, en la Ciudad de Buenos Aires
Un globo aerostático por la
Prevención del cáncer de mama

La Campaña "Soltá tus Miedos", que organiza Fundación ACIAPO con el apoyo de GlaxoSmithKline busca promover la detección precoz. El globo estará ubicado de 7 a 10 y de 16 a 19 horas en Plaza San Martín.

Buenos aires, 2010.- En el mes del cáncer de mama, Fundación ACIAPO (Atención Comunitaria Integral al Paciente Oncológico) organiza con el apoyo de Laboratorio GlaxoSmithKline una jornada de concientización con el objetivo de informar a la población sobre la importancia de la detección precoz.

Es la Campaña "Soltá tus Miedos", que elevará un globo aerostático como símbolo de la liberación de los temores para acceder a la información y lograr la detección a tiempo en la población femenina.

Los organizadores promoverán la necesidad de los controles a tiempo con una comparación sencilla: "El tiempo que demora visualizar el globo es el mismo que se requiere para sacar un turno con el ginecólogo".

La acción será el lunes 4 de octubre, en el comienzo del mes del cáncer de mama, en un punto y horarios estratégicos en la Ciudad de Buenos Aires, donde, además, se desarrollará una intensa distribución de material informativo:

De 07.00 a 10.00 y de 16.00 a 19.00 horas, en Plaza San Martín.

El lema de la acción es "Informarse es cuidarse".

Fundación ACIAPO fue creada el 16 de junio de 1997 por Marta Lidia Artigas, después de haber sufrido la enfermedad de su hijo Federico. La misión de ACIAPO es "Mejorar la calidad de vida de la persona con cáncer y su familia".

Basabilbaso. (El sueño terminó)

2010-10-01T23:36:00.000-07:00

Basabilbaso. (El sueño terminó)
Resumen:
Una pareja citadina y recién formada de jóvenes homosexuales acampan en una pequeña carpa dispuestos a pasar unos días de descanso en un camping agreste y desolado. A poco de estar aparecen los conflictos entre ellos que surgen entre lo que uno desea y sueña y el otro oculta y calla.
Mientras transcurre la tensión entre los dos jóvenes, Mecha, una joven irrumpe en escena sorprendiéndolos. Mecha impetuosa y desubicada aportará, al sumarse al grupo, más tensiones y conflictos.
Para completar el cuadro llega Carpincho, un lugareño paraguayo y confianzudo que irrumpe intempestivamente cargado con la bolsa de su caza y un arma.
Desde allí las tensiones y el manejo de poder entre los personajes irán jugando un juego fatal y morboso que desembocarán en situaciones demenciales.
Impresiones sobre la obra.
Basabilbaso es una obra que nos aparece con un dinamismo arrollador desde el manejo gestual y textual, los diálogos rápidos y tensos dominan toda la obra mientras que en lo expresivo los gestos trabajan para marcar aún más los conflictos.
La labor actoral es buena y pareja. Mariano Saba construye el personaje de Carpincho con maestría y realismo.
Un texto bien elaborado hace que las situaciones vayan desde lo previsible hasta la imprevisible locura. Aunque hay algunas escenas que trabajadas con paciencia fracasan por lo brusco de su desenlace. El problema del texto es que en ciertas ocasiones pierde el sentido sin alcanzar a profundizar situaciones para pasar a elaborar otras sin nexos evidentes.
El sonido y su operación es un punto flojo en la puesta, el constante, monótono y demasiado alto sonido del cantar de grillos hacen por momentos perder el diálogo de los actores a los que no se les puede escuchar.
La iluminación contradice el ambiente creado por el texto y reforzado por el sonido, es de noche cerrada pero la iluminación tiene un registro demasiado alto, sin sombras ni claroscuros que ayuden a formalizar una escena de noche campestre.
Ficha técnica:
Dramaturgia y Dirección: Andrés Binetti
Asistente de dirección: Ezequiel Lozano
Intérpretes: Malala González, Alejandro Lifschitz, Mariano Saba,
Pablo Sciolini.
Escenografía: Martín Escape
Iluminación: Andrés Binetti
Diseño sonoro: Ezequiel Lozano
Operación técnica: Javier Casielles
Duración: 55 minutos (aproximadamente)
Teatro: Abasto Social Club
Humahuaca 3649, CABA
Teléfono: 4862-7205
Funciones: Sábados, 23:00 hs
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Eduardo Jorge Gil Michelena.
Septiembre 2010

ESENCIAS

2010-09-27T21:02:00.000-07:00

Esencias
La obra cuenta la historia de tres parejas con vidas paralelas que al final producen un cruce. La de Romina y Lucas que se conocen en un supermercado, la de Clara y Facundo que se han separado pero aún mantienen vivo el deseo y la de Luciano y María que es una pareja que se disuelto hace tiempo. Todos rondan los 30 años y pese a su juventud evidencian signos de fracaso y fastidio.

En base a contar la historia desde las particularidades de cada pareja la obra construye su tesis tratando de mostrar desde inteligentes diálogos los avatares de cada una de ellas.

El énfasis del drama está puesto de tal manera que las máscaras y las imposturas sean evidentes y manifiestas: así mientras Romina asegura que le gusta el futbol, Lucas declara que le interesa el canto, Clara monta una imagen de mujer seductora, Facundo mantiene su postura de ganador, Luciano se muestra locuaz para no exponer su timidez y María deja su pasión por la danza a cambio de un trabajo aburrido y estable. Todos son impostores que cargan las máscaras que han adoptado para vivir en el mundo y conseguir un poco de amor, estas máscaras son las que causaran, a lo largo de la obra, situaciones controversiales, desavenencias y conflictos entre ellos y consigo mismos.

Impresiones sobre la obra.

Esencias es un drama cómico en dónde se pueden ver claramente dos efectos de su diégesis: El primero es el indagar y mostrar las máscaras, los artificios que las personas adoptan para enfrentarse a la vida y conseguir unas migajas de amor robado desde lo simulado. El segundo es el efecto cómico logrado a partir de los diálogos precisos y sutiles que un texto inteligente propone.

El espacio escénico está trabajado con eficiencia sacando el mayor provecho de un espacio limitado. La escenografía es mínima pero alcanza con brillante sencillez adaptarse a cada situación que la representación escénica construye. Así con los pocos objetos que se trabajan se logra trasformar una góndola de supermercado, en un bar, un vagón de tren, un dormitorio, un living de un hogar.

El juego de la iluminación trabaja hábilmente como recurso para el cambio de escena y para remarcar situaciones en donde la tensión necesita acentos en la focalización de la acción.

Los temas musicales, populares y conocidos, son preludios de escenas que son cerradas con frases inteligentes, lacónicas y contundentes que quedan vibrando en el ambiente.

Una obra madura, inteligente, muy bien escrita, dirigida y actuada. Es una obra dinámica, amena e interesante que merece ser vista por los espectadores atentos y sensibles mientras éstos estén interesados en indagar los avatares del amor.

Ficha técnica:

"Esencias"

Dramaturgia y Dirección: Fernanda Casares
Intérpretes: Natalia Schvetz, Martín Tecchi, Fernanda Casares, Fabricio Mercado, Alejandra Peralta, Javier López.
Duración: 100 minutos (aproximadamente)
Teatro: El Piccolino
Fitz Roy 2056, CABA
4779-0353
Localidades sin numerar: $30

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Eduardo Jorge Gil Michelena.
Septiembre 2010

LA PERSUASIÓN

2010-09-27T20:59:00.000-07:00

La persuasión
de Erika Halborsen

Dirección: Luciano Cáceres
Teatro Nacional Cervantes Sala Luisa Vehil (salón dorado) - Libertad 815
Elenco: Susana Cart, Cristina Fridman, Ignacio Rodríguez de Anca
Funciones: Viernes y Sábados 19hs - Domingos 18:30hs

Persuadir (Del lat. Persuadēre). Inducir, mover, obligar a alguien con razones a creer o hacer algo.

Sin mucho esfuerzo vemos como somos, en mayor o en menor escala, víctimas de una comunicación persuasiva que nos conduce a tomar decisiones impensadas.
Ya sea mediante la publicidad, las propagandas políticas; o en hechos simples como comprar algo de lo cuál no estamos seguros pero los argumentos que nos exponen terminan por convencernos.
Y ni hablar de las noticias que trascienden en muchos casos de fuentes aparentemente confiables y se agrandan hasta el punto de crear psicosis colectivas.
También cabe, por suerte, la posibilidad de utilizar la persuasión para bien, logrando que alguien deponga su actitud en una situación límite.
En esta historia las involucradas son dos hermanas, una que grita a viva voz que su marido desapareció por la acción de una célula terrorista. Y la otra, con quién comparte la casa y algunas cosas no develadas, que toma el guante y a partir de ahí arma un marketing de difusión que llega a movilizar a grandes manifestaciones.
Ambas tejen un aparato de desinformación, con noticias manipuladas, y la particularidad de que pueden alternar la conducción de la situación y los roles.
En tono de humor negro y con un soporte audiovisual que reproduce el gigantesco aparato del que disponen los medios para que la punta del iceberg emerja.
Dos dinámicas actrices logran que el ritmo no decaiga, junto a un narrador que se multiplica en reportero, fotógrafo y portero entre otras cosas.
La dirección de Luciano Cáceres se percibe en la respuesta de los actores y en la puesta vertiginosa y actual. Captando el sentido exacto de esta acción que existe desde la noche de los tiempos y se perfeccionó con la tecnología del mundo moderno. BUENA. Mabel Loschiavo.

2010-09-21T20:30:00.000-07:00

POSTPARTO
Dramaturgia: Laura Gutman, Ignacio Apolo, y Florencia La Rosa
Basada en los libros de Laura Gutman.
Dirección: Ignacio Apolo
Teatro del Nudo Avenida Corrientes 1551
Elenco: Laura Azcurra, Victoria Onetto, Silvina Bosco.
Funciones: domingos 18hs.

Esta obra reflexiona sobre la maternidad, en especial echa una mirada sobre los cambios que ocurren en la mujer con la llegada de su primer hijo.
Laura Azcurra, Victoria Onetto y Silvina Bosco (madres primerizas) se atreven a contar en público sus experiencias personales.
La emoción y la ansiedad de la espera que se transforman en sentimientos encontrados en el momento del parto.La vuelta al hogar y la adaptación de este nuevo tiempo que establece una simbiosis entre el recién nacido y la madre con dedicación full time.
Falta de sueño, de deseo sexual, baja autoestima por los kilos acumulados y, lo que es realmente serio, la depresión puerperal, que afecta en mayor o menor grado a todas y obedece a causas biológicas.
Dentro de un cuerpo que ha tenido una intervención y duele, comenzar a decodificar las demandas del nuevo integrante de la familia.
Con monólogos y escenas compartidas, buen ritmo, humor y calidez. Tres deliciosas actrices recrean situaciones, acompañan y sostienen.
Una propuesta para mayores y adolescentes, con el mensaje implícito de prepararnos de la mejor manera para disfrutar de esa experiencia maravillosa y única.
Una obra necesaria. MUY BUENA.

IGNACIO APOLO
Dramaturgo, novelista, docente. Licenciado en Letras, estudió paralelamente actuación, dramaturgia y puesta en escena. Es docente universitario (EMAD-IUNA) y privado de dramaturgia y creatividad. Sus piezas teatrales se estrenaron en Buenos Aires (Teatro San Martín, Centro Cultural Rojas, Centro Cultural Recoleta, Teatro del Pueblo, etc) y también en el interior y exterior del país (Inglaterra, España, México, Suecia). En 2001 fue becado por la Fundación Carolina para el “Curso de Profesionales de Dramaturgia y Dirección Teatral”, de Casa de América y Madrid. En 2003 participó en el proyecto Channels del National Theatre Studio de Inglaterra, escribiendo la versión en español de la obra Gagarín Way, del escocés Gregory Burke. Al año siguiente, fue invitado por el Royal Court Theatre de Londres a su “Residencia Internacional de Dramaturgos” y el mismo año su obra La Pecera –traducida al inglés por New York University fue estrenada en el Theatre 503 de la capital inglesa. Últimas obras en cartel: adaptación de Los Padrs Terribles, de Jean Cocteau (premiada con ACE y Clarin), Doble Mortal y Rosa Mística (mención honorífia del Fondo Nacional de las Artes)
FLORENCIA LA ROSA
Guionista y Redactora creativa. Trabajó en las más importantes productoras de cine y TV de la Argentina como Patagonik Film Group, Flehner Films, Cuatro Cabezas y Dori Media Group. Fue Productora General de QuickFlick World, un festival de cortometrajes internacional que se desarrolla en 14 capitales culturales del mundo en simultáneo cada dos meses. Por otra parte, ha realizado la creatividad en radio para las más reconocidas marcas, así como también jingles, spots y propuestas comerciales artísticas. Es profesora de la AAAP (Asociación Argentina de Agencias de Publicidad) desde hace 4 años. Ha escrito junto a Pablo Lago y Susana Cardozo para TV. Escribió los libros de Niní, junto a Gabriela Fiore y Jorge Chernov.
LAURA GUTMAN
Terapeuta familiar y escritora. Lleva publicados varios libros sobre maternidad, paternidad, vínculos primarios, desamparo emocional, adicciones, violencia y metodologías para acompañar procesos de indagación personal.Es colaboradora habitual en numerosas revistas en Argentina y España. Dirige Crianza, una institución con base en la ciudad de Buenos Aires, que cuenta con una Escuela de Capacitación Profesional y un equipo de profesionales que asisten a madres y a padres.

MIRANDO PASAR LOS TRENES

2010-09-19T21:05:00.001-07:00

MIRANDO PASAR LOS TRENES
Dramaturgia: Daniel Dimeco
Dirección: María Esther Fernández
Elenco: Cristina Dramisino, Miguel Ángel Vilar, Julieta Fernández.
Teatro: El Búho Tacuarí 215
Funciones: Sábado - 21:00 hs

La historia nos lleva a un pueblo en el que transcurre una guerra. Hasta ese lugar llegan una reconocida fotógrafa ciega, Ofelia Takeda, junto a su hija Ana.
Permanecen en el bar de la estación, atendidas por Rodrigo, un joven del lugar que no entiende muy bien el porqué de las visitas.
Con el correr de las horas, la madre asume que el objetivo que las trajo es el encuentro con un personaje muy influyente del lugar, mientras esperan sumidos en el detonar de armas. Cada uno va develando sus sentimientos y personalidad, sobre todo Ofelia, que muestra su lado más oscuro plasmando la muerte de todo ser vivo, únicamente por prestigio y ambición.
Esta obra se sostiene rastreando el interior de los protagonistas que percibimos merced a las muy buenas interpretaciones, que además logran instalar el entorno de desolación dentro de una escenografía austera.
Con una carga de simbolismos y metáforas, desde la ceguera que nos impide ver lo que no queremos y la fotografía que testimonia por siempre un hecho.
Mirando pasar los trenes retrata la realidad de un mundo en guerra, el egoísmo, la violencia y el abuso de poder, que por cotidiano vuelve al hombre insensible.
Con un pequeño soporte audiovisual y una importante gama de sonidos que nos permiten imaginar la devastación y el horror. MUY BUENA

Mabel Loschiavo.

NOCHE DE LAS DISQUERIAS

2010-09-18T12:09:00.000-07:00

"La noche de las disquerías"

Disquerías a puertas abiertas para vivir la música

El 21 de octubre llega la segunda edición de "La noche de las disquerías"

• Una oportunidad para celebrar la música, conocer nuevos artistas y recorrer las disquerías de la ciudad que, con horarios extendidos, ofrecerán descuentos y promociones especiales.
• Organizada por CAPIF (cámara que representa a los sellos discográficos en Argentina), cuenta con el apoyo de los Ministerios de Cultura y Desarrollo Económico de la Ciudad de Buenos Aires.
• El año pasado se realizó la primera edición y convocó a más de 15.000 personas. En esta oportunidad se suman más disquerías, más artistas y muchas más sorpresas.
El próximo jueves 21 de octubre se realizará la segunda edición de "La noche de las disquerías", una iniciativa que se propone celebrar la música en el ámbito de las disquerías de la ciudad de Buenos Aires.
La acción está organizada por CAPIF (cámara que representa a los sellos discográficos en Argentina) y cuenta con el apoyo de dos Ministerios del Gobierno de la Ciudad: Cultura y Desarrollo Económico -este último a través de la Dirección General de Industrias Creativas y Comercio Exterior-.
El 21 de octubre las disquerías adheridas estarán abiertas en horario extendido y además habrá descuentos especiales en la venta al público. También habrá shows y acústicos, todo con entrada libre y gratuita. Rock, jazz, tango, folclore, pop, espectáculos para los más chiquitos, vendedores de discos "muy especiales" y la posibilidad de vivir una experiencia única "respirando" música.
En breve se difundirá la agenda completa de actividades y todos los puntos de venta que participarán de la acción, que este año abarcará muchos más circuitos, barrios y disquerías.
Javier Delupí, Director Ejecutivo de CAPIF, destacó el éxito y la respuesta de público que tuvo el año pasado la primera Noche de las disquerías, y remarcó la importancia de alentar este tipo de iniciativas "que acercan a la gente a su música y sus artistas en un ámbito de fiesta".
Cabe mencionar que, en nuestro país, el 45% del mercado de la música corresponde al repertorio nacional, por lo tanto, actividades de este tipo son fundamentales -entre otras cosas- para fomentar y ayudar a difundir el talento argentino.

MIRANDO PASAR LOS TRENES

2010-09-14T20:34:00.000-07:00

Mirando pasar los trenes
Resumen
Ofelia, una fotógrafa ciega de nacimiento llega con su cándida hija Anna a una estación de tren; allí, en el bar de la estación, encuentran a Rodrigo, el encargado del bar, con quien entablarán una dispar conversación la que transcurrirá entre temores, recelos, dudas y tensiones.
La ciudad se encuentra en guerra; los sonidos y las impresiones de los protagonistas remiten a esporádicas escaramuzas que proporcionan su cuota de muertos y ruinas que Ofelia se obstina en fotografiar en busca de retratar estragos, algo con lo que ganado su fama. Fotografiar lo macabro, aciago y funesto es uno de sus objetivos, el otro es encontrarse con el Conde de Dos Mares.
IMPRESIONES sobre la obra.
La micropoética de la obra está inscripta entre el drama moderno disolutorio y el drama simbolista, no es un drama moderno canónico, por lo que no puede esperarse de ella la sujeción a los cánones realistas.
La caracterización de los tres personajes está determinada fuertemente por su temperamento y su conducta. En Ofelia: dureza, crueldad, autoritarismo, inclemencia, severidad, soberbia y altivez, en Anna: candidez, inocencia, ingenuidad y ternura, en Miguel: temor, sospecha, recelo y desconfianza.
La espera de un personaje que no aparece, el Conde de Dos Mares, nos remite al Godot de Becket tanto como en su figura de personaje sublime como en su intencionalidad. La que lo busca, Ofelia, no declara lo que la motiva ni tampoco da detalles acabados sobre él; sin embargo, el Conde está presente en la obra convirtiéndose así en un personaje sublime que toma presencia sólo en la mente del espectador.
El desarrollo dramático y en el devenir de la tensión que se mantiene constante de la obra se nos parece a los dramas del belga Maurice Maeterlinck como en “Los ciegos”. El ambiente y los gestos dramáticos similares al de “En tus últimas noches” de Francisco Lumerman están trabajados desde lo referencial y enunciativo. Así la violencia, la presión y la crueldad a la que está sometido el micro-mundo ficcional que elabora la obra se sustenta en base a símbolos, marcas con lo cual se construye la tesis de la obra.
El exterior, el entorno próximo, es aludido constantemente en base a sonidos, referencias y comentarios de los personajes construyendo acabadamente la idea de los sucesos que no vemos pero que están presentes, amenazantes y al acecho.
La obra es una gran metáfora que puede ser decodificada y deconstruida a partir de cada uno de los personajes y de la historia misma.
Ficha técnica:
“Mirando pasar los trenes”
Dramaturgia: Daniel Dimeco
Dirección: María Esther Fernández
Intérpretes: Cristina Dramisino, Miguel Ángel Vilar, Julieta Fernández.
Duración: 60 minutos (aproximadamente)
Teatro: El Búho
Tacuarí 215, Capital Federal, Argentina
Teléfonos: 4342-0885
Funciones: Sábado - 21:00 hs
Localidades: numeradas $ 30,00 y $ 25,00 para estudiantes y jubilados
Eduardo Jorge Gil Michelena
Septiembre de 2010

LUIS PESCETTI

2010-09-13T21:00:00.000-07:00

LUIS PESCETTI
NOMINADO
A LOS GRAMMY LATINO 2010

El disco doble Luis Pescetti – compuesto por sus dos primeras obras musicales Vampiro negro y Cassette pirata- fue nominado a MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA LATINA PARA NIÑOS, junto a: MPB Pras Criancas (Banda de Boca), Insectos y Bicharracos (Rita Rosa), Brasileirinhos (Azul Music) y Lo Mejor De Playhouse (Walt Disney Records).

La ceremonia de entrega de los premios será el próximo 11 de noviembre en el Hotel Mandalay Bay de la ciudad de Las Vegas.
Paralelo a su carrera musical es uno de los escritores infanto juveniles más reconocidos en español. En su obra literaria destacan: la serie Natacha, Frin, Lejos de Frin y Caperucita Roja (tal como se la contaron a Jorge), entre otros.

Más información en www.luispescetti.com

VIAJE DE UN LARGO DIA HACIA LA NOCHE

2010-09-12T20:18:00.001-07:00

“VIAJE DE UN LARGO DÍA HACIA LA NOCHE”
de Eugene O¨Neill
Traducción: León Mirlas
Versión: Villanueva Cosse
Elenco: Tyrone Daniel Fanego
Mary Claudia Lapacó
Jimmy Agustín Rittano
Edmundo Sergio Surraco
Catalina (criada) Jimena Riestra
Miguel Angel Ludueña y Gastón Palermo (servidores de escena)
Teatro Regio Avenida Córdova 6056
Funciones: de jueves a sábados 20.30 horas y domingos 19 horas

Viaje de un largo día hacia la noche, es el doloroso testimonio autobiográfico de Eugene O’Neill, en un trabajo de introspección que conformó la tragedia de su vida.
La acción transcurre en un solo día llevando el desenlace hacia la noche, utilizando el recorrido natural de la luz como metáfora del análisis sicológico en cada uno de los personajes, que van hacia lo más oscuro de su personalidad.
El lugar es la casa de verano de los Tyrone, allí se encuentran los integrantes de esta familia cuya característica principal es la omisión. Mary, la madre, que esconde su adicción a la morfina y añora su vocación frustrada de monja o concertista. Jame, su esposo, actor y trotamundos, la arrastró en sus giras con total desapego al hogar.
Los hijos: Edmundo, con inclinación poética, muy enfermo de tuberculosis y perseguido por el fantasma de un hermano muerto; y Jimmy heredero por imposición de la vocación de actor de su padre (y también del vicio del alcohol).
En un ambiente de penumbras, reforzado por la bruma de la región que borra las imágenes, O´Neill pone a estas criaturas en “carne viva” tratando de encontrar culpables y exteriorizar la angustia. Los vuelve al pasado, recorre las mentiras y carencias (afectivas y materiales) que llevaron al hogar a la destrucción y desde ese lugar poder transitar el presente y encontrar el perdón.
Este drama requiere de una escenografía despojada de elementos cálidos y la iluminación es fundamental para reforzar los diálogos limitados del comienzo de ese día y casi brutales hacia el final.
Un elenco sólido sostiene la envergadura de este texto, que trabaja con los sentimientos encontrados y los opuestos. BUENA. Mabel Loschiavo

Eugene O’ Neill (1888-1953) fue un autor dramático norteamericano, pionero del teatro moderno estadounidense, influido por Ibsen, Strindberg y la tragedia griega. Hijo del actor James O’Neill, pasó una infancia inquieta con la compañía de su padre, una juventud turbulenta con estudios interrumpidos, trabajos casuales y viajes aventureros. En colaboración con los Princetown Players, que estrenaron con gran repercusión Bound East for Cardiff (Rumbo a Cardiff) y Thirst (Sed) (1916), fue poniendo en escena sus piezas en un acto de tema marítimo (entre ellas, The Moon of the Caribbies -La luna de los Caribes- de 1916-1917), hasta su triunfo en Broadway con Beyond the Horizon (Más allá del horizonte) (1920) que obtuvo el Premio Pulitzer (uno de los cuatro que le fueron otorgados al autor). O’ Neill se convirtió en el principal autor teatral de Estados Unidos y se estableció en Broadway con Anna Christie (1919-1920) -presentada en 1978 en la Sala Casacuberta del Teatro San Martín, dirigida por Santángelo-, The Emperor Jones (El emperador Jones) (1920), The hairy Ape (El mono peludo) (1922), El gran dios Brown (The great God Brown) (1925), Strange Interlude (Extraño interludio) (1928), Mourning becomes Electra (A Electra le sienta bien el luto) (1931) y Ah Wilderness (1933). En 1936 fue galardonado con el Premio Nobel.
Estilísticamente, sus dramas, que contienen muchos rasgos autobiográficos, abarcan desde el naturalismo de las piezas en un acto hasta el expresionismo sui generis de El emperador Jones y El mono peludo, y el realismo simbólico de sus obras tardías. Entre 1934 y 1946 O’ Neill no publicó ni estrenó ninguna obra, mientras escribía sus dramas de madurez: More stately Mansions (Mansiones más majestuosas) (1935-1941), A Touch of the Poet (Casi un poeta) (1936-1940), The Iceman cometh (El hombre de hielo llega) (1939-1940), A long Day’s Journey into Night (Viaje de un largo día hacia la noche) (1940), A Moon for the Misbegotten (Una luna para el bastardo) (1941-1942). Antes de morir destruyó varios dramas y fragmentos dramáticos

MUNDO ALAS - LEON GIECO

2010-09-10T23:39:00.000-07:00

LEON GIECO Nominado al LATIN GRAMMY 2010, A TRAVES DEL FILM "mundo alas"
León Gieco está nominado en el rubro mejor video musical versión larga por "Mundo Alas". El film fue dirigido por el propio Gieco, Fernando Molnar y Sebastián Schindel y producido por Gustavo y Virginia Taranto.

MUNDO ALAS es una road movie. Un viaje iniciático de un grupo de jóvenes artistas nóveles que muestran su arte junto a la voz, el talento y la experiencia de León Gieco a lo largo de una gira por diferentes provincias argentinas.
Músicos, cantantes, bailarines y pintores, todos ellos grandes artistas con distintas discapacidades que expresan y comunican su mirada del mundo: Aquello que les preocupa, que los anima, que los inspira, en un show que combina música, danza y pintura. Un show donde se destacan el rock, el folclore y el tango junto a grandes éxitos de León Gieco.
A lo largo de la gira y de la película se van conociendo las historias de vida de cada protagonista y su evolución artística. Los shows, ensayos, la ruta y los hoteles son los escenarios de anécdotas y música que generaran nuevos sueños: lograr editar el disco de "Mundo Alas" y consagrar la gira con un gran show en el Luna Park. Al tiempo que surgen historias de amor, de relaciones humanas que demuestran que la integración es posible.
Un film único que espera incluir a todos, una maravillosa experiencia musical sobre la superación y el amor, que empieza por nombrar y reconocer a las personas por sus capacidades.

NUEVA NOVELA DE VARGAS LLOSA

2010-09-04T00:12:00.000-07:00

ALFAGUARA PUBLICARÁ EL 3 DE NOVIEMBRE LA NUEVA NOVELA DE MARIO VARGAS LLOSA
El sueño del celta
Aparecerá simultáneamente
en todo el ámbito del español

La nueva novela de Mario Vargas Llosa es uno de los lanzamientos editoriales más esperados del segundo semestre. Cuatro años después de su anterior novela, Travesuras de la niña mala, Vargas Llosa llegará el 3 de noviembre a las librerías de España, Latinoamérica y el mercado en español de los Estados Unidos con El sueño del celta, obra basada en la apasionante vida del irlandés Roger Casement, personaje real inspirador de este trabajo que, en palabras de Vargas Llosa, “tuvo una vida muy aventurera y realmente novelesca”. Tres años ha dedicado el autor a reconstruir la vida de este defensor de los derechos humanos, que fue diplomático británico y que acabó militando activamente en la causa del nacionalismo irlandés. “No me acuerdo cuándo descubrí este personaje, pero sí que fue al leer una biografía de Joseph Conrad. Al principio me despertó la curiosidad, sobre todo porque vi que había estado en la Amazonía, en el Perú amazónico. Empecé a buscar materiales sobre él y cuando me quise dar cuenta ya me había atrapado”.

Roger Casement (1864-1916) fue cónsul británico en el Congo Belga y dedicó dos décadas de su vida a denunciar las atrocidades del régimen de Leopoldo II en el país africano. Tras su actuación en el Congo, el gobierno británico le encomendó investigar la situación de los indígenas que trabajaban en la extracción del caucho en la Amazonía, en la región del Putumayo, zona fronteriza entre Colombia y Perú. Fruto de esos viajes, Casement escribió dos informes sobrecogedores, de gran repercusión en la época, que detallaban los terribles abusos contra los indígenas. “Roger Casement es uno de los primeros europeos que tuvieron una conciencia clara de lo que fue el colonialismo y que denunció sus tropelías”.

Mario Vargas Llosa narra de manera excepcional la evolución de un personaje que vivió sus propias contradicciones. Siendo diplomático al servicio del gobierno británico inglés y anglicano, se hace independentista irlandés y católico. En Nueva York estableció contacto con los nacionalistas irlandeses exiliados, viajó a Berlín para conspirar contra el Reino Unido en plena Primera Guerra Mundial y participó en el Alzamiento de Pascua de 1916. Tras varios meses en prisión, Roger Casement acabó condenado a muerte acusado de traición tras un juicio que conmovió a la sociedad inglesa por el aireamiento de unos diarios donde supuestamente Casement relataba escabrosas aventuras homosexuales, y cuya autenticidad sigue siendo una incógnita. “Casement es un personaje que incomoda mucho a los propios irlandeses, porque hay toda una leyenda muy controvertida sobre supuestas prácticas sexuales homosexuales que se le atribuyeron, nunca se sabe si con una base de realidad o como parte de una operación de la inteligencia británica para desprestigiarlo”.
El sueño del celta narra, en definitiva, la peripecia vital de un aventurero, un idealista al que la vida le esperaba como una metáfora de la maldad. Ahí, en ese territorio que se multiplica por cinco (África, la Amazonia, Irlanda, la cárcel, el sexo), Casement toca la maldad humana en su estado más puro y, por tanto, más enlodado. Una obra apasionante que roza el alma humana y la atraviesa devolviéndonos su reflejo más verdadero, para que la veamos tal cual es: oscura o clara, clemente o maldita.

CINEMATECA Y ARCHIVO DE LA IMAGEN

2010-08-31T19:28:00.000-07:00

El lunes 30 de Agosto de 2010
la Presidenta Cristina Fernández de Kirchner firmó el decreto Reglamentario de la Ley 25.119 que crea la
CINAIN
CINEMATECA Y ARCHIVO DE LA IMAGEN NACIONAL

Qué es la Cinemateca y Archivo de la Imagen Nacional.

Argentina es uno de los países pioneros en la exhibición y producción cinematográfica, y, en la actualidad, uno de los de mayor producción audiovisual de Latinoamérica, y sin embargo uno de los países que no contaba con Preservación y Difusión de su patrimonio fílmico y audiovisual.
La Cinemateca Nacional es al cine lo que la Biblioteca Nacional a los libros. El lugar donde se preserva una parte esencial de nuestro patrimonio cultural, para que las generaciones presentes y futuras puedan pensar el país, en este caso, desde el audiovisual, el lenguaje de nuestro tiempo por excelencia, por riqueza expresiva e intelectual.
Hemos perdido ya el 90% del cine mudo y el 50% de nuestro cine sonoro. Lo que queda no está precisado en cifras, no está totalmente identificado y ubicado, y hay gran cantidad de material por restaurar. No son pocos los documentalistas argentinos que han debido salir a comprar al exterior imágenes de archivo de películas locales.
El cine es un espejo, una escuela, una embajada. Amplía la mirada, enriquece el pensamiento, nos descubre, nos une, nos identifica. Construye puentes entre diferentes generaciones, entre diversas culturas.
Hace 80 años se creaban las primeras Cinematecas del mundo, París, Nueva York, Berlín. La Cinemateca de México cumple 50 años y son reconocidas en el mundo entero las Cinematecas de Chile y Uruguay.
A partir del 30 de agosto, Reglamentando la Ley 25.119 de 1999, el Estado Argentino empieza a saldar una vieja deuda con el cine, cuya producción fomenta desde un pujante INCAA, pero que debe ser preservado para los estudiantes, investigadores y para todos los ciudadanos, ya que es el patrimonio cultural que nos pertenece. La Cinemateca y Archivo de la Imagen Nacional, en la órbita de la Secretaría de Cultura de la Nación, cuidará del Cine Nacional y también lo más destacado de la producción internacional que a través de las pantallas también pasó a ser parte de nuestro imaginario. Todos materiales que hasta hoy se destruyen sistemáticamente por falta de lugar adecuado para preservarlo.

RAUL BARBOZA TRIO

2010-08-30T21:03:00.000-07:00

RAUL BARBOZA TRÍO
en ARGENTINA
Unicas 4 presentaciones
Viernes 3, 10, 17 y 24 de Septiembre
CHACAREREAN teatre

con NARDO GONZALEZ en guitarra y ROY VALENZUELA en contrabajo

Se presentará en el CHACAREREAN teatre de PALERMO, luego de sus actuaciones en la Expo de Shangai 2010; en Alemania y en Austria.
El acordeonista estará entre nosotros para volver a pintarnos ese universo de colores que nace cuando sus manos se posan en los botones de su acordeón disparando su talento infinito.
Un concierto íntimo. Presentando su nuevo CD El árbol y el colibrí.
www.raulbarboza.com
Reservas:
CHACAREREAN teatre - Nicaragua 5565
4775 9010 / 4774 3712

FAUSTO

2010-08-30T18:19:00.000-07:00

“Fausto, un sueño imposible”

versión de Edward Nutkiewicz
Basada en textos de Goethe, Marlowe y Wilde
Teatro: El Bardo Cochabamba 743
Funciones: viernes y sábados 21hs.
Elenco: Fausto (Edward Nutkiewicz), Mefistófeles (Daniela Catz), Margarita (Maia Francia).
Dirección y Puesta en escena: Mónica Mafia, escenografía y vestuario: Alberto Bellatti, diseño de luces: Marco Pastorino, maquillaje y realización de pelucas y de calva: Mónica Gutiérrez.

La juventud eterna es motivo de preocupación para la humanidad desde tiempos inmemoriales. La literatura universal y el arte en general se han tentado con historias, leyendas y lugares sobre la búsqueda del elixir o método que devuelva al hombre esa condición.
Fausto, un sueño imposible se inspira en tres grandes escritores que a su vez rescatan un mito popular: el de un mago que aseguraba haber hecho un pacto con el diablo a cambio de la sabiduría.
En esta versión, el personaje de Fausto —un empresario que no soporta la vejez— acepta pactar con un Mefistófeles moderno que no duda en someterlo a sus órdenes y devolverle mediante una operación la ansiada juventud. Induciéndolo a desafiar los límites de la ciencia, haciendo frente a las reglas de la naturaleza y de Dios.
La omnipotencia y ambición desmedida que lo llevan a pactar, movilizan también el desborde de sus instintos; y es así que seduce a Margarita, instalándose en él una lucha constante entre el bien y el mal. En ese delirio engaña a Margarita —se ciega con los placeres y poder adquiridos— y comienza a atormentarse con la búsqueda de la redención final.
Con una puesta moderna, en dos niveles: destacando un laboratorio de avanzada; y un corredor por donde aparece Margarita como traída de otro tiempo (en contraste con las enfundadas vestimentas de cuero de Fausto y Mefistófeles). Además de los espejos, en especial el de círculo en el suelo que ayuda a visualizar la transformación y la lujuria.
Fausto, un sueño imposible traslada este drama filosófico a la sociedad actual y nos hace pensar en los avances de la ciencia que no escatima en recursos para retardar el envejecimiento de las células y otros métodos de concepción genética. BUENA.
Mabel Loschiavo.

2010-08-28T20:24:00.000-07:00

“ORILLAS”
NOVENO LARGOMETRAJE DE PABLO CÉSAR
UNA PELICULA FILMADA EN LA ISLA MACIEL Y EN AFRICA

Dentro de pocas semanas estará finalizada la etapa de postproducción del noveno largometraje del director argentio Pablo César. La película se rodó en dos países: Argentina y la República de Benin, país del oeste africano que limita con Nigeria. Del lado rioplatense la película se filmó en la Isla Maciel y en diferentes locaciones del partido de Avellaneda.

El film presenta dos historias de intriga y acción que aparentemente no tienen relación alguna y, sin embargo, terminan confluyendo hacia el final.

La esencia de la película es proponer una reflexión a propósito de las raíces africanas que perduran en la vida de Buenos Aires desde la llegada de los esclavos traídos por los europeos en su “descubrimiento americano”. Los elementos que unen estas historias desde el punto de vista cultural son numerosos. Desde los rasgos fisonómicos africanos de los actores que protagonizan el relato en Argentina, como el joven Shantas (Leonel Arancibia) hasta la presencia de la religión Umbanda, una religión sincrética producto del choque entre el cristianismo y las creencias de la cultura Yoruba traída de las regiones de Nigeria y Benin en la época de los esclavos.

El film contó con el apoyo del INCAA, asi como también con el de la Dirección de la Cinematografía de Benín. A su vez fueron significativas las colaboraciones de la Dirección de Asuntos Culturales de la Cancillería Argentina como también de la Municipalidad de Avellaneda.

“ORILLAS” es un film que retrata personajes de la vida cotidiana de dos países fuertemente atravezados por las creencias religiosas. Las huellas africanas en la cultura del Río de la Plata fueron borradas de la mayoría de los libros de la historia. Sin embargo aún hoy las raíces negras persisten en diferentes vocablos, expresiones y pensamientos así como también son visibles en el arte, en la cocina y en numerosas edificaciones de la ciudad.

El elenco principal en la Argentina cuenta con Dalma Maradona, Javier Lombardo, Daniel Valenzuela y Nicolás Condito, presentando tambien el debut cinematográfico de Leonel Arancibia (Shantas), Cristian Gutierrez y Esteban Diaz. En Benin el film contó con importantes actuaciones en los roles de Morenike y Babarimissá.

La película se filmó en lugares inéditos del continente africano especialmente en el epicentro de la cultura Yoruba.
El guión es de Jerónimo Toubes, la producción ejecutiva de Pablo Ballester, la dirección de fotografía y cámara de Carlos Essmann, la escenografía (en Argentina) de Valeria Ambrosio, el sonido (en ambos países) de Rodrigo Sanchez Mariño. Los vecinos de la Isla Maciel y del Dock Sud apoyaron al rodaje de esta película. El director y su equipo estuvieron 4 semanas filmando en distintos lugares de la Isla compartiendo experiencias con la gente del lugar. En febrero y marzo Pablo Cesar filmó en Benin junto a un equipo de técnicos argentinos y benineses.

El director de “Orillas”, Pablo César filma desde los 13 años. Realizó 20 cortometrajes en Super 8mm, un largo en Super 8mm y 8 largos en 35mm que se estrenaron en cines y tuvieron importantes distinciones internacionales. “ORILLAS” también se filmó en 35mm uniendo distintos continentes y culturas. Es la primera vez que Argentina realiza este vinculo cinematográfico con Benin. Pablo César ya había incursionado en el continente africano filmando en Túnez su segundo largometraje “Equinoccio (el jardín de las rosas)” en 1991, luego partes del musical que hizo en 1993 “Fuego Gris” se filmó en Cabo Verde (película para la que Luis Alberto Spinetta compuso 17 canciones a partir del guión de César y Gustavo Viau) y tambien en 1998 “Afrodita (el jardín de los perfumes)” filmada en la región Dogón, en la República de Mali. Con “Afrodita..” César obtuvo imágenes, actuaciones y registros de una de las civilizaciones más antiguas del continente africano: Los Dogon que al día de hoy son el centro de atención de numerosos antropólogos por su cosmogonía tan particular y por las sorprendentes precisiones que manejan en su conocimiento de los astros, en ocasiones incluso más avanzados que la ciencia moderna.

La banda musical de “ORILLAS” cuenta con algunos temas que fueron compuestos especialmente para la película por la banda de hip hop de la Isla Maciel “Los Ñeri del Docke”, asi como también con temas de la famosa cantante Jarboe y la banda sueca Arcana. A su vez incluye música Yoruba , una de las tradiciones más antiguas del planeta.

La web www.orillasfilm.com.ar

EL HOMBRE DE AL LADO

2010-08-28T20:19:00.000-07:00

¡Por fin! Se estrena EL HOMBRE DE AL LADO.
El 2 de septiembre, en muchas salas de Buenos Aires,
La Plata, Córdoba y Rosario.
Trailer : http://www.youtube.com/watch?v=s-rRi9Lc6p0

Dirigida por Mariano Cohn y Gastón Duprat
Protagonizada por Rafael Spregelburd y Daniel Aráoz
Guión original de Andrés Duprat
Producida por Fernando Sokolowicz
Con: Eugenia Alonso , Inés Budassi , Loren Acuña , Rubén Guzmán ,
Debora Zanolli, Eugenio Scopel, Barbara Hang , Valeria Correa ,
Juan Cruz Bordeu y Erique Gagliesi
Música original: Sergio Pángaro
Asistencia de Dirección: Diego Bliffeld y Carlos Maris
Producción ejecutiva: María Belén De la Torre
Producción general: Fernando Sokolowicz
Producción: Aleph Media
Filmada en La Plata, Buenos Aires, Argentina, entre mayo y junio de 2009
Sinopsis
Leonardo es un importante diseñador industrial que vive con su esposa Ana, su hija Lola y su mucama Elba, en la única que casa que construyo el gran arquitecto Le Corbusier en América, situada en la ciudad de La Plata en Buenos Aires, Argentina. Como diseñador industrial posee un gran prestigio gracias a una silla que fuera mundialmente reconocida y elogiada.
Una mañana, la rutina y tranquilidad de su hogar se ve afectada por el comienzo de unas obras en una casa lindera. Un vecino pretende hacer una ventana ilegal con vista a su casa. Víctor, el vecino, es un personaje raro y extrovertido. Su actitud extremadamente amistosa y a la vez amenazante opera en Leonardo un fuerte rechazo y a la vez una sumisión inmanejable.
El incidente comienza a ocuparle a Leonardo todo su tiempo e interés, apartándolo de su rutina laboral y familiar. Las consecuencias de su obsesión repercuten en su trabajo, su familia y en su personalidad. Ante la presión de su mujer y las promesas siempre incumplidas de Víctor de terminar con la reforma, Leonardo se va desmoronando. Hasta que un hecho fortuito le acerca una controvertida solución al problema.

Casa Curutchet
La película fue íntegramente filmada en Casa Curutchet, única vivienda realizada por el genial arquitecto suizo-francés Le Corbusier en América. Se trata de una edificación situada en la ciudad de La Plata, construida entre 1949 y 1955, reconocida como una joya de la arquitectura mundial.
La elección de este emblema del diseño como locación para la realización del film le otorga no solo una cualidad plástica única, definida por el contexto en el que se realizan las puestas de cámara, sino que se integra también a la casa como un protagonista más en la historia que narra la película.

Los Directores, Gastón Duprat & Mariano Cohn
En el campo de cine y video experimental, crearon más de veinte trabajos que han sido proyectados en cines, galerías de arte y museos de todo el mundo. Muchos de esos trabajos han sido reconocidos y premiados nacional e internacionalmente. Algunas de sus obras más reconocidas son: "Cámara de sombra" (1990), "Circuito" (1993), "Venimos llenos de Tierra" (1996), "Hectárea" (1998), "Soy Francisco López" (2000), "20/12" (2001) y "Hágalo usted mismo" (2002).
En TV, han diseñado y pensado nuevos fomratos innovadores como "Televisión Abierta" (1999), "Cupido" (2000), "Cuentos de terror" (2001), "Navegando con Fede" (2002), y "El Amante TV" (2007), entre otros. Ellos diseñaron, fundaron y dirigieron el canal cultural "Ciudad Abierta" (2003) para la ciudad de Buenos Aires, donde desarrollaron nuevos conceptos destinados a la comunicación de masas. Muchos de estos formatos han sido copiados y vendidos en varios países.
En el area del cine de autor, ellos han dirigido numerosas piezas premiadas como “Enciclopedia” (1998), “Yo Presidente” (2006); un documental coproducido por Luis Majul y Patagonik (Disney Films) que obtuvo el primer premio de la sección documental en el Festival Internacional de Cine Independiente de México y el primer premio al mejor documental en el Festival de Malaga. En el 2008 dirigieron “El artista” ganadora del premio a la mejor película y mejor guión en el Festival Internacional de Bursa, Turquía, el premio del público en el Festival de Cinémas d'Amérique Latine en Toulouse, Francia, también han recibido el premio a Mejor Nuevo Director en el Festival de Lleida, España. Este film fue copodrucido con Aleph Media, Cinecittá y el Instituto Luce, con aportes de Ibermedia para la producción del film. "El artista", tuvo estreno comercial en Italia, España y Francia.
"El hombre de al lado" (2009), su último trabajo cinematográfico, ganó el premio a la Mejor Película Argentina en el 24º Festival de Cine de Mar del Plata, Premio a la mejor fotografía en la competencia internacional de Sundance 2010, también fue seleccionada para participar en el prestigioso New Directors, New Films 2010 organizado por el Lincoln Center Film Society’s y el MoMA, en Nueva York, USA. El film fue adquirido para la distribución en Francia, España y Portugal, como también han sido comprado sus derechos por HBO para window TV broadcasting.
Actualmente se encuentran produciendo su próxima película, “Querida, voy a comprar cigarrillos y vuelvo” que será rodada en septiembre de 2010.

EL BIZCO

2010-08-27T20:23:00.000-07:00

El Bizco
Resumen:
La historia transcurre en una habitación de una casa típica de los estratos medios porteños, afuera una tormenta arrecia, dentro una pareja (marido y mujer) de unos cincuenta años se "incomunican". Dentro de la casa también se cierne una tormenta silenciosa pero mucho más destructiva e intensa.

El hombre encuentra un aviso fúnebre que según el supone alude a un amigo al que apodaban "El Bizco" y del cual no ven desde hace tiempo. La monotonía de la pareja entonces se rompe. Así la pareja rompe el silencio aferrándose a ese intento del recuerdo "imaginario" que les permite observar la muerte de un otro quizás para evitar el recuerdo que ellos van camino a ella. Es el otro el que murió, no ellos.

Al poco tiempo llega Esteban, también de cincuenta años, quien llega acompañado de una joven de veinte años, su presencia es motivo de rechazo.

Los diálogos continúan disparatados, absurdos, delirantes por senderos cada vez más complejos y delicados en donde se pasearán verdades y miserias, compromisos y traiciones, anhelos y derrotas. Así rememorarán parte de sus vidas que se les va, como se le ha ido al Bizco.

La joven Laura, que tiene un escueto guión elaborado a partir de frases cortas (aunque estas son las únicas "lúcidas" de la obra) es un personaje vital en donde la historia mantiene un verdadero clivaje para hilar la tesis profunda que se construye por debajo de la historia evidente construida a partir de los diálogos sin sentido del trío.

Una magnífica metáfora creada por Marta Degracia que entre situaciones conflictivas y contradicciones, va construyendo una historia evidente y otra que se lee entre líneas que es más existencial y dramática.

IMPRESIONES sobre la obra.

El Bizco es una obra que por lo menos tiene dos lecturas, la primera, evidente y fácil, nos representa un momento -disparatado, dramático, absurdo- de la vida de una pareja de cincuentones. Leída así la obra tiene un sentido que va a satisfacer a los espectadores por la hilaridad de los diálogos y por la verosimilitud de la historia que construye. El espectador aplaudirá satisfecho, se levantará de la sala y se irá como lo hizo cada vez que vio una obra de su agrado. Pero esa lectura es simple, superficial y banal.

La segunda es aterradora, pues nos remite brutalmente a la muerte, y la vejez como su preludio, y que está rondando las cabezas de aquellas que pensaron verla solo en el otro, en el bizco. Así, en la obra es la muerte que se les acerca la verdadera protagonista. La pareja y el amigo de ella, se aferran a la idea pero poniéndola en cabeza de un otro que quieren o imaginan recordar mientras rechazan a la juventud, representada por Laura, la chica de veinte años que llegó acompañando a Esteban el único del trío que puede tener un poco de alegre juventud. Por eso, por ser la personificación de la juventud, Laura es rechazada una y otra vez mientras que el trío se obsesiona con la muerte. Por eso Laura se va, dejando a esos viejos aferrarse a su vejez.

La obra sin Laura, aún poseería un significado coherente elaborando un divertido y entretenido teatro del absurdo; pero Laura es necesaria para lograr la segunda y profunda lectura: Laura es la juventud, Laura rechazada por el trío simboliza la claudicación de este ante la vejez y la muerte, por eso Laura se va cuando ya ni siquiera los jirones de juventud no se pueden ni ceñir en las frentes del trío que acepta su vejez y su derrota.

La escena final refuerza esta tesis, pues cuando Laura (la joven) ya se fue, Ana pregunta “¿Dónde está la chica?” a lo que responde Alberto (su marido) “¿Qué chica?” dejando a Ana vacilante y confusa sin saber explicarlo, describe a la joven Laura de manera exactamente opuesta a la que corresponde a Laura mientras Esteban, quien trajo a Laura niega que la haya traído diciendo “¿Cómo voy a invitar a tu casa a una tipa que no conozco?

El último gesto de Ana, pone otro punto a favor de esta tesis: Ana mira un plato en donde quemaron una foto, lo mira y sopla desparramando las cenizas por el aire como quien esparce cenizas mortuorias.

La puesta en escena corresponde al drama moderno, con una escenografía, iluminación y sonido realista que ayudan a reforzar la verosimilitud del ambiente representado.

El espacio escénico lo domina una mesa rectangular a cuyo alrededor se concentrará casi toda la acción, el mobiliario accesorio, bien dispuesto y útil cuenta con lo imprescindible para la labor actoral sin desperdicio alguno.

Por el grado de enunciación y el guionado la obra presenta caracteres estilísticos del grotesco porteño y del absurdo, el simbolismo europeo también está presente por el modelo actancial que se trabaja dentro del conjunto marido-mujer-amigo con la joven Laura; el trío rechaza a Laura que está presente (y para la obra es necesario que Laura lo esté) simbolizando el rechazo de la juventud por estas tres personas envejecidas.

Ficha técnica:

“El bizco”

Dramaturgia: Marta Degracia

Dirección: Hugo Mouján

Intérpretes: Paula Lucas, Cristina Miravet, Marcelo Sánchez, Carlos Stasi.

Duración: 70 minutos (aproximadamente)

Teatro: Del Artefacto

Sarandi 760, Capital Federal, Argentina

Teléfonos: 4308-3353

Funciones: Viernes - 20:30 hs

Localidades: numeradas $ 30,00 y $ 25,00 para estudiantes y jubilados

Eduardo Jorge Gil Michelena

Agosto de 2010

EXTASIS

2010-08-27T20:14:00.000-07:00

Éxtasis o Dale de comer al pato
"Cuando uno muere no hay nada, sólo una vida que será olvidada."
Yasunari Kawabata
Resumen:
En una sala de hospital Juan, un joven enfermo, agoniza, a su lado Carlos, su amante, unos años mayor, sufre ante la inminencia de la muerte del amado mientras imagina, alucina o sueña momentos compartidos que irán reelaborando la historia de un amor que han sabido construir juntos entre felicidades y sinsabores. Mientras tanto, una enfermera solícita, muy atenta al cuidado del enfermo, no deja pasar la oportunidad de cuidar, atender y observar a Carlos.
La historia de amor entre Juan y Carlos se alterna entre otras historias que se van colando entre los intersticios del drama de la muerte, contando otras historias de muertes, mutilaciones y reconstrucciones. Así y de este modo la enfermera prestará vida de representación a una beata muerta a la que mutilaron su cadáver y cuyos despojos serán reliquias; y será también la que acompañará a Carlos luego de la muerte de Juan de viaje de regreso hacia la redención final.
Así coexiste la historia de amor que se desvanece con la historia de la beata al que mutilan su cadáver y la historia la enfermera que se recompone y que luego partirá hacia la gloria.
La obra, inspirada en textos de dos célebres escritores japoneses Yasunari Kawabata (Premio Nobel) y Yukio Mishima (varias veces nominado al Nobel) trabaja bien con los conceptos del vacío y del lleno (Cheng); el vacio existe para dar vida a lo lleno y cobra sentido en la medida a que puede ser llenado, mientras lo lleno cobra valor en tanto puede ser vaciado. La muerte y la vida sólo es un corolario dentro del paradigma de Cheng.
Por otra parte el espíritu de Kawabata está presente en la obra en tanto que esta mantiene un discurso coherente con su estilo existencial, mientras los rasgos de estilo de Mishima son notables dentro de la obra en tanto se alude a la belleza de los cuerpos, las mutilaciones, el sacrificio y el horror.

IMPRESIONES sobre la obra.

Éxtasis es una obra que se nos aparece como un discurso filosófico sobre la existencia y el amor en forma de obra de teatro. Decodificar su sentido no es tarea fácil.

Los diálogos, brillantes, cortos y tensos trabajan en conjunción con lo gestual seguramente debido a la hábil dirección de Alberto Félix Alberto, tarea en la que siempre se ha desempeñado con magistral talento.
Un amplio espacio escénico, bien armado y distribuido, contribuye al desarrollo de la obra en donde las imágenes, las formas, los sonidos y las luces trabajan reforzando la diégesis cargándola de impresiones fuertes y contundentes. La escenografía de neto corte expresionista colabora a ambientar la puesta mientras que las luces bien logradas y operadas refuerzan los rasgos de estilo expresionista no muy común en el teatro porteño actual.

De los muchos aciertos del director y de los que el espectador atento podrá dar cuenta se puede destacar el hecho de que el Juan enfermo en su cama no sea interpretado por ningún actor. Ésta es una jugada magistral del director. Si Juan agónico dejará de existir ¿por qué ponerle cuerpo a alguien que pronto ya no lo tendrá? y por otra parte, los recuerdos que evoca Carlos, el amante de Juan, tienen más vida, son más nítidos y evidentes que la presencia del cuerpo agonizante

Al mismo tiempo las escenas juegan con múltiples salidas y entradas de los personajes llenando o vaciando el espacio, cobrando este juego un papel importante en la obra en tanto que los momentos en los que las tablas están ausentes de cuerpos, se mantiene y realza el sentido dramático de la obra.

Otro acierto notable del director es el trabajo que hace con dos objetos que hacen las veces de ventanas, ventanillas, marcos y pantallas o sea, trabajan como "actores" que se mimetizan y se "transforman" según convenga a la obra. Las proyecciones en las pantallas realizada por Marianela Pietracone nos recuerdan los rasgos de estilo del artista plástico Jeremy Blake (1971-2007) enrolado al expresionismo abstracto postmoderno; otro acierto del director.

En síntesis, Éxtasis es un digno exponente del teatro de arte que sólo podrá ser apreciada por espectadores atentos y ávidos de arte.

Ficha técnica:

“Éxtasis o Dale de comer al pato

Dramaturgia y dirección: Alberto Félix Alberto

Intérpretes: María Alejandra Figueroa, Carlos Alberto Miceli, Juan Santiago Privitera

Duración: 80 minutos (aproximadamente)

Teatro: Teatro del Sur

Venezuela 2255, CABA

Teléfono: 4941-1951

Funciones: Viernes y Sábado - 20:00 hs

Localidades: $ 30,-- Generales; $ 25,-- estudiantes y jubilados

Eduardo Jorge Gil Michelena

Agosto de 2010

TEATRO POR LA IDENTIDAD SEPTIEMBRE

2010-08-26T09:50:00.000-07:00

Teatro x la identidad 2010
continúa en septiembre

Del 6 al 27 de septiembre
Todos los lunes - 20:30hs
Entrada gratuita
Las localidades se retiran en los teatros,
el día de la función, a partir de las 10 de la mañana

En esta segunda etapa de la celebración de los 10 años de Teatro x la identidad, se representarán obras especialmente seleccionadas en diferentes teatros céntricos.

Si necesitan material fotográfico, o desean realizar notas con los organizadores de Teatroxlaidentidad, no duden en solicitarlo por este medio. Gracias por el apoyo constante que durante todos estos años brindaron a las actividades de Teatroxlaidentidad, y les recordamos que el ingreso del público es como siempre con entrada libre y gratuita.

Teatro Apolo
Obra: Fechas Patrias. Autora y directora: Mónica Fracchia.
Obra: Somos Nosotros. Grupo Qué Rompimos - Dirección: Osqui Guzmán.

Hotel Bauen Teatro
Obra: Un judío Polaco. Autor y director: Alejandro Mateo.

Teatro del Pueblo
Obra: Bajo las nubes de polvo... Autoras: Damiana Poggi y Virginia Jauregui - Dirección: Andrés Binetti.
Obra: Análisis. Autora: Verónica Rodríguez - Dirección: Mariel Goicoechea.
Obra: Operación Callate. Autora y directora: Sol Levinton

Teatro La Comedia
Celcit. Los Tres patitos de Beatriz Pustilnik - Virtual de José Sanchis Sinisterra.
Obra: Una Mujer se Evapora... Autor: Norberto Lewin - Dirección: Carlos De Martino.

Centro Cultural de la Cooperación
Obra: Corriendo en la sangre. Autora: Teresita Galimani - Dirección: Pablo Lyonett
Obra: Epígrafes. Autor: Pedro Patzer - Dirección: Cristian Sabaz.

Teatro Maipo Kabaret
Obra: La Biblioteca. Autora : Virginia Kaufmann - Dirección: Lala Mendia - Virginia Kaufmann.
Obra: El último verso. Autora: Patricia Zangaro - Dirección: Pompeyo Audivert.

Teatro Metropolitan
Micromonóglos por la identidad. Coordinación autoral: Mauricio Kartún - Dirección: Daniel Veronese.

Multiteatro
Obra: Desdentados. Autor: Eduardo Rovner - Dirección: Lia Jelín.
Obra: Mariposas. Autora: Mónica Felippa - Dirección: Luis Rivera López.

Fiesta de Cierre: Sábado 23 de octubre en Ciudad Cultural Konex

FESTIVAL DE CORTOS EN TANDIL

2010-08-26T09:47:00.000-07:00

7° Tandil Cortos Festival Nacional de Cortometrajes
27, 28 y 29 de agosto, Centro Cultural Universitario

Del 27 al 29 de agosto próximos se realizará uno de los Festivales de Cortometrajes más importantes del país: el 7° Tandil Cortos Festival Nacional de Cortometrajes, organizado por la Asociación Cine Tandil y la Fundación Cineteca Vida, con los auspicios del INCAA, Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires, UNICEN (a través de su Secretaría de Cultura), DINAJU (Dirección Nacional de Juventud) y Ministerio de Desarrollo Social de la Nación y que tendrá como sede el Centro Cultural Universitario (Yrigoyen 662) de la ciudad bonaerense.
Está edición se otorgará el premio Ojo de Piedra de Oro: Mejor Cortometraje del Festival así como los premios Ojo de Piedra al Mejor Corto Animación, al Mejor Corto Documental, al Mejor Corto Ficción, al Mejor Corto Experimental, al Mejor Corto Videominuto, al Mejor Director, a la Mejor Producción, al Mejor Corto Local, al Mejor Actriz, al Mejor Actor y el Premio Fundación Cineteca Vida. El jurado del Festival estará compuesto por Ana Celentano (Actriz), Sabrina Farji (Realizadora cinematográfica), Gabriel Peralta (Actor, director y crítico teatral), Carolina Zarzoso Paoloni (Periodista y productora), Lorena Cancela (Escritora y periodista) y Oscar Pariso (Docente y compaginador cinematográfico). También se entregara el Premio Ojo de Piedra del Público.
Se entregarán los Premios Ojo de Piedra a la Trayectoria a la excelente actriz Adriana Aizenberg, así como al reconocido crítico cinematográfico Rómulo Berruti y al gestor y productor cultural Rubén Betbeder.
Enmarcado en los festejos por el Bicentenario, programados por la Unidad Ejecutora del Bicentenario y se proyectarán algunos de los cortos para la realización colectiva que se denomina “25 miradas, 200 minutos” y que son 25 películas de 8 minutos cada una con los más prestigiosos actores y por los más reconocidos realizadores.

Programación general
Auditorium Alfa del Centro Cultural Universitario (Yrigoyen 662)
Entrada libre y gratuita

Viernes 27 de agosto
20: ceremonia de apertura
Homenaje a Adriana Aizenberg: "Ojo de Piedra a la Trayectoria", con la presencia de la actriz.
Proyección del corto "Cómo se hace una película argentina" (1948). Presenta Hernán Gaffet.
Proyección "25 miradas, 200 minutos"
MERCEDES (de Marcos Carnevale), con China Zorrilla, Andrea del Boca y Pacho O’Donnell
INTOLERANCIA (de Juan José Jusid), con Leonor Manso, Soledad Villamil, Carlos Portaluppi, Luis Luque, Nicolás Repetto y Ana Celentano
CHASQUI (de Néstor Montalbano), con Diego Capusotto, Luis Luque, Damian Dreizik, Luis Ziembrowsky, Néstor Montalbano, Aníbal Esmoris y Luis Ventura.
Competencia Tandil Cortos
(C) Competencia
(M) Muestra
VIVAN LOS NOVIOS (C), de Julia Olivares (Ficción)
LEROY (C), de Marcos Valdivia (Animación)
LA HISTORIA COLECTIVA (C), de Guillermo Bergandi y María José Gómez (Documental)
ÉCHENLE SAL (C), de Sonia Bertotti (Experimental)
ARMANDO (C), de Martín Vatenberg (Ficción)
LA HOJA (C), de Miguel Ángel Moreiras (Documental)
LA NOCHE DEL FLORERO (C), de Jimena de la Torre (Ficción)
COPIA "A" (C), de Gervasio Rodríguez Traverso y Pablo A. Díaz (Animación)
Categoría Cortos Tandilenses
"40 SEGUNDOS SOBRE EL MAR" (C), de Mariano Gabriel Gila (Animación)
EL DESPECHADO BARBA NEGRA (C), de Mariano Duro (Animación)
LèCORTÓ (C), de Esteban Velazco (Ficción)
FERROTANDIL (C), de Pablo Lucas Núñez (Documental)
SIN SABOR (C), de Noé Paganotto (Video Minuto)
EL JUEGO DE LOS SUEÑOS (C), de Walter Vicente (Ficción)

Sábado 28 de agosto
18: cortos ganadores de la 6ta Noche del Cortometraje - INCAA
50 AÑOS EN LA LUNA, de Mariano Santilli (1° premio)
UN JUEGO ABSURDO, de Gastón Rothschild (2° premio)
CHÁMAME, de Susana y Silvina Szperling (3° premio)
3° Premio 6° Noche del Cortometraje
Corto ganador del 21° Festival Aguilar de Campoo de Castilla y León: YANINDARA (de lluis Quilez)
19: primera función
Cortos del Bicentenario "25 miradas, 200 minutos"
EL ESPÍA (de Juan Bautista Stagnaro), con Pablo Ribba y Mauricio Dayub
MÁS ADELANTE (de Lucía y Esteban Puenzo), con Diego Peretti, Luis Luque, Osqui Guzmán, Florencia Raggi y Martín Piroyansky
Competencia Tandil Cortos
LA FÁBRICA (C), de Leonardo Diez (Ficción)
ABUELA HUASTECA (C), de Ezequiel Sánchez (Documental)
FLASHBACK (C), de Martín Ochoa (Ficción)
RETRATOAUTORRETRATO DE LOLA PRUN (C), de Paulo Pécora (Experimental)
BALLOONS (C), de Javier Devitt (Experimental)
UN DESEO MUY PARTICULAR (C), de Liliana Romero (Animación)
TRAUMATIC 73 (C), de Lucas Nieto (Ficción)
VARIACIONES SOBRE LA NATURALEZA DEL TIEMPO Y LA DISTANCIA (C), de Luciano Lucaioli (Experimental)
TRAINING (C), de Daniel Duche y Amelia Vidal (Animación)
GAUCHOS AHORA (C), de Rodolfo Garavagno (Documental)
TRES PORTUGUESES (sin contar el muerto) (C), de Alejandra Kuktosky y Gastón Marin (Ficción)
TRATA (C), de Víctor Postiglione (Ficción)
Segunda función
21: 30: Cortos del Bicentenario "25 miradas, 200 minutos"
SER ÚTIL HOY (de Víctor Laplace), con Vidoro Casco y Eduardo Rodríguez del Pino
Competencia Tandil Cortos
COCINA PARA MICROONDAS (C), de Rodolfo Moro (Ficción)
MAR (C), de Ileana Andrea Gómez Gavinoser (Animación)
HOMBRE VS. METEORITO (C), de Gabriel Balanovsky (Documental)
EL EMPLEO (C), de Santiago ‘Bou’ Grasso (Animación)
TRES HAIKUS MODERNOS (C), de Cristián Tàpies (Experimental)
PIBE`S (C), de Martín Lladd (Ficción)
METEGOL (C), de Javier Cabrera (Animación)
CRIATURA SAGRADA (C), de Luciano Redigonda (Ficción)
RETRATO (C), de Ignacio Busquier (Documental)
ATLANTIS I (C), de Verónica Paz (Experimental)
ARGENTINO VARGAS (C), de Federico Sosa (Ficción)
TECLÓPOLIS (C), de Javier Mrad (Animación)

Domingo 29 de agosto
19: Cortos del Bicentenario
GENTE QUERIBLE (de Leonardo Favio)
FALLAS DE ORIGEN (de Juan Taratuto)
Competencia y Muestra Tandil Cortos
(C) Competencia
(M) Muestra
EL VUELO DE ATÍ (M), de Emilce Ávalos (Animación)
RESIGNACIÓN (C), de Pablo Polledri (Video Minuto)
PASEO (M), de Emilia Penelas (Animación)
SINECDOQUE (C), de Adriana Sosa (Video Minuto)
REBELIÓN EN LA CASA (M), de Lucio Rodríguez Muñoz Pien (Ficción)
RHIN (C), de Nicolás Agüero (Video Minuto)
SERENO (M), de Gwenn Joyaux (Ficción)
LA JALEA (C), de Fernando Massobrio y Martín Wain (Video Minuto)
EL CUATRO DE COPA (M), de Pablo Almeida (Ficción)
ESAS MUJERES (C), de Julián Cáneva (Video Minuto)
FAKIN GAN (M), de Matías Gallinal (Ficción)
ENSUBJETADO (C), de Gabriel Herce (Video Minuto)
Categoría: Video Minuto
SIN RAMPA (M), de Carlos Gabriel Borgatello (Ficción)
EL AVENTON (C), de Martín Wain (Video Minuto)
TONTINA (M), de Ignacio Ragone (Ficción)
EL SUEÑO DEL MONJE Y LA MARIPOSA (C), de Víctor Blasco (Video Minuto)
EL OLVIDAO (M), de Taller de Cine “El Mate”, chicos y chicas de entre 10 y 17 años (Ficción)
NO A LA GUERRA (C), de Lisandro Pardoa (Video Minuto)
EQUIPAJE (M), de Tatiana Maranca (Ficción)
ESCRITO EN LA PIEDRA (C), de Matías Nahuel Sánchez (Video Minuto)
LA NIÑA Y EL BICHO (M), de Carla María Gratti (Animación)
COMPOSICIÓN PARA GOTERAS EN LLUVIA SOSTENIDA (C), de Grupo Humus (Video Minuto)
21: 30: ceremonia de clausura
Entrega de premios
Homenajes a Rubén Betbeder y Rómulo Berruti

REVISTA TEATRO EN MONTEVIDEO

2010-08-26T09:45:00.000-07:00

REVISTA “TEATRO” EN
MONTEVIDEO
La publicación del CTBA se venderá en
los teatros Solís y Galpón de la capital uruguaya
Cuando en marzo pasado se presentó Escritos sobre teatro, el libro que reúne las notas que el recordado crítico uruguayo Gerardo Fernández escribió para TEATRO, surgió la inquietud por parte de sus amigos del medio teatral montevideano de que la publicación apareciera en esa ciudad. Ahora, gracias a un acuerdo firmado con las autoridades del Teatro Solís y del Teatro El Galpón, esta revista se venderá en las librerías de estos entrañables escenarios de la capital uruguaya.
Por cierto, la relación que une al San Martín con ellos es extensa y hasta trasciende lo estrictamente artístico. El elenco de El Galpón se presentó por primera vez en la Sala Martín Coronado en 1984, cuando aún se encontraba proscripto en su país. Esa actuación se convirtió en un acontecimiento estético y político, que provocó que centenares de uruguayos cruzaran el río para reencontrarse con una compañía que había sido empujada al exilio en 1976. En cuanto al Teatro Solís, el principal coliseo del país, su escenario ha albergado a numerosos espectáculos del San Martín, además del Grupo de Titiriteros y el Ballet Contemporáneo, cuyas presentaciones continúan hasta hoy.

ESTADO DE IRA

2010-08-23T21:09:00.000-07:00

“ESTADO DE IRA”
Teatro Sarmiento Av. Sarmiento 2715
Autor: Ciro Zorzoli
Elenco: Paola Barrientos, Pablo Castronovo, Javier Drolas, Marina Fatini, Vanesa Maja, Cecilia Meijide, Dalila Romero, Diego Rosental, María Inés Sancerni, Gabriel Urbani, Diego Velázquez
Vestuario: Oria Puppo
Escenografía: Oria Puppo
Iluminación: Eli Sirlin
Entrenamiento corporal: Eugenia Estévez
Dirección: Ciro Zorzoli
Funciones: jueves, viernes, sábado y dgos. 21hs.

"El arte debe tener esas necesarias tensiones y rupturas entre el rigor y la audacia y entre lo permanente y lo nuevo", Lino Eneas Spilimbergo (1896-1964).

Estado de ira es la segunda derivación de un proyecto de experimental denominado un tanto pomposamente Ostinato Rigore. Del mismo modo que en Exhibición y desfile – primera derivación de ese proyecto -, la pieza intenta indagar en el mundo de los actores y los mecanismos de la representación escénica. Ciro Zorzoli.

Síntesis e impresiones:
Estado de ira se desarrolla en una repartición pública, allí un grupo de empleados preparan actores de reemplazo para las obras que están en cartel en los teatros del centro.
En esta oportunidad asisten a una actriz que debe suplir a la que realiza el papel de Hedda Gabler, de la obra de Ibsen, respetando – las normativas vigentes-.
Todo el equipo se pone en marcha para sostenerla ocupando el lugar de los diferentes personajes, que además son intercambiables, y los escasos y particulares elementos del lugar se adecuan para la escenografía.
Esta concepción artística podría encuadrarse como teatro dentro del teatro (meta teatro) donde el teatro habla de sí mismo, se devela ante los ojos del espectador Se crea una percepción diferente acerca del trabajo del actor y su relación con el público, con delgados límites entre la realidad y la ficción.
Acciones que transcurren en dos niveles, la composición con detalles autorreferencia les, entrando en la esencia del arte y el nexo entre la vida y el arte.
Simultáneamente sentimos la fuerza del texto de Ibsen retratando a una mujer alejada de los ideales de moral de la época (finales del siglo XIX) obsesionada por el dinero y el status social, muy desdichada.
Interesante propuesta, participativa y reveladora. BUENA.
Mabel Loschiavo.
El director
Actor, director teatral y docente, Ciro Zorzoli nació en Mar del Plata y estudió en el Conservatorio Provincial de Música Luis Gianeo de dicha ciudad. Posteriormente se radicó en la Capital Federal y cursó sus estudios de actuación en la Escuela Municipal de Arte Dramático de Buenos Aires. Como director ha estrenado, entre otras obras: Salsipuedes; Living, último paisaje (Subsidio Fundación Antorchas a la Creación Artística); A un beso de distancia (coproducción del Teatro San Martín); Death Valley Junction, de Albert Ostermaier (Instituto Goethe); Ars Higienica; 23.344, de Lautaro Vilo (C. C. Ricardo Rojas, UBA); Crónicas, de Xavier Durringer (Festival Tintas Frescas); El niño en cuestión (Complejo Teatral de Buenos Aires, Teatro Sarmiento, Proyecto Biodrama); La Selva Interior, compuesta por Marcelo Toledo (CETC, Centro de Experimentación del Teatro Colón); y Exhibición y Desfile.

2010-08-23T01:28:00.000-07:00

APATRIDA
MEIRINGEN, MILAGROS

de Raphael Urweider

Dos piezas radiales ejecutadas en vivo.

Composición y ejecución: Zypce
Actuación: Rafael Spregelburd / Zypce
Textos: Raphael Urweider (Suiza) / Rafael Spregelburd (Argentina)
Investigación: Viviana Usubiaga
Iluminación: Santiago Badillo
Vestuario: Julieta Álvarez
Asistentes: Gabriel Guz , Magdalena Martínez
Producción: Erik Altorfer
Con el auspicio de Pro Helvetia y el Goethe Institut

Sobre APÁTRIDA:
Es la navidad de 1891. Luego de formarse en Europa, un puñado de pintores argentinos comandados por Eduardo Schiaffino pretende –con una modesta exhibición en la calle Florida – una misión altisonante: fundar, tal vez, un arte nacional. Pero hay una voz, una sola, que se levanta en contra. Eugenio Auzón, que firma como A Zul de Prusia, ataca sin piedad: “Habrá arte argentino dentro de doscientos años y algunos meses”. La lúcida y amarga polémica entre Schiaffino y Auzón se sale de control, y lo que comienza siendo “una ofensa de las que se lavan con buena pintura” acaba lavándose con sangre. Ninguna patria celebra a sus apátridas.”
Rafael Spregelburd
Sobre MEIRINGEN, MILAGROS:
A finales del siglo XIX una oleada de habitantes abandonó las montañas suizas a causa de la pobreza y el hambre. Las condiciones agrícolas ya no estaban a la altura del crecimiento de la población. Después de EE.UU., Argentina era el segundo país más importante de emigración. El monólogo trata de un maestro de escuela en un pueblo ubicado en la región de Meiringen, que emigra en 1888 a Buenos Aires, donde se enamora de una cierta Milagros, que finalmente lo deja. Hallándose lejos de la patria que odia y lejos de la mujer que ama, él reclama su dolor de manera exagerada y curiosa. La idea consiste en fusionar su monólogo con la obra Apátrida de Rafael Spregelburd en el marco de una lectura musical. También de mostrar que en la Suiza campesina-preindustrial casi no había cultura y menos una cultura europea; y que los emigrantes suizos tienen un sentimiento de amor y odio por su patria que no los deja hablar de otra cosa; esa es “la enfermedad suiza”.
Raphael Urweider
En el ciclo del proyecto Dramaturgias Cruzadas
Goethe Institut de Buenos Aires / Av. Corrientes 319
Sólo cuatro funciones, en dos días:
Viernes 27 de agosto a las 20:00 y a las 22:00
Lunes 30 de agosto a las 20:00 y a las 22:00
Entrada libre. Capacidad limitada. Las entradas se retiran en el Goethe el día de cada función.

ACASSUSO

2010-08-23T01:25:00.000-07:00

Vuelve este Jueves 9 de septiembre de 2010 ACASSUSO
de Rafael Spregelburd
Un grupo de maestras de escuela, en los confines de Merlo, en las fauces hambrientas del conurbano.
De pronto, la noticia: heroicos e inteligentísimos ladrones han dado un golpe en Acassuso, el más espectacular de la historia criminal argentina, sin disparar un solo tiro.
Y se han robado un Banco Río, con túneles, rehenes, poemas.
Envalentonadas por la idea, estas heroínas anónimas de la tiza y del contralor darán -a su vez- su modesto pero inequívoco golpe.

Actúan:
Paula Acuña, Emma Rivera , Pilar Gamboa , Ideth Enright , Elisa Carricajo , Laura Paredes , Valeria Correa , Luciana Pettigiani , Andrea Lo Tartaro , Mauricio Morando y Adrián Fondari

Actores reemplazantes: Laura López Moyano, Débora Zanolli y Esteban Bigliardi
Producción: Corina Cruciani
Asistentes: Laura Fernández / Gabriel Guz
Vestuario y ambientación: Mónica Raiola
Cuadro: Susana Di Pietro
Luces: Matías Sendón
Fotografía: Patricia Di Pietro
Dirección: Rafael Spregelburd

JUEVES 9, 16, 23 y 30 DE SEPTIEMBRE 20:30 hs
Teatro Andamio 90 HYPERLINK "http://www.andamio90.org/" \t "_blank" www.andamio90.org
Paraná 660
Reservas al 4373-5670
CUATRO ÚNICAS FUNCIONES / ¡YA SE TOMAN RESERVAS!
Premio del Espectador 2007
Terna de los Premios Clarín 2007 como Mejor Obra del Circuito Off.
Terna de los Premios Florencio Sánchez: Mejor Dramaturgia
Terna de los Premios Clarín 2007 como Mejor Actriz del Circuito Off: Pilar Gamboa.
Terna de los Premios Clarín 2007 como Mejor Actriz del Circuito Off: Elisa Carricajo
X Premios Teatro del Mundo a la Mejor Dramaturgia
X Premios Teatro del Mundo a la Mejor Actriz ( Pilar Gamboa )
X Premios Teatro del Mundo a la Mejor Iluminación ( Matías Sendón )
Destacado en los X Premios Teatro del Mundo en el rubro Mejor Dirección
Destacado en los X Premios Teatro del Mundo en el rubro Mejor Actriz ( Elisa Carricajo )
Destacado en los X Premios Teatro del Mundo en el rubro Mejor Fotografía ( Patricia Di Pietro )
Destacado en los X Premios Teatro del Mundo en el rubro Mejor Vestuario ( Mónica Raiola )
Destacado en los X Premios Teatro del Mundo en el rubro Mejor Escenografía ( Mónica Raiola )
Terna del Premio María Guerrero en el rubro Dramaturgia
Premio Estímulo María Guerrero para Pilar Gamboa

NUEVO FILM "HUELLAS Y MEMORIA"

2010-08-20T14:58:00.000-07:00

El film de Fermín Rivera, HUELLAS Y MEMORIA DE Jorge Prelorán, ha sido seleccionado para el 15 Festival Internacional de Ourense, España. También se presentará en los Festivales Internacionales de Piriápolis, en el DOCS de México, y en Competencia Oficial en :
1º Festival de Cine Documental de San Juan, Argentina
9º Festival de Cine de Tandil, Argentina,
5º Festival de Latinoamericano de Cine FESAALP - La Plata, Argentina.
Con el film "Huellas…", realizado por Fermín Rivera, discípulo de Prelorán se está logrando un gran reconocimiento a la figura de Jorge Prelorán, y al documental argentino. El estreno del film está confirmado para el 30 de septiembre en el cine Gaumont, y el 8 de octubre en Malba Cine.
Press book completo, fotos, afiche, música: www.huellasdepreloran.com.ar

2010-08-19T21:22:00.000-07:00

La 8ª edición del TANGO Festival y Mundial de Baile, organizado por el Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, se realizará entre el 13 y el 31 de Agosto de 2010.
El Mundial de Baile es la fiesta que convierte a Buenos Aires en la meca para los bailarines de tango de todo el mundo.
El evento premiará a los mejores bailarines en las categorías “Tango Salón”, que privilegia el baile social como una práctica de neta raigambre porteña, y “Tango Escenario”, que tiene como objetivo enriquecer la danza desde una concepción coreográfica vinculada con el espectáculo.
Durante el desarrollo del Mundial, el público también podrá disfrutar de milongas, exhibiciones, clases temáticas gratuitas, espectáculos de baile y Work in Progress de las más prestigiosas compañías. La gran fiesta ya se está palpitando.

FESTIVAL DE CINE ALEMAN

2010-08-19T10:54:00.000-07:00

EL FESTIVAL DE CINE ALEMÁN CUMPLE DIEZ EDICIONES
SE ANUNCIA EL PRÓXIMO ENCUENTRO CINEMATOGRÁFICO PARA SEPTIEMBRE EN EL HOYTS ABASTO
Organizado por German Films, el reconocido Festival de Cine Alemán celebrará su décima edición en la Argentina del 23 al 29 de septiembre.
Este año, por primera vez, se llevará a cabo en los cines Hoyts Abasto de Buenos Aires.
Al igual que en ediciones anteriores, la programación del Festival comprenderá una selección de los más destacados largometrajes de la última producción cinematográfica alemana, que este año incluye:
La extraña de Feo Aladag (película de apertura)
Nanga Parbat de Joseph Vielmaier
Tregua de Lancelo Von Nasso
Berlín 36 de Kaspar Heidelbach
Llega el día de Susanne Schneider
Friendship de Markus Goller
Corre, si puedes de Dietrich Brüggemann
Nunca había sido tan feliz de Alexander Adolph
Lila, Lila de Alain Gsponer
Además, incluidos en la programación tendremos el documental Kinshasa Symphony, la película para toda la familia Hanni & Nanni y también una selección de cortometrajes “Next Generation”.
Y como ya es habitual, para cerrar el festival se proyectará una película muda con acompañamiento musical en vivo.
En breve se estará anunciando la programación completa así como las visitas internacionales de este año.
Auspiciado por
Goethe- Institut Buenos Aires y Cine Hoyts

UN HUECO

2010-08-18T15:10:00.000-07:00

UN HUECO

(2da. temporada)
FUNCIONES: Sábados 21.30 y 23 hs. y Domingos 20 hs.
Club Estrella de Maldonado – Av. J. B. Justo 1439, Palermo.
Ficha Técnica
ACTUACIÓN Patricio Aramburu (Maxi) ● Nahuel Cano (Lucas) ● Alejandro Hener (Hugo)
DISEÑO DE ILUMINACIÓN José Pigu Gómez ● Carolina Rolandi
DISEÑO GRÁFICO Natalia Domato ● Alejandro Null
DRAMATURGIA Y DIRECCIÓN ● Juan Pablo Gómez

Síntesis e impresiones:
Un Hueco reúne a tres jóvenes Maxi, Lucas y Hugo en el club social de un pueblo del interior, para asistir al velorio de un amigo.
Ellos deciden quedarse en el vestuario alejados del resto de los conocidos y familiares, a los que espían a través de una puerta, sacando conclusiones de las miserias humanas.
En este espacio íntimo, reducido, que les da privacidad, comen y toman, alardean de las proezas machistas, se reprochan ausencias en especial la de Hugo que se mudó a Buenos Aires.
La proximidad de la muerte, sacude y moviliza la agonía de sus propias vidas sumergidas en la monotonía cotidiana de la vida pueblerina y las inevitables comparaciones con el que se fue a la capital..
Esta obra tiene la particularidad de desarrollarse en el espacio real, el vestuario del Club Maldonado, un pequeño lugar que incluye los detalles propios del sitio como escenografía.
El reducido grupo de espectadores (no más de veinte) que asiste a este funeral se involucra en la puesta en escena, por la proximidad y la intensidad de las actuaciones, que pasan por todas las emociones posibles para elaborar la pérdida.
Un hueco es la ausencia definitiva de algo que construyó nuestra propia historia, es entrar en un sitio que conocemos y establecer empatía con el balance que los amigos hacen de la levedad del ser.
Impecable y conmovedor trabajo de conjunto en un espacio no convencional.
MUY BUENA

Patricio Aramburu (Tanto Tiempo), Alejandro Hener (Matar el pensamiento, Música en espera) y Nahuel Cano (Zona liberada, Medieval y como director, Darwin, Serán sus ojos) se conocieron sobre el escenario en el espectáculo Solos; bajo la dirección de Alejandro Catalán. Se formaron en los talleres del propio Catalán, Ricardo Bartís y Damián Dreizik. Han participado en varias producciones independientes y cinematográficas. Juan Pablo Gómez inició su actividad artística como actor y acróbata en distintos espectáculos de teatro y teatro físico. Sus maestros fueron Daniel Casablanca , Pompeyo Audivert y Ricardo Bartís en teatro y su formación acrobática se desarrolló principalmente dentro de la escuela “La Arena” de Gerardo Hochman.En el año 2000 se vuelca hacia la dirección y la dramaturgia con su primera obra Marambio en colaboración con Mariano Speratti (estrenada en el C. C. R. Rojas) y luego con Los demás no existen (estrenada en Espacio Callejón en 2005).Fue asistente de dirección de reconocidos directores y dramaturgos como Lola Arias y Rafael Spregelburd, con quien ha viajado y trabajado en numerosos festivales en Europa y Latinoamérica desempeñándose como stage manager de la obra “La Estupidez”. Su tercer espectáculo, Vuelve la Rabia, en colaboración con Walter Jakob en dramaturgia, obtuvo el Primer Premio del Concurso Metrovías de Guiones de Teatro y el Tercer Premio de la Editorial Colihue.

DENTRO DE LA TIERRA

2010-08-18T15:06:00.001-07:00

DENTRO
DE LA
TIERRA
de
Paco Bezerra
LECTURA DRAMATIZADA
del texto ganador del Premio Nacional de Dramaturgia de España en 2010

20 de agosto de 2010 - 19:30
entrada libre y gratuita hasta completar aforo
CCEBA - Paraná 1159 -
(con la presencia del autor)
Dentro del ciclo Scriptum Est
SINOPSIS
En La Huerta de Europa, en el ámbito de los invernaderos de Almería, en cuyo interior se cultivan verduras y hortalizas en condiciones especiales al margen del entorno desértico circundante, una familia esconde una historia de horror, represión y muerte. A través de Indalecio, el mediano de los tres hermanos, descubrimos la verdadera cara de ese "Campo", basado en el trabajo y la tradición, pero también en la explotación y la mentira. Dentro de la Tierra es una historia de terror, pero también una historia sobre la familia, el amor y la ambición.
FICHA ARTÍSTICA
Actores: Gonzalo de Otalola, Clara Díaz, Iñaki Moreno Jovaní, Yoska Lázaro,
Esther Ramos, Susana Hornos, Guillermo Pesoa y José Gamo
Música en directo: Guillermo Pesoa
Realización de máquina de tierra: Federico Hurtado
Dirección: José Gamo

LA HUELLA DEL ELEFANTE

2010-08-18T15:02:00.000-07:00

La huella del elefante

Coni Vera -Marta Albanese -Tuchi Rotembergh
“La huella del elefante” de Marta Albanese es un grito, un llamado a la no discriminación hacia el diferente.
Através del humor, se presentan distintas situaciones de nuestra realidad de modo de invitar a la reflexión y apuntar a proponernos un cambio.
Coni Vera, Marta Albanese y Tuchi Rotembergh bajo la dirección de Susana Di Gerónimo son las encargadas de meterse en la piel de estos personajes, nos arrancaran sonrisas y ocuparan un lugar en el mundo de nuestros afectos.
Continuando con la gira que vienen realizando se presentan los domingos 22 y 29 de agosto a las 20hs en el Centro Cultural Resurgimiento, Artigas 2262
como parte de la programación de Teatro en barrios que organiza la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad .Entrada libre y gratuita
Libro: Marta Albanese
Dirección: Susana Di Gerónimo

DANIEL BARENBOIM

2010-08-18T14:59:00.000-07:00

ESTE JUEVES SE ANUNCIARÁ EL CONCIERTO GRATUITO QUE DARÁ DANIEL BARENBOIM EN EL OBELISCO
AL FRENTE DE LA ORQUESTA QUE FORMÓ CON JÓVENES MÚSICOS ISRAELÍES Y PALESTINOS

El jueves 19 de agosto a las 13 horas el Ministro de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, Hernán Lombardi, brindará una conferencia de prensa junto al maestro Daniel Barenboim sobre el concierto con entrada libre y gratuita que el director y pianista argentino ofrecerá en el obelisco el próximo sábado a las 15 al frente de la Orquesta West-Eastern Divan, que Barenboim y el intelectual palestino Edgard Said crearon en 1999 con jóvenes músicos árabes e israelíes. La conferencia tendrá lugar en el Salón Dorado de la Casa de la Cultura , avenida de Mayo 575. Estará también presente la señora Marian Said, viuda del profesor Edward Said.

El concierto en el obelisco es organizado por el Ministerio de Cultura porteño y en su transcurso la West-Easter Divan interpretará bajo la batura de Barenboim la Overtura Leonore III y la Quinta Sinfonía de Beethoven. El escenario estará ubicado en la Plaza de la República mirando hacia el sur y al frente se colocarán 5.000 sillas. Habrá también dos pantallas de grandes dimensiones para una mejor visualización del espectáculo.

La Orquesta West-Eastern Divan
En 1999, Daniel Barenboim y el intelectual palestino Edward Said, fallecido en 2003, establecieron un taller para jóvenes músicos de Israel, Palestina y otros países árabes de Oriente Medio con el objetivo de difundir la convivencia y el diálogo intercultural. La orquesta recibió su nombre de una colección de poemas del escritor Johann Wolfgang von Goethe llamada “West-Eastern Divan”, una obra de referencia para el desarrollo del concepto de cultura global.
Además de ofrecer este concierto gratuito, la Orquesta West-Eastern Divan se presentará en el Teatro Colón el 18, 19, 20, 21, 22, 24 y 25 de agosto.

EN TUS ULTIMAS NOCHES

2010-08-18T14:55:00.000-07:00

En tus últimas noches
Resumen:
En un apocalíptico año 2080 dos parejas viven en un pueblo de provincia dentro de una especie de “bunker” que es su hogar y en tanto que es comercio también su medio de vida. En ese reducido espacio las cuatro almas sobreviven sin ningún lujo pero como muchos deseos que marcan y desatan los conflictos entre ellos mismos y el mundo. Así el ambiente se carga de angustiantes sentimientos en donde los ahogos, impiedades y desamores son permanentes.
El desenlace es la caída al abismo que ellos mismos han sabido construir allí nomás, debajo de sus pies.

Impresiones sobre la obra.
“En tus últimas noches” es una obra breve, cargada de tensión y silenciosa violencia. El ambiente cronotópico (esto es el tiempo y el lugar en donde está inscripto) muestra similitudes con “1984” de George Orwells, “Un mundo feliz” de Aldous Uxley y “Sueñan los androides con ovejas eléctricas” de Phillip K. Dick que inspirara la famosa “Blade Runner” de Ridley Scout. Así en ese ambiente, el estado de tensión, desesperanza y angustia la obra llega como un descarnado relato de sobre cómo el hombre puede generar su propio destino que también es su propia tumba que habitan aún en vida.
Nos hace repensar entonces de la mano de Martín Heidegger que en la perspectiva del acontecer, si no buscamos con fundamentos (grund) encontramos el abismo (abgrund); así -siguiendo con el filósofo alemán- el ser existente (dasein) también es un "ser ahí" (da sein) que está yecto en el mundo y por su libre albedrío puede elegir su "pro-yecto". Es entonces en donde se juega el tiempo, el espacio y la libertad del ser para encontrar su destino con fundamento o su abismo.

Ficha:
“En tus últimas noches”
Dramaturgia y dirección: Francisco Lumerman
Duración: 60 minutos (aproximadamente)
Teatro: Timbre 4
México 3554, CABA. Teléfono 4932-4395
Funciones: Viernes 23:30
Localidades: $ 20,-- (baratas).
Eduardo Jorge Gil Michelena.

(Agradecemos su valiosa colabración)
Agosto 2010

UN DIA EN AFRICA

2010-08-18T14:50:00.000-07:00

Un día en África
Resumen:
Teatro de títeres. La obra, enmarcada dentro de la geografía del áfrica negra, cuenta la historia dos enamorados: Kanú, un aldeano y Okoya, una princesa. Un guerrero, tercero en discordia, es también pretendiente. El rey, cumpliendo la ley de su pueblo, exige que la princesa se case con el aldeano que más valor demuestre, por lo tanto plantea una prueba que será la de conseguir los atributos de valor: los pelos de la cola de un león, un diente de cocodrilo y la pluma de un águila real.
El aldeano enamorado, que duda en poder cumplir la prueba, a instancia de su enamorada emprende la difícil tarea. Así él se internará en la selva para cumplir su objetivo. Allí con mucha más astucia que fuerza, con más perseverancia que violencia y ¿por qué no?, un poco de suerte, acometerá la empresa. La ayuda de los animales que por compasión, simpatía y por temor le será imprescindible para conseguir el éxito. De regreso a la aldea, logrará por fin casarse con la princesa.
La obra trabaja la técnica de marionetas desde concepciones y técnicas variadas, así en ésta se combina el uso de marionetas de mano (sin hilo), muppets (o bocones) y disfraces logrando así una interesante y sugestiva puesta en donde no faltan canciones y un buen manejo de utilería. El texto de puesta trabaja valores nobles y prescinde de la violencia para armar una historia simple que no obstante permite lecturas reflexivas.
IMPRESIONES sobre la obra.
El género “teatro infantil” se define por el público objetivo al que va dirigido; no obstante y por suerte, admite intrusos: el público adulto que lo disfrutará si –y sólo si– no se ha olvidado que alguna vez fue niño.
La obra no es compleja, los componentes: dos enamorados, un tercer pretendiente guerrero que entra en la disputa, un rey que enuncia el planteo de la prueba que resolverá el conflicto; lograr superarla será el sendero por la que transcurre hilo de la historia y, por supuesto, los animales que serán los ayudantes de Kanú, por diversas razones lo auxilian. No hay recursos complejos (ni Flash Back, ni modelos intricados, ni secretos para el espectador) que pudieran oscurecer el entendimiento de la historia. Así la obra se presenta simple, inteligible y evidente mientras que admite relecturas profundas en donde se pueden rescatar valores nobles.
Si bien la historia transcurre en África, en ella se transponen valores y conductas típicas del hombre blanco posmoderno para, en boca de los animales, denunciarlas a modo de crítica. Así lo aluden los animales ante la presencia del hombre: el cocodrilo teme ser convertido en carteras y zapatos, el elefante teme que el destino de sus colmillos sea el adorno y el águila real que teme por sus huevos. Pero Kanú no es blanco, así este “buen salvaje” responderá con astucia al planteo animal, con ello la obra consigue un discurso conservacionista y de respeto por la naturaleza y el medio ambiente.
“Un día en África” es una obra agradable, amena e interesante que merece ser vista por los espectadores atentos y sensibles desde los 4 años y hasta que su corazón les marque que ya están envejecidos.

Ficha:
“Un día en África” (Obra distinguida como “Mejor espectáculo de títeres” en el 49ª festival de teatro infantil de Necochea.)
Realizada por: Compañía de teatro Juglares (Premios: a “La mejor obra”, Argentores, 1996. “Mejor obra extranjera”, Paraguay, 2005. “Mejor obra de títeres” en el Festival de niños de Necochea, 2010)
Dramaturgia y dirección: Roberto Cortizo Petraglia
Duración: 60 minutos (aproximadamente)
Teatro: Andamio 90
Paraná 660, CABA
Funciones: Domingos 16 Hs.
Localidades: Numeradas; Mayores $ 25,-- Menores $ 15,-- (baratas). Reservas al 4373-5670. (Es conveniente reservar)
Eduardo Jorge Gil Michelena.

(agradecemos su valiosa colaboración)
Julio 2010

EL ABISMO... TODAVIA ESTAMOS

2010-08-18T14:38:00.000-07:00

COMENZO EL RODAJE DEL LARGOMETRAJE:
"EL ABISMO… TODAVIA ESTAMOS”
Dirigido y protagonizado por Pablo Yotich, y producido por Antonio Cervi, Magalí Nieva y Che Contenidos, “El Abismo… Todavía Estamos” se comenzó a rodar el pasado lunes 26 de Julio.
La película se preparo durante mas de dos años, y se esta filmando a lo largo de 5 semanas en mas de 10 locaciones diversas y trata el tema desde los nietos e hijos de desparecidos y la búsqueda de su identidad. Es una historia basada en relatos reales, apoyada por el INCAA y la Asociación Abuelas de Plaza de Mayo. Los realizadores de la película tienen la misma edad que los protagonistas en la vida real, y el propósito de este proyecto es mantener viva la memoria y colaborar con la recuperación de nietos de desaparecidos.
Los actores que participan son Agustina Posse, Juan Palomino, Raúl Rizzo, Alejandro Fiore, Mabel Pesen, Dalma Maradona, Adrián Yospe, Miriam Lanzoni y gran elenco. Así también, Víctor Heredia realizará la dirección musical de la película
Cuenta también con el apoyo de Presidencia de la Nación, Secretaria de Derechos Humanos y el INADI, entre otras instituciones.
Sinopsis Ernesto, motivado por el nacimiento de su primera hija, decide ir a vivir con su novia Paloma a mediados del año 1978. Sin saber que los militares los buscan para detenerlos por orden de su hermano mayor, son llevados a uno de los centros clandestinos más peligrosos de la Argentina.
Una vez detenidos, Paloma fallece dando a luz, mientras que Ernesto es torturado hasta la muerte.
En el año 2010, Alejandro, hermano cura de Ernesto y Felipe, cree reconocer a la hija de la joven pareja, Natalia. Tras contactarla, ella deberá decidir si acepta su verdadera identidad o la impuesta, con la cual aprendió a vivir durante 30 años.
Dalma Maradona quien interpreta a Mariana, una embarazada de 6 meses detenida en un centro clandestino de detención, dijo al respecto:
“Cuando me llego el guión leí el papel que me había tocado y al principio me pareció durisimo pensar que realmente una chica embarazada haya tenido que pasar por esas situaciones. Desde mis 23 años, y sin haber vivido esa época, me parecía un desafío poder formar parte de esta película que muestra que esas cosas lamentablemente pasaron, y tomar el compromiso de poder mostrarlas de la manera mas responsable.
Mis escenas fueron increíbles. Estuve con dos actrices que conocía de antes, Ariadna Azturzzi y Belén Santos, y me sentí muy cómoda Eso también tuvo que ver con el equipo técnico y con el director Pablo Yotich que me dejo dar mi opinión acerca de mi personaje y trabajarlo juntos.
Espero que esto sirva para que la gente que decidió no tomar partido por querer saber que había pasado en Argentina en esa época, sepa que hubo gente que sufrió un montón, y no desde lo político, sino desde lo humano.
Me gusto participar en esta película por el compromiso con el que se escribió el guión y con el respeto con el que se cuenta esta historia.”
Juan Palomino tiene el papel de Alejandro, el hermano cura del protagonista, tambien dijo:
“Desde lo mas profundo de los sentimientos nos atrevemos al abismo. Ese abismo que separo, torturo, mato, apropio vidas, negando las verdaderas identidades. Una mirada profunda sobre una época no muy lejana. El Abismo me completa como actor y como ciudadano. Un reencuentro con la memoria y la vida, un documento necesario para construir el futuro.
Pablo Yotich y su equipo, todos jóvenes ellos, irrumpen en el cine con poética contundencia para reafirmar sus convicciones y principios, acompañando de esta manera la lucha de las Abuelas y Madres de Plaza de Mayo en estos 34 años.”
Por ultimo, unas palabras del director, guionista y productor de la película, Pablo Yotich:
“La motivación de realizar esta película nace desde lo mas profundo de mis sentimientos ante el conocimiento de la lucha , la perseverancia y el amor de las Abuelas de Plaza de Mayo. Intento hacer un pequeño aporte desde mi mas humilde lugar a la reconstrucción de la memoria de los Argentinos, entendiendo que las Abuelas de Plaza de Mayo son las Abuelas de la Patria.
Me siento muy honrado de poder trabajar y de a poco ganarme la confianza de estos talentosos artistas que me acompañan, y sumado a eso la gran alegría de trabajar junto a mi amigo y hermano Juan Palomino.”